lunes, 12 de febrero de 2024

Análogos - Por Carlos Correa Acuña

Cinco capítulos conforman esta película, la séptima, del realizador chileno Jorge Olguin. “El cometa”, “el televisor”, “la internet”, “el regreso”, y “ya nos vemos”, son sus títulos, aunque funcionan solo como textos explicativos de un relato que se desarrolla en pocos meses.

Los hechos son públicos y conocidos. En Santiago de Chile, el paso de un cometa “verde” está provocando problemas en los sistemas de comunicación. Por eso falla la transmisión de la televisión aérea, la normal, la análoga, aquella que es captada por los aparatos más antiguos que no tienen los codificadores digitales que toman las nuevas señales. Y este es el punto de partida de la historia, porque Blanca -Mónica Carrasco-, no logra hacer funcionar su televisor, y José -Jorge Gajardo-, cuando despierta en la mañana, la encuentra de pié, sonámbula y bastante ida, sin recordar nada.

Blanca y José, son una pareja de ancianos que vive en solitario. Ella sufre una enfermedad degenerativa, y él tiene diabetes, por lo que se debe inyectar periódicamente. Los dos se acompañan, pero Blanca depende de José para todo lo cotidiano. Es él quien sale de la casa, hace las compras, va a buscar al hospital los remedios que necesitan, etc. Pero el tema del cometa altera la rutina de toda la ciudad, porque no se trata solo de un fenómeno astronómico, sino que, además, trae consigo virus letal que viene en forma de partículas arrastradas por su cola. Por eso hay cada vez más restricciones, se cierran los comercios, y la vida se desintegra.

El guionista y director se dedica a relevar lo dura que es la vejez y lo difícil que resulta para los ancianos la relación con el mundo digital actual. Desde los conceptos hasta lo concreto del manejo de un celular moderno, todo les resulta cuesta arriba, una realidad poco comprensible y mayormente agresiva que se ensaña con la cuarta edad. Si a eso le sumamos los problemas de salud y lo que aquello representa, la desprotección y vulnerabilidad alcanza niveles máximos.

Ya está dicho que José es quien interactúa con su entorno más cercano, por lo que sus breves contactos con Cindy -Cindy Díaz-, una joven peruana que atiende el almacén de la esquina, es un mínimo punto de conexión con una esquiva realidad, cada vez más difícil de comprender y asumir. Ella parece no tomarlo en cuenta las primeras veces, sin embargo en un momento dado cambia de actitud y se transforma en un apoyo, una referencia para esta pareja que trae una pérdida consigo, una hija que ya no está con ellos y cuyos recuerdos se encuentran en una pieza cerrada con candado, aunque esté cada vez más presente en la mente de Blanca.

Olguin avanza desde premisas sólidas pero muy diversas. La vejez, la soledad, el aislamiento, son tal vez los más importantes, pero también desarrolla el impacto social que provoca el paso del cometa con el virus desconocido -aunque bien sabemos que se trata del COVID19-, además de abordar el duelo, la diferencia generacional, la necesidad de acompañamiento, de ayuda, y de conmiseración ante situaciones particulares que necesitan algún tipo de empatía.

Las pesadillas de Blanca son recurrentes, pero nada distantes con la realidad que deben enfrentar, y que José ve con sus propios ojos. Hay confusión entre ficción y realidad, una línea delgada que el director cruza de uno y de otro lado para presentar pequeñas claves que guían el relato. Las interferencias se acrecientan. Ya casi no funciona la radio, y a pesar que Cindy se ha mudado a vivir con ellos, solo desea volver a su natal Lima en cuanto le sean concedidos los permisos. Será otro golpe duro, otra pérdida, un vacío cada vez más intenso y desolador, como las calles que el protagonista recorre en busca de remedios, en busca de ayuda.

“Análogos” es difícil de clasificar. Los nudos son dispersos y no hay uno con una centralidad que permita enfocar el análisis. Hay consistencia, sí, pero el mensaje se tiende a diluir cuando falla la credibilidad de las acciones. Cuando no tenemos diálogos es mucho más verosímil, cuando la acción solo se remite a las imágenes y a las secuencias de esta pareja cansada que ve con agobio cómo la vida les consume sus últimas energías.

El mérito innegable que tiene esta película de solo 80 minutos es la visibilidad que entrega a la vejez, y a aquellas dificultades que deben enfrentar los adultos mayores debido a situaciones cotidianas que para las generaciones más jóvenes son de lo más normal y sencillo. Una cierta crítica a la tecnología que deja a muchos de ellos totalmente excluidos está a la par con, tal vez, el mensaje más importante de la cinta, ese grito de alerta sobre el túnel sin salida en la vida de algunas personas que quedan sin opciones en un mundo cada vez más conectado virtualmente, pero a la vez, menos solidario y por lo tanto, menos humano.

Ficha técnica

Título original: Análogos
Año: 2023
Duración: 80 minutos
País: Chile
Compañías: Olguin Films, Vía X
Género: Drama | Vejez / Madurez
Guion: Jorge Olguin
Música: Jorge Olguin
Fotografía: Oliver Shaw
Reparto: Mónica Carrasco, Jorge Gajardo, Cindy Díaz
Dirección: Jorge Olguin

Anatomía de una Caída - Por Jackie O.

"La sombra de la duda"


Una mujer es sospechosa del asesinato de su marido, y su hijo ciego se enfrenta a un dilema moral como el posible único testigo.

Una conversación entre dos mujeres y música estruendosa que no para interrumpe la entrevista que una periodista le hace a la famosa escritora Sandra Voyter.
Estamos en pleno invierno, la nieve ilumina el sector, pero pareciera que dentro del hogar es más frío.

La periodista se va, y el hijo menor de edad del matrimonio es ciego sale con su hermoso perro guía, y deja a sus padres solos. Al volver, su perro lo lleva al cuerpo inerte de su padre, quien yace a un costado de la casa, ensangrentado. Sus gritos alertan a la madre.
¿Qué sucedió?

Como su nombre lo señala, vamos conociendo la estructura de una familia, principalmente de un matrimonio, donde Sandra Voyter comienza a ser cuestionada y es sospechosa de los hechos, pues hay indicios de su posible participación. Ella alega inocencia.
Sandra busca defensa, o más bien ayuda y orientación en su viejo amigo abogado. Él acepta, pero se ve enfrentado a un lapidario Fiscal, que ya da por culpable a Sandra, y es despiadado.

Una cinta que estéticamente nos cuenta sobre una muerte, ¿accidental u homicidio? Es lo que veremos, escucharemos y dilucidaremos. Un muerto, nadie ve cómo suceden los hechos, y una sospechosa, premisa que hemos visto, y en el transcurso de la trama debemos, no solo la policía y el fiscal, sino que nosotros, averiguar quién es el culpable. Averiguar que pasó.

Estamos en una Francia rural, donde los diálogos son en ese idioma pero también en Inglés, porque nuestra protagonista es inmigrante. La cinta dedica mucho tiempo en mostrar el proceso judicial, paso a paso, mediante el cual se construye un caso y se explora la relación de nuestra protagonista con su esposo y su hijo.
Sandra está en casi todas las escenas, y muestra una amplia gama de emociones, además que debe generar empatía, no solo al jurado, sino que a nosotros, porque vamos conociendo que el personaje es una mujer infiel y de carácter muy fuerte.
Se exponen las corrientes subterráneas de resentimiento, celos y enojo que pueden esconderse en una relación, más cuando uno es mas exitoso que el otro, de manera que son absolutamente convincentes las actuaciones de todos los partícipes, y pueden hacer que te preguntes de qué podrían ser capaces las personas en un estado de "acaloramiento".

Las escenas del tribunal fueron duras, y me pregunto ¿está permitida esa agresividad?
El joven Daniel, como hijo ciego,  mantiene excelentes momentos y diálogos. Su perrito merece una nominación a mejor actor, qué manera de mantenernos al filo del asiento.
Las actuaciones, en general, muy buenas, creíbles, que nos hacen tomar partido. Las tomas de cámaras son precisas para hacernos partícipe de lo que sucede.
Pero, sí, hay un pero, le habría quitado unos 15 minutos de trama, ya que se vuelve lenta en momentos por ser, tal vez, repetitiva, lo que también me obliga a decir que es una película "pesada" es decir, hay que tener un buen ánimo para verla.

Una interesante película, grandes actuaciones, muy buena trama en este trhiller psicológico que nos hace reflexionar sobre la anatomía de la vida misma.

Ficha técnica

Título original: Anatomie d'une chute (Anatomy of a Fall)
Dirección: Justine Triet
Guion: Arthur Harari y Justine Triet
Fotografía: Simon Beaufils
Montaje: Laurent Sénéchal
Protagonistas: Sandra Hüller, Swann Arlaud, Milo Machado-Graner, Antoine Reinartz, Samuel Theis, Jehnny Beth, Camille Rutherford, Anne Rotger.
Francia - 2023
Género: Suspenso, crímenes, drama y drama
Duración: 150 minutos

domingo, 11 de febrero de 2024

Vidas Pasadas - Por Jackie O.

"En esta vida o la otra"


Una historia que sigue a dos amigos a lo largo de 24 años, mientras contemplan la naturaleza de su relación a medida que se separan y viven vidas diferentes. La trama es semiautobiográfica y está inspirada en hechos reales de la vida de la Directora.

Dos amigos que viven en Corea del Sur, y con solo 12 años, tienen claro que se quieren entrañablemente, se aman en su inocencia, pero la familia de ella se irá a Canadá. Eso no solo es un cambio de ciudad, sino de sus nombres; ella es Na Young y se transformará en Nora, y Hae-Sung se queda con una nostalgia que no expresa en palabras. Ese amor inocente se trasforma luego de 12 años en dos veinteañeros universitarios en continentes diferentes, con vidas e intereses diferentes, que se encuentran gracias a las redes sociales, y comienzan a revivir esa infancia, pero Nora se da cuenta de que hay que avanzar y Hae-Sung no lo quiere aceptar, pero nuevamente queda ahí, inerte. Para luego, 12 años más tarde, volver a reencontrarse, pero no todo es igual ¿o sí?

La cinta entrelaza inteligentemente sus separados caminos, conectándolos con dramas y felicidad; con tradición e identidad, esa identidad que se va perdiendo con los años, pero que Nora desea tal vez recuperar, y que Hae-Sung le recuerda esa infancia que dejó. Pero Arthur, Arthur es el presente de Nora. ¿Quién será su futuro?

Es una historia simple, un trío que fluye en las aguas del presente y pasado, y juega con el futuro. El guion nos va dibujando muchas emociones de forma pausada, elegante, mediante miradas, paisajes, música... y para apaciguar esta pausada armonía de amor, reflexión y de, a veces agonía, le da sus toques de humor.

Las actuación de nuestro trío de protagonistas, mantienen una química innegables, dos hombres que aman y una mujer que es presa de sus sentimientos, con una contención y expresión que merece todo premio. Los secundarios aportan muy bien esta historia de recuerdos, amor y dolor.

Un guion envolvente, pausado deliberadamente para atraparnos, donde los temas, como no solo el amor, sino que la pérdida, el arrepentimiento, el impacto cultural, nos van transportando por 24 años.

La dirección y guion son impecables, dignos de premiación, así como la fotografía que juega con nuestros ojos al ver que cada cosa, cada paisaje, no está al azar. Nueva York es testigo de un mar de emociones, nosotros somos testigos.

¿Qué hacer con un amor del pasado, se debe quedar ahí? Qué hacer con un amor actual, cuidarlo?

¿Qué hacer con el amor? Vivirlo.

Ficha técnica

Título original: Past Lives
Dirección y guion: Celine Song
Fotografía: Shabier Kirchner
Protagonistas: Greta Lee, Yoo Teo, John Magaro, Choi Won-young, Jonica T. Gibbs
País: Estados Unidos
Año: 2023
Género: Drama
Duración: 106 minutos
Idioma(s): Inglés y Coreano

viernes, 9 de febrero de 2024

Ferrari - Por Carlos Correa Acuña

Ferrari, la “Scuderia”, atraviesa por grandes problemas. Enzo Ferrari -Adam Driver-, su apasionado líder fundador, trabaja afanosamente para mantener la empresa con números azules. Es una carga pesada. Una tragedia familiar y la ardua competencia con rivales como Maserati terminan amenazan ser un punto de quiebre. Al mismo tiempo, su matrimonio con Laura Ferrari -Penélope Cruz-, tampoco pasa por buenos momentos: ambos sobrellevan con mucha dificultad con el dolor de la pérdida de un hijo y la infidelidad en las sombras se hace cada vez más presente.

Casi como última carta, Enzo apuesta todo por la “Mille Miglia”, la emblemática carrera de 1.000 millas a través de Italia. Para alcanzar la anhelada y esquiva victoria, Ferrari conforma un equipo de pilotos talentosos que incluye a Piero Taruffi -Patrick Dempsey- y Alfonso de Portago -Jack O'Connell-, quienes protagonizan una batalla épica donde no solo está en juego el aspecto deportiva sino que también el futuro o el fracaso del “Cavallino Rampante”.

“Ferrari” corresponde a un pequeño momento en la historia de un singular personaje. Es probable que sin su legado, lo que hoy conocemos como “el circo de la Fórmula 1” no sería más que un espejismo. Hay una frase clave que muestra claramente el pensamiento de Enzo Ferrari: “vendo autos para correr, no corro para vender autos…” Su pasión está en las carreras, no en el comercio de los bólidos, y eso se nota, porque los inconvenientes financieros y los accidentes parecen no hacer mella en un espíritu competitivo que parece no tener límites.

Es curioso el formato de esta pieza dirigida por Michael Mann. Por momentos parece una biografía, por otros un documental, una historia real, o una telenovela, pero todo al mismo tiempo. Asimismo, muchas decisiones sobre tomas, encuadres y enlaces de secuencias resultan un poco desconcertantes. Lo primero que me pasa es no entenderlas, y lo segundo, abiertamente discrepar de las opciones elegidas, básicamente porque no las siento balanceadas, justificadas, o bien contrapesadas.

La película transcurre muy lentamente. Es lenta, súper lenta, tal vez como contrapunto premeditado con la velocidad de los autos, sin embargo es un aspecto que no funciona bien. Hay mucho silencio tras los diálogos, y las historias compartimentadas colaboran a la configuración de un relato que toca demasiados temas, en poco tiempo, y sin mucha profundidad.

La centralidad está clarísima desde el enunciado de su título, “Ferrari”. Es la historia sobre "Il Commendatore”, y de allí no se mueve. Está su personalidad, su conciencia, su cariño, sus amores, sus mujeres, su trabajo, sus conflictos, sus desafíos, su carácter, su liderazgo, y un largo etcétera, todo condensado y comprimido en un personaje que exuda fascinación, y que provoca tanto temor como admiración.

Adam Driver se desenvuelve correctamente pero es siempre él, Adam Driver. No siento que se transforme en Enzo Ferrari, a pesar de su excelente trabajo histriónico y una buena capa de elementos para ocultar al actor y resaltar al personaje. Hay, eso sí, una escena en que no es Driver y sí es Ferrari; atención a ella, está desencajado y parece emerger ese italiano intenso del rojo furioso.

Las caracterizaciones secundarias se encuentran poco dibujadas a mi modo de ver, también sin mucho sustento, poco finos, delgados y casi transparentes. Es cierto que no son el foco, sino solo arroz graneado, pero ver a la misma Penélope Cruz intentando un barniz protagónico sin conseguirlo, habla de un trabajo que pudo ser mejor y que lamentablemente se quedó a medio camino.

El tercio final de la película es el que mejor funciona, y claro, es justamente el que contiene la gran carrera, la “Mille Miglia”, y son los autos los que empujan el metraje hacia los mejores momentos. En la pista la edición fluye y la tensión aumenta cuando nos subimos a los autos, porque en el resto del pa cinta nos nos hemos quedado un poco en la vereda, esperando los acontecimientos sin entender mucho las decisiones del director, reatando de despejar la centralidad del relato, y con ello, finalmente, el mensaje que nos quiere transmitir.

“Ferrari”, con un poco más de dos horas de duración, resulta irregular por sus muchos traspiés. Es interesante sí, por supuesto, pero no alcanza a satisfacer las expectativas de un “tiffosi” hecho y derecho. Tal vez querer abarcar mucho tema en muy poco tiempo, o tal vez intentar mostrar a Enzo Ferrari -con sus múltiples dimensiones-, solo tomando un par de años de su vida, son aspectos que juegan más en contra que a favor de este trabajo. Pero bueno, es solo mi opinión personal, la de un amante de las carreras de autos, que, aunque ahora me identifico con otro equipo, le tengo un respeto y admiración suprema a quien fue el precursor de, tal vez, la escudería más emblemática de todos los tiempos.

Ficha técnica

Título original: Ferrari
Año: 2023
Duración: 130 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Italia; Moto Productions, Iervolino & Lady Bacardi Entertainment
Género: Drama | Biográfico. Coches/Automovilismo. Años 50
Guion: Troy Kennedy-Martin. Libro: Brock Yates
Música: Daniel Pemberton
Fotografía: Erik Messerschmidt
Reparto: Adam Driver, Penélope Cruz, Shailene Woodley, Sarah Gadon, Gabriel Leone, Jack O'Connell, Patrick Dempsey
Dirección: Michael Mann

El Color Púrpura - Por Juan Pablo Donoso

Brillante saga musical basada en la última producción de Broadway. Tampoco es una nueva versión del premiado filme de Steven Spielberg (1985).

Adaptaciones de la novela de Alice Walker - escritora afroamericana feminista que recibió el Premio Pulitzer en 1983 - sobre la lucha durante toda una vida de una mujer de color del sur de EE.UU. a principios del siglo XX.

Como proviene de una larga novela, con cada uno de los personajes principales - que son muchos - podrían hacerse otras películas completas.

Trata del brutal machismo de los hombres negros, versus la gradual toma de conciencia en las mujeres de su dignidad como personas. Supera la manida denuncia de los blancos que explotan esclavos; habla de la crueldad de género entre los de la misma raza.

Gira en torno a dos jóvenes hermanas, criadas y abusadas por el dueño de una tienda después de la muerte de su madre. Y luego la venta de una de ellas - Celie - como esposa a otro despótico explotador.

El director Blitz Bazawule, originario de Ghana logra, además del relato humano y musical, una excelente ambientación de las épocas, escenarios, vestuarios y utilería. Un pulso rítmico y colorido que nos sumerge en la atmósfera verosímil de aquella comunidad étnica.

Conjuga en ellos la idiosincrasia de sus orígenes africanos, sus pasados de esclavitud, la profunda devoción religiosa, y la fuerza con que expresan sus emociones por medio de la música.

Bellísimas coreografías, en especial en el primer tercio del filme.

Estupendas actuaciones de las actrices; admirable detalle de cómo sus cuerpos cambian a medida que van pasando los años (1909-1947).

Aparte de Fantasía Barrino (Celie) que lleva el difícil peso protagónico, Danielle Brooks, quien debutó como Sofía en Broadway (2015) - nos impacta ahora en su mismo rol lleno de fuerza, coraje y sensibilidad. Nominada para el Oscar.

Otro tanto admiramos en la liberada Shug Avery (Taraji P. Henson), y en los varones, destacando Colman Domingo como Mister, el esposo de Celie.

Por escoger un tratamiento más de narrativa biográfica que de conflicto concentrado, se alarga hacia el clímax (varios falsos finales), y pierde tensión. Pero igual transmite la poderosa emoción de sus protagonistas femeninas.

Sugerimos desviar la memoria de la versión anterior de Spielberg, y dejarnos transportar al universo musical de estos personajes, y celebrar con ellas el triunfo de su merecida dignidad.

Su título alude al lado hermoso de la vida. Dándose permiso para amar sin prejuicios sexuales, forjando amistad con la rebelde Sofía, y encontrando su propio lugar en el mundo como talentosa costurera.

Objetivo claro de resaltar la hermandad afroamericana como arma ante la desgracia, El “color púrpura” triunfa de manera tal que los números musicales jamás incomodan; sólo consiguen encantar.

UN BANQUETE MUSICAL DE HUMILLACIÓN, DESGARRO MATERNO, ESPERANZA Y ALEGRÍA DE UNA RAZA, Y DE UN SEXO QUE CONQUISTA SU DIGNIDAD.

Ficha técnica  

Título Original: The Color Purple - 2023 Drama musical EE.UU. - 2,21 hrs. 
Fotografía: Dan Laustsen 
Edición: Jon Poll 
Música: Kris Bowers 
Diseño Prod.: Paul D. Austerberry 
Guion: Marcus Gardley, Alice Walker,Marsha Norman 
Actores: Fantasy Barrino, Taraji P. Henson, Danielle Brooks 
Director: Blitz Bazawule

jueves, 8 de febrero de 2024

Cuando Acecha La Maldad - Por Carlos Correa Acuña

Estamos ante una obra de terror que nos sumerge en la ruralidad de un pueblo perdido, alejado de las grandes ciudades. La trama gira en torno a un hombre que es habitado por un demonio y que está a punto de dar a luz al mal. Dos hermanos -Pedro y Jaime, Ezequiel Rodríguez y Demián Salomón, respectivamente-, lo encuentran y advierten a los vecinos del pueblo sobre la tragedia que está por estallar, sin embargo, sus intentos por neutralizar la situación solo precipitan los acontecimientos.

Escrita y dirigida por Demián Rugna, esta cinta combina elementos de horror y suspenso para crear una propuesta diferente. Con un inicio desconcertante, lo principal resulta ser la atmósfera que el creador logra transmitir. Oscuridad, silencio, y disparos en la noche. Pronto amanece y aparece un cadáver mutilado. ¿Razón de ser? No se sabe, pero los hermanos investigan y llegan a una causa probable: un “encarnado”, un “embichado”, el mal personificado.

La partitura de Pablo Fuu produce aún más intriga. Las cámaras aéreas denotan un alto nivel de producción. Los efectos especiales colaboran en hacer que la visión de este “ente” maligno sea mucho más grotesca y asquerosa. Literalmente se está pudriendo pero no lo pueden llegar y matar. No. Eso tiene sus códigos y sus formas, pero al ser transgredidos, claro está, las consecuencias se comenzarán a sentir en cada paso que den.

Los sucesos extraños se desencadenan uno tras otro. Una cabra, la reacción brutal de una mujer, la inusitada violencia de un perro hacia una niña pequeña. Ataques de todo tipo y de toda forma, una locura desatada. Cunde la histeria, los gritos y peleas, mientras seguimos presenciando situaciones sobrenaturales. La tensión aumenta, el desconcierto también. ¿Dónde termina todo, o esto es solo un comienzo que se repite y se repite como en un “loop” infinito?

La sección central de la película decae bastante. Baja mucho la tensión, y el ritmo narrativo parece acomodarse a un valle central con pocos grados de sorpresa. Es el momento cuando se ven más claras las inconsistencias argumentales porque cuando quiere (o requiere) explicar ciertas cosas, la verdad es que no lo consigue. La música también se contagia y algunas frases quedan truncas, sin explicación, sin correlación ni contexto con el buen trabajo anterior. ¿Será que la edición, la necesidad de quitar contenido o bien darle mayor unidad y pulso generó más inconvenientes que aciertos?

“Cuando acecha la maldad” resulta interesante. No es más de lo mismo, pero tampoco algo demasiado nuevo dentro de su propio género. Vale más por el desarrollo que por la temática en sí misma, más por la forma que por el fondo, más por sus capas externas que por las internas. Además, enfrentar el fenómeno desde la ruralidad, con ese verdadero mito endemoniado, ayuda bastante a evitar algún tipo de cuestionamiento urbano para circunscribir la historia a lo presente, sin mucha más profundidad.

Como en varias películas, en este trabajo de Demián Rugna prima más la forma de contar la historia por sobre la trama misma. Y bien que sea así, porque es una película sobre la maldad pero que siempre juega a develar los miedos de sus protagonistas. También se enfoca en la propagación del mal, sin dejar una respuesta clara sobre si es un fenómeno sobrenatural o bien responde las proyecciones de los personajes. Asimismo, y luego de un buen camino recorrido, ¿cuánto es realidad y cuánto es fantasía? Para nosotros, claramente lo segundo, pero creo que amerita la duda también para los realizadores y los actores, que por momentos se ven tan a la deriva como cualquier hijo de vecino al que le vienen a mover el piso repentinamente. ¡Y vaya que manera de mover el piso!

Ficha técnica

Título original: Cuando acecha la maldad
Año: 2023
Duración: 99 minutos
País: Argentina
Compañías: Shudder, La Puerta Roja, Aramos Cine, Machaco Films
Género: Terror | Sobrenatural. Posesiones / Exorcismos
Guion: Demián Rugna
Música: Pablo Fuu
Fotografía: Mariano Suárez
Reparto: Demián Salomón, Emilio Vodanovich, Ezequiel Rodríguez, Luis Ziembrowski, Marcelo Michinaux y Paula Rubinsztein., Silvina Sabater, Virginia Garófalo
Dirección: Demián Rugna

Ferrari - Por Juan Pablo Donoso

Tragedia en apariencia superficial y mezquina que, con el tiempo, tiene la facultad de renacer en el recuerdo.

Más que un espectacular filme de carreras de autos, es un crucial MOMENTO BIOGRÁFICO. Relato acotado solo al año 1957 en la vida de Enzo Ferrari, poderoso empresario italiano de automóviles deportivos.

Decimos “tragedia” porque sus realizadores Michael Mann (director), y Troy Kennedy Martin, (guionista) le dieron el más clásico tratamiento de las tragedias griegas: instante en que las cosas se confabulan contra un héroe poderoso, y su osada respuesta cargada de “hibris” (fatal EXCESO por defecto humano), que desata el advenimiento de víctimas, muertes y dolor.

Recurso ya utilizado magistralmente en 1970 por Seguei Bondarchuk para Napoleón, en WATERLOO, protagonizada por Rod Steiger.

A primera vista pareciera una superproducción que quiso decir demasiadas cosas, en forma paralela, quedando más como documento histórico que como drama catártico. Distanciamiento engañoso.

Solo durante algunos meses convivimos con Enzo Ferrari. Aquellos en que se preparaba para la carrera de las Mil Millas - Roma/Brescia/Roma - y en la cual se produjo un dantesco accidente que lo traumatizó para el resto de su vida, y nos impactó también a nosotros al evocar las imágenes.

Etapa que coincide con problemas en su vida sentimental, y cuando adquiere importancia la aparición obstinada de un joven piloto español, el Marqués Alfonso de Portago (Gabriel Leone); justo aquel donjuanesco muchacho impulsivo, víctima del pavoroso accidente en torno al cual se pivoteó ese lapso de la vida de Ferrari: momento crítico de la película.

Encrucijada que mezcla resentimientos afectivos con los negocios, y los chantajes emocionales.

Fue como estar DE PASO en medio de esa gente famosa durante un corto tiempo, y enterarnos de sus pugnas y artimañas publicitarias del momento. En especial la lucha soterrada con Adolfo Orsi, de la Maserati, por alcanzar la supremacía en la competencia.

Las pasiones humanas del filme comienzan a rebrotar en nuestro recuerdo horas después de verlo, haciéndonos revivir el tormento de sus personajes principales.

Igual deleitará a los aficionados a las carreras de autos, y dejará, al menos, informado del rol histórico de este obsesivo empresario “commendatore”, de sus logros deportivos, y de su tortuosa vida afectiva y familiar.

Homenaje póstumo a Sydney Pollak (Africa Mía 1985, de similar sutileza) y al laureado guionista Troy Kennedy Martin.

TRAGEDIA DE UN PODEROSO CUYA CATARSIS CRECE CUANDO LA DEJAMOS SEDIMENTARSE EN EL RECUERDO.

Ficha técnica  

2023 Biografía, drama, historia 
Estados Unidos, Reino Unido, Italia, China - 2,10 hrs. 
Fotografía: Erik Messerschmidt 
Edición: Pietro Scalia 
Música: Daniel Pemberton 
Diseño Prod.: María Djurkovic 
Guion: Troy Kennedy Martin, Brock Yates 
Actores: Adam Driver, Penélope Cruz, Shailene Woodley 
Director: Michael Mann

Cuando Acecha la Maldad - Por Juan Pablo Donoso

La excelente calidad de su factura es proporcional a la perversión y repugnancia de su tema y sus imágenes.

En un pueblo rural de la pampa argentina dos hermanos descubren a un hombre gordo monstruosamente infectado, a punto de parir un demonio. Un “embichado”.

Por más empeño que ponen por evitar la propagación del Mal, este los supera y contamina a toda la comarca, incluyendo a los niños.

Deliberada intención de hacer un buen filme del sub-género Gore: terror con exceso de escenas sangrientas. Y en este caso, incursionar más allá: en el "Body“-Gore = más que miedo inspirar repulsión al mostrar cuerpos mutilados y explayarse en la perversión y la ignominia irracional.

Si en el 56 Festival Internacional de Cinema de Catalunya 2023 la premiaron como la Mejor Película en la categoría “Blood Window”, fue porque cumplía con el máximo de requisitos inicuos y asquerosos.

Asumamos que este tipo de creaciones - peor que los Esperpentos de Valle Inclán - tiene un gigantesco mercado de público; reconozcamos la calidad de su producción, fotografía, iluminación, montaje y banda sonora musical.

Y si agregamos el empeño de todos sus actores por entregar sus mejores actuaciones, sólo podemos felicitarlos en su ley.

Durante la proyección, había junto a mí una joven y bella espectadora que cultiva el estilo “gótico dark”: muchos tatuajes, ropa negra, maquillaje y colmillos vampirescos, pelo multicolor y gruesos bototos ¡en febrero! A finalizar, manifestó su alegría y plena satisfacción por la cinta, mientras otros espectadores lamentaban incluso haber tomado recién desayuno.

Sin duda hubo buen presupuesto, meticulosa realización, buen auspicio de la industria Ford para todos los vehículos, una actriz con rostro ideal para ser hechicera y, como dato pintoresco, una dulce abuelita increíblemente parecida a nuestra inolvidable Silvia Piñeiro hasta en la voz (¿coincidencia o talentosa clonación espiritual?).

En fin, con lo dicho la película será aplaudida y disfrutada en el mundo por los fanáticos de este tipo de emociones viscerales.

LOGRADA EN SU PROPÓSITO DE SUCUMBIR A LA MALDAD Y LA REPUGNANCIA. RESPETABLE EN SU CATEGORÍA. (¡CUMPLIMOS CON PREVENIRLOS!).

Ficha técnica   

2023 Terror satánico, escatología Argentina - 1,39 hrs. 
Fotografía: Mariano Suárez 
Edición: Lionel Cornistein 
Música: Pablo Fuu 
Diseño Prod.: Laura Aguerrebehere 
Actores: Exequiel Rodríguez, Demián Salomón, Silvana Sabater 
Guionista y Director: Demián Rugna

lunes, 5 de febrero de 2024

Gracias, lo siento - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Netflix.

Sinopsis: Sara tiene una familia perfecta con Daniel, su hijo Eliot y un segundo hijo en camino. Pero sus vidas dan un vuelco y Sara, que está muy embarazada, de repente se encuentra sola. La ayuda pronto llega de una fuente completamente inesperada cuando Linda, la hermana mayor de Sara, de la que está separada, una adulta inmadura e indefensa con un perro grande e impredecible, se ofrece a mudarse y ayudar.

“Ni lo uno ni lo otro, sino todo lo contrario”. Esta frase cómica se hace realidad en esta cinta de la directora Lisa Aschan, porque la película no es ni drama ni comedia. Más bien es la comedia de un drama, o la dramatización de una comedia. Así, tal cual, confuso, en altos niveles.

Pero resulta que tenemos una buena premisa. Por una parte, una mujer con un hijo, nuevamente embarazada, y que pierde a su marido inesperadamente; y por otra, su hermana mayor, de la que está distanciada, y que vuelve a su vida de la forma menos pensada. Entonces, si los ingredientes son buenos -y las actrices también-, ¿dónde podría fallar esta película? Creo que justamente en su alto grado de indefinición y en su temor -oculto-, a jugarse por alguno de los tópicos que apenas roza en el intento.

De ritmo casino -lentísimo-, Lisa Aschan no parece tener ningún apuro para filmar este relato. Lo que no es necesariamente negativo, se torna en contra cuando trata de poner presión en la historia, cuando las hermanas se juntan y debe verse o palparse algún tipo de tensión. De aquello no aparece ni la sombra. Se diluye cualquier intento previo, y con eso aplica una camisa de fuerza a una segunda parte que, paulatinamente, pierde interés.

Poner el peso de todo el metraje en las dos mujeres es una decisión entendible. Sin duda lo aceptan y hacen su mejor esfuerzo, pero no resulta suficiente. Algo pasa entre medio. Tal vez afectan las caricaturas del marido de Linda, o de la suegra de Sara. Tampoco es que sean sendos estereotipos, pero afectan al tono de esta “dramedia”, que no se consolida ni para allá ni para acá, en una búsqueda permanente que concluye con un gran digno de interrogación cuando caen los créditos finales: es o finalmente no es; el viejo y archiconocido dilema del “ser o no ser”.

Ficha técnica

Título original: Tack och förlåt
Año: 2023
Duración: 90 minutos
País: Suecia
Compañías: Meta Film Stockholm. Distribuidora: Netflix
Género: Comedia. Drama | Comedia dramática. Familia
Guion: Marie Osterbye
Música: Flemming Nordkrog
Fotografía: Josephine Owe
Reparto: Sanna Sundqv

Masha y el Oso: doble Diversión - Por Juan Pablo Donoso

Encantador filme de animación ruso para niños y niñitas muy pequeños.

Versión para cine del famoso programa de TV. Una de las series más vistas en Latinoamérica especialmente dedicadas a los que tienen entre 3 y 6 años.

Ahora en una película unitaria de 1,15 hrs., realizada por los estudios Animacord nos entregan 5 cuentos inéditos cortos, sencillos y graciosos, con una enseñanza en cada uno.

Son protagonizados por una niñita huérfana llamada Masha, que convive en un bosque junto a su inseparable y torpe amigo, el Oso.

Ellos mismos, en un teatrito propio, nos anuncian cada cuento, lo desarrollan, y lo cierran con un pensamiento para llevarnos de inmediato al siguiente.

1.- Sonrían: Masha le sugiere a Oso tomar fotos para juntar dinero y comprarse un yate. Cuando los contratan en un Centro de Bodas, les ocurren muchos percances fatales. Pero la niña, con su optimismo y humor, todo lo resuelve. EN UNA BODA LO QUE IMPORTA ES EL AMOR DE LOS NOVIOS MÁS QUE LA ELEGANCIA DEL EVENTO.

2. Piensa Diferente: Oso toma fotos submarinas acompañado de un pingüinito. Imaginan un viaje a Marte, le enseñan a un cocodrilo a cuidarse los dientes, y desembarcan en una tormenta marina. GRACIAS A LOS JUEGOS DE FANTASÍA, LA VIDA HOGAREÑA SE ENRIQUECE.

3. Miel-jercicios A las abejitas de un panal, por comer tantos caramelos, les resulta imposible volar. Un oso vecino, fanfarronea haciendo acrobacias hasta que se lesiona. Masha, llevando un dulce se hace perseguir por las abejitas hasta que adelgazan y vuelven a trabajar. IMPORTANCIA DE UNA BUENA DIETA Y EJERCICIOS MODERADOS.

4. Trucos Engañosos: Los visita un Tigre amigo que es Mago. Viene a jugar ajedrez con Oso. Masha invita a los animales de la granja para ser espectadores. Como los amigos desean seguir jugando, será ella quien invente nuevos y divertidas magias. TODOS PODEMOS SER MAGOS CUANDO SEA NECESARIO.

5. La Leyenda de los 12 meses: Cuando el mundo era una caos, vinieron los 12 meses a ordenarlo. Cada mes tiene un personaje infantil con rasgos y poderes propios. Pero aún desconocen la Navidad. Será la señora Diciembre a quien haya que enseñarle la lección. Mientras Oso prepara la comida navideña, y la Varita Mágica pierde su poder, la mano compasiva de Masha devuelve la energía a los niños/meses y animales reunidos. Todos se iluminan para festejar la “novedosa” Navidad. AHORA LOS MESES CONECTADOS PODRÁN CELEBRAR EL AÑO ENTERO. EL CLIMA YA NO SERÁ PROBLEMA PARA LA FELIZ CONVIVENCIA.

LUMINOSAS ANÉCDOTAS INFANTILES. CON SU SIMPATÍA MASHA Y SU OSO SEGUIRÁN DIVIRTIENDO Y EDUCANDO A LOS NIÑOS DEL MUNDO.

Ficha técnica

Título Original: Маша и медведь - Masha i medved
2023 Animación, aventuras, comedia Rusia - 1,15 hrs. 
Música: Alexey Smirnov, Evgeny Turuta 
Arte: Oksana Guseva 
Guion: María Bolshakova, Elena Chernova, Dmitri Gordinski, Oleg Ujínov 
Voces originales: Rebeca Bloom, Guillermo Díaz, Alñina Kukushkina 
Dirección: Vasiko Bedoshvili, Natalya Berezovaya, Artyom Naumov

sábado, 3 de febrero de 2024

Vidas Pasadas - Por Juan Pablo Donoso

Más que un conflicto, es una finísima y sobrecogedora VIVENCIA.

Nos habla de amor, de pérdida y de reencuentros.

Un niño, Hae Sung, y una niñita, Nora, coreanos, son compañeros en un colegio de Seúl. Siendo amigos y vecinos, compiten amigablemente por sus notas escolares.

Un día la niña comunica que, junto a sus padres, deberá emigrar a Canadá. Ambos se entristecen.

Cuando pasan varios años, se descubren por casualidad en internet, y vuelven a comunicarse. Él es ingeniero en su país, ella intenta surgir como dramaturga en EE.UU.

Los invade una nostálgica alegría y, a la vez, un recóndito sentimiento amoroso infantil.

Las conversaciones, al comienzo tímidas, toman una calidez adulta de afecto. El contacto se les hace grato, adictivo, pero a la vez melancólico por la lejanía. Optarán por interrumpirlo para seguir cada cual con sus vidas.

En una granja creativa, ella conocerá a un joven escritor judío, con el cual se casará.

Tiempo más adelante, Hae Sung viaja por unos días a Nueva York, le avisa, y acuerdan reunirse.

A partir de aquí, en los incómodos y púdicos encuentros, reflotarán inefables sentimientos que quedaron encapsulados desde la infancia.

Ambos, en sus paseos por la ciudad, tratarán de explicarse lo que cada uno significaba para el otro, y de lo que sienten ahora.

Solo les queda recurrir al milenario concepto filosófico coreano del IN-YUN. Visión oriental del Destino que, aunque incontrolable, marca quién entra en nuestra vida, y quién se queda para siempre en nuestros corazones.

Idea que los consuela y anima a seguir adelante con sus vidas ya trazadas, conservando en un rincón del alma la semilla de un amor que nunca llegó a consolidarse.

El contraste de costumbres asiático-americanas es inevitable.

Incluirán ahora la carismática presencia de Arthur (John Magaro), el marido de Nora quien, con sabiduría comprende el fenómeno espiritual, lo acepta, y lo asume sabiendo que esta experiencia sólo enriquece la madurez de su amada esposa.

Estupenda química actoral entre Greta Lee (Nora) y Teo Yoo (Hae Sung).

A veces - cuando los relatos sencillos salen del corazón - son los mejores.

Diálogos sobrios, y silencios elocuentes.

Con lenguaje corporal, y sólo expresiones faciales, flota en el aire un posible amor perdido, y reencontrado en adversas circunstancias

El lente de Shabier Kirchner capta sin estridencias la belleza de Seúl y Nueva York. Otro tanto logra la banda sonora musical.

“Acepta el amor y evita sacrificar lo que tienes por lo que podrías tener. Ambas realidades caben dentro de ti e, incluso si duele, hace que el alma se sienta viva”.

Tejieron un romance a partir de fragmentos, sin que pareciera inacabado o trunco.

Nos deja una sensación de romántica nostalgia.

LAS RAÍCES DE UN AUTÉNTICO AMOR QUEDARON VIVAS PARA SIEMPRE; SÓLO EL TRONCO Y LAS RAMAS TOMARON CAMINOS DIVERGENTES. MUY BELLA.

Ficha técnica

Título Original: 과거의 삶- Past Lives
2023 Drama, romance Corea del Sur - 1,45 hrs. 
Fotografía: Shabier Kirchner 
Edición: Keith Fraase 
Música: Christopher Bear, Daniel Rossen 
Diseño Prod.: Grace Yun 
Actores: Greta Lee, Teo Yoo, John Magaro 
Guionista y Directora: Celine Song

viernes, 2 de febrero de 2024

Anatomía de una caída - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: Sandra, una escritora alemana, vive con su esposo Samuel y su hijo ciego, Daniel, en un chalet en medio de los Alpes franceses. Cuando Samuel fallece en circunstancias misteriosas, la investigación no puede determinar si se trata de un suicidio o de un homicidio. Sandra es arrestada y juzgada por asesinato, y el proceso pone su tormentosa relación y su ambigua personalidad en el punto de mira.


Estrenada en el Festival de Cannes, donde ganó la Palma de Oro, el premio Palm Dog, y recibió elogios de la crítica tanto por su dirección como por su guion, "Anatomie d'une chute" es una película que atrapa por su intriga y la profundidad con que teje los argumentos de su trama. Justine Triet dirige un elaborado thriller judicial en el que exploramos la compleja relación entre esposos y el papel que juegan tanto la ficción como la realidad en la vida de un escritor. La película se destaca por su fotografía, sumergiéndonos en los bellos paisajes alpinos donde se desarrolla la mayor parte de la acción, y por una música que contribuye fuertemente a crear atmósferas tensas y emotivas.

La trama del guion de Arthur Harari y Justine Triet combina suspenso, drama y reflexión, manteniéndonos en vilo hasta el final al no revelarnos si la protagonista es culpable o inocente, o si su relato es veraz o simplemente una invención. Este recorrido nos invita a reflexionar sobre el proceso creativo y cómo las experiencias personales pueden influir en las obras de un autor, o viceversa. No es aventurado interpretar este relato como una crítica a la sociedad actual, que juzga a las personas sin conocerlas y no respeta la intimidad ni la libertad de quienes son creadores de contenido.

La película aborda temas universales como la verdad, la justicia, la libertad, la mentira y la violencia, generando una experiencia impactante. La verdad es un valor que la cinta busca explícitamente, ya que el juicio pretende precisamente eso. Sin embargo, también la pone en jaque, ya que si la escritora mezcla la realidad con la ficción, eso, a priori, nos hace dudar de su testimonio y, por lo tanto, de su inocencia. La justicia es un valor presente de manera insistente, ya que la protagonista enfrenta un proceso judicial que podría condenarla a cadena perpetua. No obstante, en la batalla pública, donde se exponen las pruebas, los argumentos, las emociones y los prejuicios de los implicados, la decisión parece no ser tan clara, ya que perfectamente, una persona inocente podría ser condenada.

La libertad también es defendida a lo largo del metraje. Sandra es una escritora que busca expresarse libremente a través de sus obras, pero inevitablemente se ve sometida a la presión social, a las expectativas de su marido, y a las normas morales imperantes. En alguna parte debe haber una válvula de escape, una grieta, o, quizá, alguna vulnerabilidad.

En la otra vereda, la de los antivalores, la mentira aparece cuando por momentos imaginamos a la novelista como una mentirosa compulsiva que inventa historias para escapar de su realidad o para justificar sus acciones, generando en nuestra mente la duda sobre su testimonio, aquella duda razonable que hace mella y que, por momentos, naturalmente inclina la balanza. Asimismo, una posible reacción violenta de la protagonista parecería explicarse como una respuesta que contrarresta el maltrato físico y psicológico por parte de su marido, tal vez validando aquello como la única forma de librarse de un yugo cuyo peso se ha tornado insostenible.

Sandra Hüller realiza una interpretación estupenda, llena de matices y con una expresividad que logra transmitir la angustia, la confusión y la determinación de su personaje, permitiéndonos empatizar con ella, independientemente de que creamos o no en su testimonio. Su entrega es tan natural que parece que fuera ella en persona quien de verdad enfrenta la acusación y debe defenderse con todo para demostrar su inocencia. Sin embargo, hay momentos en que nos convence de todo lo contrario, provocando un juego dual de suma cero que nos mantiene en ascuas, expectantes, ansiosos de respuestas y certezas. La actuación es excelente y seguramente será muy reconocida, nominada y premiada, respaldada además por cada uno de los personajes que la acompañan y que forman parte de un equipo coral afiatado y articulado que juega en beneficio de un relato cuyo resultado es ciertamente cautivante.

“Anatomía de una caída” no solo ofrece entretenimiento, sino que también plantea un debate amplio sobre temas actuales y muy humanos. Es una película sorprendentemente conmovedora que invita a la reflexión, y que se sigue viviendo después de verla.

Ficha técnica

Título original: Anatomie d'une chute
Año: 2023
Duración: 150 minutos
País: Francia
Compañías: Les Films Pelléas, Les Films de Pierre
Género: Thriller. Drama | Drama judicial / Abogados/as
Guion: Arthur Harari, Justine Triet
Fotografía: Simon Beaufils
Reparto: Sandra Hüller, Samuel Theis, Milo Machado Graner, Swann Arlaud, Jehnny Beth, Saadia Bentaïeb, Antoine Reinartz, Camille Rutherford, Anne Rotger
Dirección: Justine Triet

jueves, 1 de febrero de 2024

Anatomía de una Caída - Por Juan Pablo Donoso

Inquietante filme judicial francés. Refinado en sus aspectos, narrativos y actorales.

Una mujer es sospechosa de asesinar a su marido, y el hijo ciego de ambos se enfrenta a un dilema moral como único testigo.

¿Fue un crimen psicológico perfecto a largo plazo?

Expone lo ambiguo de la Verdad cuando se trasforma en un caso penal.

Como en muchas películas galas, la resolución del conflicto es menos importante que los efectos y conductas que denotan sus personajes.

Seres complejos, con defectos y virtudes. Estudio convincente de psicología humana.

Examina cómo las personas construyen sus propios relatos basándose en informaciones parciales y sesgadas. Ya conocimos esta disyuntiva magistralmente expuesta en Rashomon de Kurosawa (1951), y en La Chunga de Vargas Llosa (obra teatral de 1986).

El mérito de este filme radica en la delicadeza con que se desarrolla. Penetra en el vínculo afectivo de los personajes principales: un padre escritor frustrado (Samuel Theis), una madre alemana, literata exitosa (estupenda Sandra Hüller); el hijo ciego Daniel de once años (Milo Machado Graner), y su perro Snoop, cuya presencia aporta un revelador protagonismo.

Este adorable canino comparte la perspectiva del público al principio y al final de la película; desempeña el papel de ángel guardián de su amo Daniel.

Según esta obra, el sistema legal en Francia es notoriamente caótico. Alarmante conformidad, y autocomplacencia, en la especulación racional.

Pudo ser más corta. Algunas escenas en la sala del tribunal son repetitivas y se prolongan demasiado. Pero fue la opción de los guionistas para seguir con calma la aflictiva evolución interna de los personajes implicados. .

Hasta los momentos "menores", como una escena entre Sandra y su amigo abogado (Swann Arlaud) bebiendo juntos, está bellamente escenificada. Otro alarde de buen diálogo es la extensa retrospectiva de una antigua discusión de la pareja siniestrada.

Todos los secundarios se justifican, y lucen momentos de carismáticas actuaciones: Mónica, la joven periodista del comienzo (Sophie Fillières); Anne Rotger, la jueza impenetrable; Zoé, la psicóloga infantil (Camille Rutherford) y, Antoine Reinartz, revelación actoral como el manipulante Fiscal acusador.

Hasta el insoportable volumen de la música inicial, y los reiterados y torpes trozos de Mozart y Chopin ejecutados al piano por el niño Daniel, expresan las tensiones subliminales del ambiente de ese hogar en las montañas nevadas de Grenoble.

Angustiosa disyuntiva judicial. Nos recuerda los clásicos de André Cayatte: Antes del Diluvio (1954 ) e Y se Hizo Justicia (1950).

UN LARGO Y DOLOROSO JUICIO QUE NOS SITÚA EN EL CORAZÓN DE LOS IMPONDERABLES ACUSADOS. PARA DISFRUTARLA SIN URGENCIAS.

Ficha técnica

Título Original: Anatomie d'une chute
2023 Drama judicial, suspenso Francia - 2,31 hrs. 
Fotografía: Simon Beaufils 
Edición: Laurent Sénéchal 
Diseño Prod.: Emmanuelle Duplay 
Guion: Justine Triet, Arthur Harari 
Actores: Sandra Hüller, Swann Arlaud, Milo Machado Graner 
Directora: Justine Triet

Daniel - Por Jackie O.

"Vivir y agradecer"


Todos tenemos algo que contar, un episodio puntual de nuestras vidas o una vida entera, como Daniel Northcott.

Daniel, es un joven común y corriente, nacido en una familia estable en todos los aspectos, económicamente y emocionalmente, con una hermana mayor y dos amorosos padres. A los siete años le regalaron una cámara y eso cambió su vida; grababa todo lo que hacía, de su familia y amigos, todo lo que pasara frente a sus ojos.
Al cumplir la mayoría de edad, decidió viajar con su novia, ella buscó trabajo como profesora en Asia, pero si la contrataban a ella, debían contratar a Daniel, y así fue, ambos se embarcaron en esta aventura, donde recorrieron muchos lugares, conocieron a diferentes personas y el carisma de esta pareja no pasaba desapercibido. Él seguía grabando.
Las clases de Inglés que él daba a pequeños asiáticos hablaban del cosmos, la tierra y la vida misma. E incluso vemos cuando se despide de ellos.
Va y vuelve, es un trotamundos, visita lugares de guerra o sagrados, hasta que conoce a Felix, un joven latinoamericano. Y van a México a recorrer su enigmática cultura, donde quedó fascinado con sus creencias de vida pero principalmente de la muerte.

Daniel tenía la costumbre de llevarse algo de los lugares que visitaba, algo pequeño como rocas, palos, objetos sin valor monetario, a veces, algo pequeño pero significativo, y estando en una cueva Maya, tomó una pequeñita roca redonda. Le dijeron que no tomara nada, principalmente los huesos que habían, en realidad nada. Pero insistió y se lo llevó. Daniel no era un tipo mal intencionado, es lo que vemos, solo una persona que disfrutaba vivir, amaba a su familia.
Pero tuvo que volver a casa, alguien a quien él quería estaba gravemente enferma. Siguió derrochando energías positivas.

Pero pasó el tiempo y a Daniel le es diagnosticado cáncer, cáncer a sus 29 años. Peor aún, le dicen que solo le quedan meses de vida.
¿Qué hacer ante ello?

Un documental que puede parecer muy simple, donde nos muestra la agitada vida de un joven que viajó, vivió y amó. Que las aventuras de conocer más de este hermoso mundo, lo hizo, que amaba vivir, que disfrutaba de la naturaleza, de su familia, de las conexiones humanas, de esas ganas de compartir hermosas postales, de él ser nuestro ojos ante la belleza que nos perdemos, a veces, por estar sumidos en quejas.
Tal vez no viajaremos como él, pero la lección de amar cada momento, de afrontar los problemas con agallas, de mirar el cielo y agradecer. Agradecer por tener vida y salud es lo que nos pide hacer.

Pero también la existencia de creencias, sean religiosas o algún mito, leyendas ancestrales que nos dicen que hay espíritus que cuidan, y que debes respetar determinados espacios, espacios donde yacen cuerpos, almas, que aún vagan por esta tierra, no se pueden pasar inadvertidas, creas o no en ellas.
Hay suelo sagrado, sagrado desde diferentes puntos de vista, pues cada cultura es diferente, y debes ser respetuoso ante ello. Respetemos la vida y la muerte.

Su madre, hermana y amigo Felix, emprenden el último viaje, ese viaje pendiente para que todos puedan descansar en paz.

Un documental bien editado, donde mezcla muchas fotografías, cintas antiguas y fotos. Narrado en primera persona, tanto por Daniel como su hermana.

Disponible en HBO.

Ficha técnica

2023 / Estados Unidos
Música: Kevin Matley
1 hora 12 minutos

Sleep: el Mal no Duerme - Por Juan Pablo Donoso

Tragicomedia coreana de terror, con humor negro, suspenso, y excelentes protagonistas que merecían una mejor resolución.

El conflicto inicial es atractivo. El desarrollo nos tiene en ascuas para descubrir, junto a la protagonista Soo Jin (estupenda actriz Jung Yu-mi) qué demonios le ocurre a su amado esposo cuando duerme. Se levanta sonámbulo y realiza actos de inusitado sadismo, para ignorar todo a la mañana siguiente.

El marido Hyun-su, Lee Sun-kyun - aclamado actor coreano recientemente fallecido a los 42 años - famoso por su apostura de galán y seductora voz de barítono, encarna con carisma el lema del argumento: “el amor matrimonial es para apoyarse mutuamente”.

Por más que ambos cónyuges intentan descubrir, y curar, el origen del aberrante fenómeno nocturno del esposo, nada parece funcionar. Hasta el advenimiento de la pequeña hijita de la pareja nos hace temer por su vida.

Ni el tratamiento del neurólogo, ni los sahumerios de una insoportable chamana, contratada por la suegra, contribuyen a calmar la creciente angustia.

Cuando la esposa, agostada por el miedo y el amor por su marido, cae en una clínica psiquiátrica, la súbita curación del esposo, la induce a descubrir, por fin, la causa del trastorno demoniaco.

Lo dicho en nada impide que el espectador empatice con los personajes y sufra con sus muchos percances siniestros.

El novel realizador y guionista Jason Yu, maneja el relato con eficacia, evocándonos el refinado terror psíquico de Roman Polanski en EL BEBÉ DE ROSEMARY y otras de Hitchcock.

Nuestro único reparo está en la muy extensa secuencia final, demasiado palabrienta, y con un final rosa casi forzado. Como si el autor, tras el talento desplegado durante el desarrollo, nunca halló la forma ideal de coronarlo.

Igual aplaudimos la factura general, y aprovechamos de despedir la brillante carrera de Lee Sun-kyun, a quien conocíamos por aquella joya coreana que fue PARÁSITOS de 2019.

CONSEJO ÚTIL: EVITE MOLESTAR A LOS VECINOS CON SUS RUIDOS ÍNTIMOS. PUEDEN SER MÁS PELIGROSOS DE LO ESPERADO. EFICAZ TRAGICOMEDIA DE HUMOR NEGRO.

Ficha técnica

Título Original: 잠을 자라, 악은 잠들지 않는다
2023 Misterio, suspenso, terror Corea del Sur - 1,35 hrs. 
Fotografía: Tae Soo Kim 
Edición: Meeyeon Han 
Música: Hyukjin y Yong Jin Chang 
Diseño Prod.: Shin Yu Jin 
Actores: Lee Sun-kyun, Jung Yu-mi, Kim Gook Hee 
Guionista y Director: Jason Yu