Los Tres Mosqueteros: D´Artagnan - Por Juan Pablo Donoso

Es una de las gestas clásicas más llevadas a la pantalla en la historia del cine. Por eso celebramos su fastuosidad y el tratamiento algo escabroso con que la recrearon.

Desde la primera, (muda, 1911) dirigida por J. Searle Dawley, seguida de la más acrobática protagonizada por Douglas Fairbanks, también muda, en 1921, la glamorosa MGM de 1948 protagonizada por Gene Kelly, y con más de 54 versiones internacionales que incluyen una teleserie rusa, hasta la estupenda parodia con Cantinflas de 1942, ya era tiempo de hallarle un nuevo ángulo narrativo. Y con estilo muy francés se lo dieron.

Como damos por relativamente conocida la obra literaria de Alejandro Dumas (padre), nos abocaremos a lo que esta tiene de particular.

Si al título le agregaron “D´Artagnan” es porque optó centrarse de manera muy personal y acuciosa en este protagonista. Tanto es así que pronto estrenarán una nueva versión teniendo a la sibilina Lady Winter como centro de la aventura. Motivo para suponer que, de tener éxito, seguirán contando la misma odisea, pero desde la óptica de sus otros principales.

De la manera más realista posible nos llevan a la Francia del rey Luis XIII. Una sociedad que a pesar de sus opulentos vestuarios y lujos palaciegos, cohabitaba en calles sucias, tabernas insalubres, gente desaseada y maloliente, clima frío y cielos casi siempre nublados.

Casi todo sucede de noche, o en rincones oscuros, bajo la luz de velas o antorchas humeantes. Nunca hay un día soleado.

Con tan prolija ambientación parangonan las turbias intrigas, los aviesos planes políticos, las infidelidades conyugales, las traiciones diplomáticas y el inminente peligro bélico por causas religiosas.

Así, en medio de un reino dividido por la guerra, el intrépido joven D'Artagnan viaja a París para convertirse en mosquetero. Demostrará su pericia frente a Athos, Porthos y Aramis, y pasarán a integrar la elitista guardia del rey. Iniciará un romance con la sutil pero astuta Constance, confidente de la Reina, y enfrentará las oscuras maquinaciones del cardenal Richelieu.

Esta versión cala más hondo en la consabida epopeya de capa y espada. Navega en una atmósfera siniestra - forma y fondo - con un rey débil y vacilante, rodeado de personajes ambiciosos y traidores cuyos rostros llegan a confundirse en la penumbra.

Destacamos el excelente trabajo de fotografía, edición, luz, música y sonido. Presenciamos la soterrada felonía de Milady Winter (carismática Eva Green) quien sutilmente prepara su protagonismo para la secuela que ya viene.

La secuencia de mejor suspenso, e ironía, es la del legendario “Collar de la Reina”.

LOS MOSQUETEROS DE DUMAS VISTOS DESDE LAS ENTRAÑAS DE SU REALIDAD HISTÓRICA. AUNQUE MÁS COMPLEJA, MANTIENE SU CARIZ DE AVENTURAS Y ROMANCE.

Ficha técnica

Título original: Les Trois Mousquetaires: D'Artagnan

2023 Aventuras, romance, historia 

Francia, Alemania, España - 2,01 hrs. 

Fotografía: Nicolas Bolduc 

Edición: Célia Lafitedupont 

Música: Guillaume Roussel 

Diseño Prod.: Stéphane Tailasson 

Guion: Matthieu Delaporte, Alexandre de La Patellière. Novela: Alejandro Dumas 

Actores: François Civil, Eva Green, Vincent Cassel 

Dirección: Martin Bourboulon

Soy Niño - Por Juan Pablo Donoso

Un sentido testimonio sobre la evolución de una persona que nació con cuerpo femenino sabiendo, y sintiéndose, hombre.

El difícil proceso lo filmó con paciencia, y enorme cariño su prima Lorena Zilleruelo, que cada año venía a Chile desde Francia a visitar a su familia.

Maravillosa intuición de registrar con su cámara el calvario de una persona que debió asumirse a sí misma, y ante el mundo, con semejante contradicción existencial.

En la primera secuencia tenemos a la pequeña Andrea (12 años) viviendo, y haciendo la vida típica de una niña en su círculo hogareño y escolar.

Con el correr de los años se va manifestando su conflicto de identidad.

De Andrea pasó a pedir que le dijeran David. Y tuvo la suerte de vivir en una época en que el fenómeno psicosomático TRANS se iba haciendo conocido y, gradualmente aceptado aún por los miembros más reacios de su familia, como lo era su padre. El amor solidario de su mamá y de otros cercanos lo acompañaron en el arduo camino de consolidarse, definitivamente, como el Bastián que es hoy día.

Recomendamos ver este filme como un ejercicio de aprendizaje, de compañerismo y comprensión. De ninguna manera tolerancia ni lástima. Por el contrario, de admiración por una persona que - venciendo grandes obstáculos - llega a ser un adulto integrado a la sociedad, capaz de realizarse en el amor con alguien como él, pero con síndrome inverso, y aportar un ejemplo de cordura y estímulo para otros en similar circunstancia.

ADMIRABLE TESTIMONIO DE CORAJE Y SABIDURÍA PARA ENCARAR LA VIDA DESDE UNA CONDICIÓN DIFERENTE. UNA NUEVA PERSPECTIVA DE MADUREZ, RESPETO Y HUMANIDAD.

Ficha técnica

Documental - 2022
Transexualidad, transgénero, infancia 

Chile, Francia - 1,02 hrs. 

Fotografía: Lorena Zilleruelo, Patricio Zilleruelo 

Edición: Nicolás Bancilhon 

Música: Carlos Arias, Claudio Vargas 

Guionista y Directora: Lorena Zilleruelo

Super Mario Bros: La película - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: Mientras trabajan en una avería subterránea, los fontaneros de Brooklyn, Mario y su hermano Luigi, viajan por una misteriosa tubería hasta un nuevo mundo mágico. Pero, cuando los hermanos se separan, Mario deberá emprender una épica misión para encontrar a Luigi. Con la ayuda del champiñón local Toad y unas cuantas nociones de combate de la guerrera líder del Reino Champiñón, la princesa Peach, Mario descubre todo el poder que alberga en su interior.

Esta aventura, dirigida por Aaron Horvath y Michael Jelenic resulta muy entretenida. Tiene muchas secuencias de acción, es tremendamente colorida y sus personajes, además, generan natural simpatía. La lucha contra el mal se hace desde la amistad y el trabajo en común. La hermandad de Mario y Luigi, a pesar de ser tan distintos, es a toda prueba, y lo que la familia representa para ambos, se convierte en el sólido pilar que les sustenta en el mágico reino al que son inesperadamente transportados.

Lo mejor de la película son sus escenarios y laberintos. La recreación del tradicional juego de video es excelente, y por momentos somos parte de él gracias a secuencias que apelan a nuestra nostalgia, unos recorridos mágicos que, al verlos en pantalla grande, nos hacen volver décadas atrás cuando operábamos nosotros mismos los controles para guiar a Mario en sus diferentes travesuras. Para mí, el encuentro con DK (Donkey Kong) da justo en la tecla. Recuerdo que lo jugaba y me encantaba, tal vez más que Mario, por lo que verlos juntos en la película es genial. Lo de unir fuerzas para derrotar al malvado Koopa Bowser funciona, además, muy bien, porque agrega un nuevo interés a una historia que bien podría haberse quedado complacientemente solo en lo conocido.

Se nota la presencia de Illumination Entertainment en esta adaptación de “The Super Mario Bros. Movie”. Ese humor tan característico está presente, como también la particularidad de sus personajes (Bowser no resulta ser tan abominable por momentos, más bien en varias escenas provoca risas y da lástima) que, en conjunto, consiguen ese toque transversal que hace de la cinta una buena opción para verla en familia.

Los 92 minutos de “Súper Mario…”pasan volando, y por favor no se vayan al final, hay dos escenas post créditos que vale la pena ver.

Ficha técnica

Título original: The Super Mario Bros. Movie
Año: 2023
Duración: 92 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Japón; Illumination Entertainment, Nintendo, Universal Pictures. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Animación. Fantástico. Comedia. Acción. Aventuras | Cine familiar. Videojuego
Guion: Matthew Fogel. Personajes: Shigeru Miyamoto. Videojuego: Nintendo, Shigeru Miyamoto
Música: Kōji Kondō, Brian Tyler
Fotografía: Animación
Reparto: Animación, Voz: Chris Pratt, Anya Taylor-Joy, Charlie Day, Jack Black, Keegan-Michael Key, Seth Rogen, Fred Armisen, Kevin Michael Richardson, Sebastian Maniscalco, Charles Martinet
Dirección: Aaron Horvath, Michael Jelenic

Air: la historia detrás del logo - Por Carlos Correa Acuña

Sorpresa causa el empecinamiento de Sonny Vaccaro -Matt Damon-. Es verdad que las empresas deportivas deben cerrar convenientes contratos con deportistas destacados que hagan lucir sus marcas, pero lo que hace este ejecutivo traspasa todo límite. Cazatalentos innato, Vaccaro parece tener todo en contra: trabaja en Nike, una compañía que está tercera en participación de mercado detrás de Converse y Adidas, su área posee un presupuesto ínfimo para llevar a cabo su labor, y su equipo de trabajo, con suerte, puede ver solo una palma más allá de sus narices.

La historia que narra esta película es real, y la obsesión de Sonny Vaccaro es tan real como excesiva. Él ha visto algo que nadie más ha sido capaz de percibir. En el draft de la NBA de 1984, un novato llamado Michel Jordan es elegido por los Chicago Bulls como la tercera mejor opción. Sin lugar a dudas, un prominente jugador, pero no pasa de ser solo un buen prospecto. Además, Jordan es fan declarado de Adidas, por lo que las posibilidades de ser fichado por Nike son mínimas o más bien nulas. ¿Qué sucede entonces? Vaccaro se la juega por completo; visualiza que será un grande, sino el mejor de los tiempos, y que un contrato exclusivo con Nike aseguraría el futuro del deportista y el de la empresa. ¿Qué hace? O a decir verdad, la pregunta es qué no hace.

Primero, debe resolver el tema interno, convencer al CEO Phil Knight -Ben Affleck-, de no dividir el presupuesto de su área en tres sino poner todas las fichas en una sola canasta: Jordan. Segundo, arrastrar a Rob Strasser -Jason Bateman-, jefe de Marketing, e intentar que le apoye en el propósito. Y tercero, impulsar el desarrollo de un prototipo de zapatilla, única, hecha a medida por el diseñador estrella Peter Moore -Matthew Maher-, y que además posea un estilo propio, algo así como una marca dentro de la marca.

Por otra parte, el mundo externo que enfrenta Vaccaro es tanto o más complejo que el interno. Debe luchar contra las ofertas de la competencia, contra el agente de Jordan, David Falk -Chris Messina-, y saltarlo si es necesario. Por eso, en una jugada arriesgada, concurre a la casa familiar de los Jordan, una movida que descoloca a todos los participantes, pues siembra una semilla en Deloris -Viola Davis-, la madre y guía de Michael, con lo que consigue una preciada reunión. Se abre una pequeña opción, ínfima tal vez, pero lo que importa es tener la oportunidad. Nada es seguro, todo está en juego, las cartas están echadas.

Ben Affleck filma el excelente guion de Alex Convery, tan bien compuesto que logra relatar los hechos con natural prolijidad. Matt Damon da vida a Sonny Vaccaro con muchísima prestancia y transparencia, poniendo de relieve la personalidad de su personaje y los valores que encarna. Lo que tiene entre ceja y ceja es tan importante que constituye para él una decisión de vida. Su convicción es total, y la perseverancia que demuestra, fundamental para poder llegar a la meta. Asimismo, Sonny es honesto, sabe cuál es su lugar, e intenta todos los caminos posibles para desde allí convencer y seducir. La apuesta es arriesgada, qué duda cabe, pero está dispuesto al todo o nada, en un símil con las apuestas que hace al pasar por Las Vegas. Es mucho riesgo, sí, pero sustentado por una gran visión detrás. Son negocios, pero también principios, por lo que es necesario administrar muy bien una importante dosis de coraje.

Ben Affleck hace un gran trabajo como director de la cinta. Destaco sus decisiones de enfoque, algunos seguimientos de los protagonistas, y el ritmo que logra imprimir al relato gracias a una estupenda edición. En algunas escenas, es notable el lento movimiento de cámara que realiza para conseguir capturar ciertos detalles, como también esa propuesta de ir intercalando los principios de Nike en momentos particulares del filme. Lo que perfectamente podría sonar a mera propaganda, no lo es, gracias a la pericia narrativa y a los discursos que se intercalan, dejando siempre a la vista una historia que, aunque sabemos el final, no deja de sorprendernos en ningún momento. Y un detalle: Michael Jordan, quien dio su visto bueno a esta película, nunca aparece completamente. Siempre es escondido, o develado a través de un deslucido y lejano perfil, lo que entrega una suerte de verosimilitud a la estrella, para que quedemos así con la impresión que siempre estuvo allí la persona real.

“Air” realmente funciona muy bien y llega a ser emotiva en algunas de sus secuencias principales, gracias a que la construcción de sus personajes es fuerte y sólida. Los conocemos, estamos con ellos, e incluso profundizamos algunas de sus principales características. Cuando Vaccaro se explaya en la reunión con los Jordan es uno de los puntos más altos, como asimismo la contrapropuesta que hace Deloris en una crucial conversación telefónica, confrontaciones de gran peso emocional, reales, sensibles y humanas. Tal vez por eso salimos del Cine inspirados y motivados, porque hemos presenciado la historia de un sueño que ha sido superado con creces por una realidad que resulta, cuando menos, alucinante.

Ficha técnica

Título original: AIR
Año: 2023
Duración: 112 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Amazon Studios, Skydance Productions, Mandalay Pictures. Distribuidora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Warner Bros., Amazon Studios
Género: Drama | Biográfico
Guion: Alex Convery, Ben Affleck, Matt Damon
Fotografía: Robert Richardson
Reparto: Matt Damon, Ben Affleck, Viola Davis, Chris Messina, Marlon Wayans, Chris Tucker, Jason Bateman, Gustaf Skarsgård, Matthew Maher, Julius Tennon
Dirección: Ben Affleck

Destino - Por Jackie O.

"La conjugación del arte".

Destino es un cortometraje lanzado en 2002 por The Walt Disney Company. Su producción comenzó originalmente en 1945, 58 años antes de su conclusión final. El proyecto fue una colaboración entre el cineasta estadounidense Walt Disney y el pintor español Salvador Dalí. Específicamente, fue un guion del guionista del estudio Disney John Hench y el artista Salvador Dalí. Se trabajó en él durante ocho meses, desde finales de 1945 a 1946. Sin embargo, las preocupaciones financieras llevaron a Disney a abandonar la producción.
En 1999, el sobrino de Walt Disney Roy E. Disney, mientras trabajaba en Fantasía 2000, desenterró el proyecto y decidió traerlo de vuelta a la vida.

Vemos a una bella mujer, que tiene las características físicas de las típicas "Princesas de Disney", mientras que el mundo que habita es un espacio incierto, digno de un cuadro de Dalí, y aborda la imposibilidad del amor entre una joven mortal y el ser mitológico Chronos, que abraza la mortalidad para perseguir a esta mujer de sus sueños, pero no pueden tocarse y su amor está condenado al fracaso. En esa búsqueda de un destino juntos, ninguno parece capaz de evitar su propio destino de sufrir transformaciones propias de un mortal, o de estar sujeto al tiempo inmortal.

Aunque sus imágenes pueden dar para otras interpretaciones, todas se tornan válidas, pues el arte da para mucha imaginación, en especial la de Dalí, pues el arte es imaginación, es contar historias de acuerdo a lo que tu percepción estime, y con estas imágenes llenas de hormigas, teléfonos, estatuas sin cara, inmensos paisajes desérticos, escaleras y construcciones imposibles, ojos, relojes que se derriten... la imaginación puede volar.

Elaborado con la técnica de animación tradicional, aunque contiene algunas tomas de animación digital, se extrajeron los más de 200 bocetos que se realizaron en aquel entonces. Se mantuvieron los 17 segundos de la filmación original, sin embargo, el resto también es sorprendente; es como observar las pinturas de Salvador Dalí con movimiento.

Hay bellas imágenes, bien compaginadas, que nos cuentan una historia, o varias, con una música adecuada, que nos hacen ver arte en pocos minutos y que es muy disfrutable.
Lo anterior, para amantes o no, de Dalí y Disney.

La premiere de "Destino" fue en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, Francia en Junio del 2003.

 
Fue muy bien recibido por la crítica, incluso nominado por los Óscar en la categoría Mejor Cortometraje Animado.

Ficha técnica

Disponible en Disney.
Dirección: Dominique Monféry
Guion: Salvador Dalí, John Hench, Donald W. Ernst
Montaje: Jessica Ambinder-Rojas
País: Francia y EEUU
Año: 2003
Género: Animación- cortometraje. 07 minutos

Alis - Por Carlos Correa Acuña

El juego de tener un amigo imaginario es algo que probablemente hemos usado más de alguna vez para evadir, o bien ampliar la realidad. Cuando descubrimos que este juego es aplicado a diez jóvenes que habitan el internado “La Arcadia”, en Bogotá, Colombia, lugar que se hace cargo de personas sin familia o cuyos cercanos no pueden o no quieren asumir la responsabilidad, nuestra percepción se modifica en la medida que también varía el punto de vista de las involucradas.

La premisa señala que esta institución pública es similar a un hogar, una comunidad activa que busca dar acogida y empoderar a personas vulnerables, potenciando sus habilidades y al mismo tiempo cubrir aquellos vacíos fundamentales para que dejen de ser un obstáculo que les impida proyectarse hacia el futuro.

Los cineastas Nicolas van Hamelryck y Clare Weiskopf les proponen algo, en apariencia, sencillo a sus entrevistadas. Imaginen, les dicen, una niña de 15 años, de nombre Alis, que llega al hogar. ¿Cómo la ven, cómo la reciben, cuáles son sus primeras interacciones con ella? Poco a poco, y en la medida que cada una se va soltando, emergen otras preguntas, más difíciles, más profundas, más intensas. Allí, el ejercicio muta, y la ficción deja traslucir realidad, una confusa intimidad que se despoja de todo ropaje para dejar al descubierto una sinceridad y honestidad que toca el alma.

Desarrollada durante cinco años y filmada en dos semanas, este documental abarca una variedad de temáticas que van desde el abandono hasta el amor. En el trayecto, pasa por la soledad, la carencia de afecto, los miedos y traumas, el consumo de drogas, el abuso sexual, y la identidad de género, entre muchos otros temas. Es tan natural el tránsito de lo aparentemente superficial a lo profundo, que perfectamente podemos perdernos, sin embargo existe un imán, una especie de hechizo hipnótico que nos une a los testimonios y que logra capturar instantáneamente nuestra emoción y empatía.

Los realizadores explican con estas palabras el elemento que han elegido como base: “Encontramos el dispositivo perfecto para explorar estas reflexiones en un juego en el que les invitamos a imaginar una historia. Aunque ficticias, estas guardaban un paralelismo con sus vidas, señalando el modo en que la imaginación refleja nuestras experiencias y puede convertirse en una forma de afrontar el trauma. Descubrimos que la imaginación dice más de nosotros que nuestra biografía”. Y justamente esta es la clave, la bisagra que permite visualizar una dimensión que, de otra manera, probablemente permanecería totalmente oculta.

Con múltiples nominaciones y premios, “Alis” es un trabajo delicado, íntimo y profundo. Logra superar el pudor de sus protagonistas y también el nuestro, sobretodo cuando observamos los emotivos relatos narrados a través de esta amiga imaginaria. Alis sí existe, refrendan, en un reconocimiento que funciona además como espejo -su propio espejo-, en un camino que les permite sanar heridas y, por qué no, soñar con un futuro posible de abrazar con sus propias manos.

Nicolas Van Hemelryck y Clare Weiskopf apuntan al centro motor de su trabajo: “Imaginamos esta película como una oportunidad para que los espectadores empaticen con el valor, la sensibilidad y la fuerza de estas jóvenes, superando sus propios prejuicios para ver más allá del estigma la posibilidad de transformación y crecimiento personal. Esta película habla de la importancia de la perseverancia y la confianza en uno mismo”.

84 minutos de humanidad y de entereza, de resiliencia y esperanza, de lágrimas y sonrisas; y principalmente de solidaridad y amor. Un documental sobre un mundo que no está perdido, un mundo que se puede mejorar si ponemos en el centro a las personas, reconociendo cada una de sus identidades para relevar lo más importante de nuestra condición de seres humanos.

Ficha técnica

Duración: 84 minutos
País: Colombia
Compañías: Coproducción Colombia-Rumanía-Chile; Casatarántula, deFilm
Género: Drama. Documental | Adolescencia. Drama social
Guion: Tatiana Andrade, Anne Fabini, Gustavo Vasco, Clare Weiskopf, Nicolas van Hemelryck
Música: Miguel Miranda, José Miguel Tobar
Fotografía: Helkin Rene Diaz
Reparto: Documental, Intervenciones de: Paula Yeraldine Gutiérrez Sánchez, Linda Sofía Rodríguez Ávila, Yulieth Natalia Parra Cardoso, Derly Carolina Cristancho, Carol Daniela Maje, Magaly Amparo Fernández, Nicole Daniela Sánchez
Dirección: Nicolas van Hamelryck, Clare Weiskopf

El Evangelio según Mateo - Por Jackie O.

"La historia de la pasión y muerte de Cristo es la más grande jamás contada, y los versos que la narran son los más sublimes que se hayan escrito jamás: Pier Paolo Paolini"

Antes de comenzar de hablar de esta película y de su gran director, del cual me encantan sus trabajos, les debo señalar, aunque deben saberlo, que él efectúa una dedicatoria al comenzar la película que me parece bella y quisiera que la recordáramos, y para quienes no la han visto aquí va:

"Dedicada a la querida, alegre y familiar memoria del papa Juan XXIII" ("Alla cara, lieta, familiare memoria di Giovanni XXIII")

Sin dejar de mencionar que el año 2015, el diario del Vaticano la calificó como la mejor película sobre Cristo, jamás realizada.

Se dice que Pasolini decidió hacer esta obra luego de leer las escrituras de San Mateo, considerando que era un guion perfecto, pues sus diálogos eran impresionantes. ¿Cuándo sucedió eso? Hay diferentes teorías, algunos dicen que en una celda, otros en un hotel, la verdad no hay seguridad, pero lo cierto es que las leyó y le encantó. Leyó en una noche los Cuatro Evangelios, en donde consideró que debía hacer una obra relacionada al tema, eligiendo el de San Mateo, porque consideró que sus diálogos eran más auténticos, que los personajes que ahí se mencionaban llegaron más a él. Los personajes se sentían más terrenales porque no se adornadaba nada, y él quería contar algo sin endulzamientos o dramatismo extremo, como lo han hecho otras obras para acaparar la audiencia. 

Antes de comenzar a rodarla, recibió una invitación del Papa Juan XXIII, el cual mantuvo una reunión con varios artistas no católicos; el contacto con él, hizo que le dedicara esta película.

Este hecho, de realizar esta película, y como se esperaba, generó muchas críticas por su "condición" (homosexual, ateo y marxista), Pero a él no le interesó, es más, señaló: "Si saben que soy un no creyente, entonces me conocen mejor que yo mismo. Puedo ser un no creyente, pero soy uno que siente nostalgia por la creencia".

Ya sabemos de que trata la película, del nacimiento de Jesús hasta su resurrección, lo novedoso es su autenticidad de contarla. Y por lo mismo, fue premiada en diferentes festivales, con tres nominaciones al Óscar, entre otros,  y no sé por qué aún esta cinta pasa desapercibida por muchos. Espero que al leer estas líneas, te animes a verla. 

El trabajo en blanco y negro, muy minimalista, la hace conmovedora; solo Pier sabe poner la cámara en el ángulo adecuado. El análisis de esta película cuadro a cuadro no deja de sorprenderme y encontrar siempre algún detalle bello, con planos y contraplanos que son significativos, sin la necesidad de efectos visuales ostentoso, ayudado por luz natural en muchas escenas, y aprovechando lugares existentes en el sur de Italia, o lo mismo que te va regalando la naturaleza, como arroyos, montañas, etc., nos da una conmovedora historia. En cuanto al maquillaje, no hubo, y eso también es maquillaje; respecto de los primeros planos con mínimos detalles de ceños y miradas que se guían a ciertos puntos, ubicación simétrica de cuerpos y objetos, en fin, podría decir mucho más; esto lo tomó de uno de sus directores favoritos (y el mío también): Dreyer.

Hay tantas escenas memorables, como: el grito final, no es desgarrado como la costumbre televisiva nos muestra, ya es de cansancio, de agotamiento del cuerpo y del alma ("Dios por qué me has abandonado"). O el momento del bautismo y ese torrente a su espalda... muchas imágenes recorren mi mente, de memorables. Estos detalles la hacen una pieza de arte del cine. No podemos olvidar la música que acompaña esta cinta, es para ponerle play y solo dejarse llevar; la secuencia de imágenes, algunas intencionalmente cortadas o en movimiento para darle un realismo mayor (cámara en mano), o los efectos visuales, que no necesitan fuegos artificiales para deslumbrarnos; no, son simples, y unos planos y contraplanos para decirlo todo, y efectos de luces muy bien utilizados.

También, como es su costumbre, y de otros directores, tomó a personas que no eran actores para participar, incluso está su madre como María de adulta (ya ha estado en otras películas de su hijo). 

Mostrar a una mujer evidentemente embarazada en occidente o la mismísima María en ese tiempo, no debía ser pues era muy atrevido; pero él lo hizo, porque él era un atrevido genio.

En qué podría reparar el público, es en el mismo actor que personifica a Jesús, era poco empático, poco cercano; tal vez es porque ya nos acostumbramos a ver a otros "Jesús en la pantalla", pero Pasolini tomó los textos tal cual, eso me deja la pregunta ¿Jesús era poco empático, frío, con la gente? (no me traten de hereje por favor)

Sobre el título, la mayoría de las personas, tal vez inconscientemente, la llaman "El Evangelio según SAN Mateo", cuando el título original es sin el Santo, pero son aceptables ambas.

En resumen, una película que nos habla de historia, adaptando uno de los mejores guiones que existe (Biblia), donde el Director trató a Jesús como un ser más terrenal, no invocándolo en un Olimpo, y lo trató con mucho respeto.

Un ateo consciente y respetuoso con la figura de Jesús, y creo que más honesto.

Disponible en youtube.

Ficha técnica

Il Vangelo secondo Matteo.
Dirección y guion: Pier Paolo Pasolini
Basada en el Evangelio de San Mateo
Sonido: Mario Del Pezzo
Maquillaje: Marcello Ceccarelli
Fotografía: Tonino Delli Colli
Montaje: Nino Baragli
Escenografía: Andrea Fantacci
Vestuario: Danilo Donati
Efectos especiales: Ettore Catalucci
País: Italia y Francia
Año: 1964
Duración: 137 minutos
Género: Drama-Biografía
Protagonistas: Enrique Irazoqui, Margherita Caruso, Susanna Pasolini, Marcello Morante, Mario Socrate.

El Exorcista del Papa - Por Carlos Correa Acuña

Esta película comienza con una apertura prometedora. El padre Gabriel -Russell Crowe-, es llamado para realizar un exorcismo a un adolescente. Una confrontación mental, una lucha de fuerza y poder, termina con el joven liberado. En paralelo, Julia -Alex Essoe-, viuda hace un año, llega con sus dos hijos, Amy -Laurel Marsden-, y Henry -Peter DeSouza-Feighoney-, a una vieja y derruida abadía en España, único bien de su familia y posible tabla de salvación económica una vez restaurada.

Mientras el padre Gabriel mantiene discusiones con sus superiores por la naturaleza de su oficio, la madre y sus hijos avanzan con el proceso de instalación, sin embargo sucede lo inevitable: Henry es poseído por una fuerza extraña y transformadora que señala que todos morirán; exige la presencia de un sacerdote. Hasta ese momento, no vemos relación entre el cura y la familia, pero como P. Gabriel trabaja como exorcista en el Vaticano, su propio jefe, el Papa, le envía a verificar personalmente este caso a España. ¿Por qué tanto interés y preocupación? ¿Será qué hay otros antecedentes y secretos involucrados en aquel pueblo que vienen de antiguo?

La película se basa en la figura de Gabriele Amorth, un sacerdote italiano que en 1986 asumió como exorcista en la diócesis de Roma y murió el año 2016 a los 91 años. Basada -tal vez es mucho, apenas inspirada me atrevería a decir-, este trabajo no muestra la vida de Amorth sino que se remite a un par de casos que no sabemos si son o no verídicos. El elegido para interpretar a esta personalidad es Russell Crowe, quien es acompañado por Daniel Zovatto dando vida al padre Esquibel, un inexperto joven español que socorre a las víctimas de la abadía.

Dirigida por Julius Avery, la cinta provoca temor gracias a la utilización de los clásicos efectos del género, aunque logra construir correctamente ciertos ambientes lúgubres y oscuros. La personalidad que refleja el padre Gabriel es de una tranquilidad pasmosa y de una confianza excesiva. No le entran balas, se mueve como pez en el agua a pesar de lo complicadas que pueden ser algunas de las situaciones que enfrenta. Esto es diametralmente opuesta a la actitud del cura joven, que con su impulsividad puede provocar más problemas que soluciones.

Hay más elementos ultra utilizados. ¿Se han fijado que en las escenas más escabrosas siempre llueve, es de noche y se corta la luz? Todo eso está acá, y configura un ambiente propicio para encerrarnos en el misterio y preparar la siguiente secuencia que pretende hacernos saltar. Es conocido que las amenazas exteriores son en realidad la manifestación de pasados no superados, con traumas, miedos y daños. Eso se ve también en esta película, con destellos, imágenes y presencias que se hacen reales, y que desacomodan a los protagonistas. ¿Demonios externos o demonios internos? Sin duda, mucho más de los segundos.

En lo escénico, Russell Crowe sostiene a su personaje, desde su forma de hablar hasta los toques de humor que expresa en las situaciones más inesperadas. Algunos de los efectos especiales quedan bien resueltos, y aunque hay bastante abuso, funcionan. Quien destaca, eso sí, es Peter DeSouza-Feighoney. Muy bien su caracterización, sobre todo en los enfrentamientos gestuales con el exorcista y en los cambios bruscos de personalidad, muy propios del rol que representa.

“El exorcista del Papa” es una película de nicho. Abunda en la exageración, y vende como historia real algo de lo que adolece. La secuencia final, por su excesiva exageración, llega hasta la ridiculez, evidenciando la debilidad general de su argumento y la inmensa carencia de imaginación y su poco sustento original. Demasiada parafernalia para una cinta llena de caricaturas y que seguramente algún grado de aceptación en los fieles amantes del género.

Ficha técnica

Título original: The Pope's Exorcist
Año: 2023
País: Estados Unidos
Compañías: 2.0 Entertainment, Jesus & Mary, Loyola Productions. Distribuidora: Screen Gems
Género: Terror | Biográfico. Religión. Posesiones / Exorcismos
Guion: Chester Hastings, R. Dean McCreary, Evan Spiliotopoulos
Reparto: Russell Crowe, Alex Essoe, Franco Nero, Laurel Marsden, Daniel Zovatto, Cornell John, Bianca Bardoe
Dirección: Julius Avery

Alis - Por Juan Pablo Donoso

Expedición al alma de un grupo de niñitas abandonadas y recogidas en las calles de Bogotá.

Documental que emociona desde las primeras entrevistas. Comprueba la pureza, el vacío y el dolor silencioso en el corazón de esas muchachas.

¿Cómo se proyecta el destino cuando se nace sin oportunidades?

Los realizadores Nicolas van Hemelryck y Claire Weiskopf quisieron hallar la respuesta filmando durante 5 años el proceso de rehabilitación en Arcadia, la casa de acogida para ellas en Colombia.

Sometieron a las niñas a un juego de fantasía. Las invitaron a imaginar que llegaba una nueva compañera llamada Alis. Tiene 15 años y posee un camarote y casillero vacíos. Cada niña debía suponer cómo era esa nueva habitante: su cuerpo, su rostro, su pelo, su voz, su carácter y su historia.

Sentadas, mirando de frente a la cámara, cada una visualiza en su mente a la recién llegada. Aunque para todas será distinta, gradualmente irán proyectando en Alis sus propias historias, penurias, sueños, ideales, posibles amores e ilusiones.

Ninguna habría podido narrar su propio drama. El trauma las habría enceguecido o avergonzado. En cambio, al atribuírselo a la nueva compañera, se destapa la fuente de sus propias realidades.

Milagroso experimento para ingresar al alma de seres todavía incontaminados y rescatables.

Se salvan por la FE y la IMAGINACIÓN. Fe en que Alis “existe”; Imaginación como un lugar para ser, por fin, felices y diferentes.

Proyectan en ella su ideal de vida amorosa. Humor inocente al referirse al sexo. Incluso para algunas al lesbianismo surge como lo más cercano al Buen Amor en soledad.

Desde el candor de sus afectos, ¿qué visión de mundo pueden tener esas niñitas siendo víctimas del machismo de parientes violadores, y testigos de homicidios familiares? Ni sus padres las reconocían cuando estaban drogados. La Muerte era como su amiga porque terminaba con los sufrimientos.

Al mirarse el rostro les preguntan: “¿Qué ves de Alis en ese espejo?”. “Ansias de vivir, de libertad e independencia”.

En Arcadia les nació la idea de futuro, terminar de estudiar, salir adelante; ser ELLAS MISMAS y, lograr un real sentido de FAMILIA.

Ahora Alis vive en el corazón de cada una. “Queríamos que la película mirara a los ojos” nos dice Nicolás van Hemelryck, y así nos perfora el corazón.

Con todas sus diferencias terminamos amando a cada una de ellas. Sobrecoge sin recurrir a efectismos.

22 premios, 14 nominaciones.

APROXIMACIÓN PRODIGIOSA AL ALMA HUMANA EN SU ESTADO MÁS PRIMITIVO. ABSOLUTAMENTE RECOMENDABLE.

Ficha técnica

Documental - 2022 

Orfandad 

Colombia, Chile, Rumanía - 1,24 hrs. 

Fotografía: Helkin René Díaz 

Edición: Gustavo Basco, Anne Fabini 

Música: Miguel Miranda, José Miguel Tobar 

Guion: Tatiana Andrade, Anne Fabini, Gustavo Vasco 

Directores: Clare Weiskopf y Nicolás van Hemelryck

Minamata - Por Carlos Correa Acuña

Es difícil no conmoverse con este relato, basado en hechos reales, expuesto en esta cinta dirigida por Andrew Levitas. Se trata de una tragedia, otra más, referida a los efectos que los desechos industriales vertidos por una Corporacion sin escrúpulos ocasionan en los habitantes de su entorno. La contaminación es del tal magnitud -residuos de mercurio tirados al mar, década tras década-, que las malformaciones y muertes ocasionadas por este envenenamiento masivo, negligente, y culposo, son pruebas que se encuentran a simple vista. Aún así, a pesar de las persistentes protestas y de ser un caso evidente, la situación está contenida y controlada por los mandamases principales del consorcio. Los pescadores locales no logran hacer mella en un imperio económico que enfrenta cualquier dificultad poniendo el pie encima con al poder que les da el dinero.

La película comienza mostrando la vida en decadencia de W. Eugene Smith -Johnny Depp-, reconocido fotoperiodista de la Revista Life -famoso por su cobertura de la Segunda Guerra Mundial-, dueño de una personalidad compleja de definir. En los primeros minutos, la intención es configurar a Smith, un hombre que vive su deterioro humano y profesional ahogándose en alcohol. Con sus relaciones familiares rotas y carente de cualquier desafío, ¿qué le queda cuando mira hacia un futuro incierto y deprimente? Destellos de traumáticos recuerdos solo acentúan una crisis que no tiene ningún atisbo de solución.

Cuando Aileen Mioko -Minami-, junto a un joven fotógrafo que es admirador de Gene golpean su puerta, su resistencia es absoluta. La tragedia que se vive en Japón le resbala, elude cualquier compromiso y menos piensa en alguna acción concreta, sin embargo, en un segundo de lucidez toma la decisión de involucrarse y comprometer a la revista en un proyecto de gran envergadura: documentar, con imágenes, una historia que el mundo debe conocer en detalle.

En el primer cuarto de la cinta ya estamos con el personaje. Johnny Depp lo encarna muy bien, cámara en mano; ¡click! Vemos en esencia un profesional con un ojo clínico capaz de captar detalles ocultos a simple vista, cuadros estéticos rudos y crudos que se transforman en denuncia, gracias al instinto y talento de un verdadero artista. Si le sumamos, además, aquel mágico proceso de revelado de los negativos y posterior impresión de las fotografías al fijarlas en papel, la película adquiere un tono retro, casi romántico, como añorando una forma de develar la realidad que hoy día resulta impensable.

Surgen preguntas respecto a la motivación que tiene Smith de cubrir la, a esa altura, denominada “enfermedad de Minamata”. El sufrimiento de la población, la exposición del problema a nivel local, las arduas peleas de los habitantes del lugar contra la empresa, o el ruido provocado por esa lucha permanente contra puertas cerradas, podría perfectamente ser algo suficiente, pero esto no es demasiado claro. ¿No será que Gene quiere reconocimiento, un premio, o tal vez una última oportunidad para demostrar que no es alguien acabado en su oficio?

“Minamata” reconstruye la odisea, aquel viaje este fotógrafo que está de regreso en Japón, y lo hace con un tratamiento formal como si se tratara de una pieza documental. El conflicto que encuentra en lugar está clarísimo y su presencia no es bien recibida. Intentos de cancelación y de sobornos, acusan el objetivo que tiene la empresa, centrada en esconder una realidad que se observa en cada espacio del pueblo. Luchar por un bien mayor despierta sensibilidad y empatía, y es lo que vamos observamos en Eugene Smith, quien se va transformando al recorrer este camino. Surge complicidad con la comunidad local, muy diferente a sus hábitos y costumbres, en una humanidad que la cinta se encarga de relevar como homenaje y recuerdo a todos quienes han sido afectados, mostrando imágenes que resulta desgarradoras.

La música de la película es estupenda -compuesta por Ryuichi Sakamoto-, como asimismo la recreación de cada uno de los ambientes y un manejo cuidadoso de la luz. Naturalmente llama la atención la fotografía del filme, sobre todo por la complejidad de asimilarla a las fotografías originales de Smith -un trabajo muy bien logrado-, publicadas en 1972, en Life, provocando conmoción mundial. Las caras, los gestos, los retratos y primeros planos están muy bien capturados, y el montaje y edición fina entrega una fluida continuidad. Además de lo anterior, Depp logra puntos altos en su interpretación, especialmente cuando dejamos de verlo a él, es decir cuando nos olvidamos del actor y acompañamos al fotógrafo en su arriesgada misión. Gran trabajo escénico, una suerte de redención para el actor luego de un calvario judicial que postergó este proyecto y naturalmente también su carrera.

Resulta muy importante cómo se llega al final de la historia en esta película. La emotividad que alcanza se corona con imágenes icónicas, y también con menciones a otras tragedias ambientales, algunas aún vigentes actualmente. Tal vez no se puedan ganar las demandas en forma concluyente, pero es bueno generar espacios de felicidad aunque estén rodeados de océanos de tristeza y devastación. “Minamata” lo hace. Valga un reconocimiento para una cinta bien construida, necesaria e indispensable.

Ficha técnica

Título original: Minamata
Año: 2020
Duración: 110 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Metalwork Pictures, Head Gear Films, Infinitum Nihil, Kreo Films FZ, Metrol Technology, Work in Progress
Género: Drama | Biográfico. Años 70. Fotografía. Periodismo. Basado en hechos reales
Guion: David Kessler, Andrew Levitas
Música: Ryuichi Sakamoto
Fotografía: Benoît Delhomme
Reparto: Johnny Depp, Bill Nighy, Hiroyuki Sanada, Tadanobu Asano, Katherine Jenkins, Jun Kunimura, Lily Robinson, Ryo Kase, Masayoshi Haneda, Yosuke Hosoi
Dirección: Andrew Levitas

Sombras de un crimen - Por Carlos Correa Acuña

1939. El detective privado Philip Marlowe -Liam Neeson-, recibe una extraña y misteriosa visita en su estudio. Se trata de Clare Cavendish -Diane Kruger-, una atractiva mujer que quiere encontrar a Nico Peterson, su ex amante. Hija de la reconocida estrella de cine Dorothy Quincannon -Jessica Lange-, la joven no logra entender la súbita desaparición de Peterson, y por eso le pide al detective el particular encargo. El dinero no es problema, y aunque la química entre ambos podría llegar a ser una fuente de dificultades, las sospechas y mentiras que la investigación comienza a destapar, llevarán a Philip Marlowe al descubrimiento de oscuros secretos y reveladoras verdades que se encuentran muy lejos de los acotados propósitos iniciales.

Con guion de William Monahan, y basado en la novela de John Banville que tiene como centro el personaje creado por Raymond Chandler, esta cinta dirigida por Neil Jordan tiene muchísimos diálogos y una gran cuota de ironía. Con un sabor “a la antigua”, y un renovado estilo noir, el filme se sostiene gracias a la presencia de sus actores principales que inundan la pantalla. El carisma de Neeson se complementa muy bien con la gracilidad inicial de Kruger, y naturalmente destaca Jessica Lange en cada una de sus breves intervenciones.

Puntos altos de la película son sus escenarios y ambientes, los que logran una buena recreación de la época, creíble y realista. Por otra parte, el clasicismo de su forma, el ritmo pausado del metraje, la adecuada oscuridad y variados filtros bien utilizados, generan un efecto que ayuda muchísimo a sumergirnos en un contexto rico en detalles de estilo, aunque se muestre algo más gruesa en el desarrollo de ciertos ángulos de la personalidad del famoso detective.

Cuando Philip Marlowe entra en terreno sucio, no le tiembla la mano para golpear o eliminar a quienes le amenazan y superar los obstáculos que se interponen en su camino. Es cierto, nos recuerda al Liam Neeson de otras cintas, sin embargo el actor de da maña para imprimir un particular toque de estilo que, al menos en mi caso, logra convencer. Lo complejo o enredado de la trama pasa a segundo plano, pues las pistas equívocas tanto como las aperturas, cierres y laberintos, se van lentamente aclarando en la medida que se desenreda una madeja de elementos que, aún teniéndolos a la vista, siempre logran dar un giro, o al menos salir inesperadamente desde alguno de los recovecos de la historia.

El detective Marlowe encarna, como pocos, esa persistencia y perseverancia necesaria para poder llevar a buen puerto cada una de sus responsabilidades. Aunque tiene en alto valor la lealtad, sus obsesiones son bastante claras, y a veces carecen del sustento apropiado desde la base del relato. En ese sentido, el valor de la honestidad está siempre en tela de juicio. Negocios son negocios y el poder del dinero -o el poder que da el dinero-, sin duda logra inclinar la balanza. Es ahí donde se hace más necesario, aún, desenmascarar esas singulares apariencias de todo aquello que solo se hace por conveniencia.

Ficha técnica

Título original: Marlowe
Año: 2022
Duración: 110 minutos
País: Irlanda
Compañías: Coproducción Irlanda-España-Francia; Parallel Film Productions, Hills Productions AIE, Davis Films, H2L Media Group, Nickel City Pictures, Storyboard Media, Aperture Media Partners, Elipsis Capital
Género: Thriller. Intriga | Años 30. Neo-noir
Guion: William Monahan. Novela: John Banville. Personaje: Raymond Chandler
Música: David Holmes
Fotografía: Xavi Giménez
Reparto: Liam Neeson, Diane Kruger, Jessica Lange, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Alan Cumming, Danny Huston, Ian Hart, Colm Meaney, Daniela Melchior, François Arnaud
Dirección: Neil Jordan

Huesera - Por Jackie O.

"El terror de la maternidad... un desafío emocional"

Sinopsis: La alegría de Valeria y su esposo es inmensa al enterarse de que tendrán a su primer hijo, pero se ve rápidamente truncada cuando es maldecida por un espíritu siniestro. A medida que el peligro se acerca y las relaciones con su familia se fracturan, se ve obligada a adentrarse en un escalofriante mundo de magia oscura que amenaza con consumirla.

Estamos ante una película femenina, que mezcla el embarazo con el folclore urbano, para traernos un terror psicológico. Y no, no ese terror de monstruo que te hace saltar del asiento, el concepto de ello es más amplio.

En todos los países existen leyendas urbanas, y se dice que en el norte de México, la leyenda de La Huesera se ha alimentado de diversos mitos populares e historias tradicionales para conformar su relato. Y ante las múltiples versiones que existen, recordamos una de esas versiones la cual es contada por la escritora Clarissa Pinkola Estés en su libro "Mujeres que corren con los lobos". Y claro que sí, si al leerla ensamblamos su metáfora con esta historia, tiene sentido ese relato sobre La Loba, una mujer recolectora de huesos, y bueno... para que arruinarles la historia, si pueden leerlo y descubrirán un gran libro.

Esta película nos muestra a una pareja que ha intentado tener hijos, hasta que lo logran. Pero ser madre debe ser algo muy complejo, escuchamos diversas historias buenas y malas. Y Valeria tiene una historia que conocemos con un par de analepsias, para darnos cuenta que el embarazo no es algo que deseaba fervientemente, y al estar embarazada se desatan en ella cambios, no solo físicos, sino que psicológicos. Por que la maternidad puede ser deseada o no, no se debe cuestionar, pero cuantas veces hemos escuchado la expresión "hay mujeres que no deberían tener hijos" o "me siento incompleta sin un hijo" (como si hiciera crecer miembros) o, que la mujer debe cumplir los cánones que la sociedad impone o será menospreciada por otras, presión social, etc. una serie de situaciones que estresan.

Y cuando muchas veces se desatan estados psicológicos como la alegría, pena, ansiedad, miedo, vulnerabilidad, presión, y/o terror al traer una vida; esto puede provocar estados depresivos en el parto o post parto. Y Valeria pasa por estados que comienzan a atormentarla de a poco, su ansiedad hace que comience a imaginar situaciones hasta llevarla a la locura.

En esta cinta nos encontramos con mujeres casadas, solteras, religiosas, curanderas, lesbianas, una gama de féminas cada quienes con su historia, que no necesitamos involucrarnos tanto con ellas, pues el centro es Valeria, y es ella quien convive con todas estas mujeres.

Los efectos de sonido son algo escalofriantes con la "tronadura" de huesos, sonidos que aparecen ante la ansiedad, molestia o tal vez miedo. La puesta en escena ayuda mucho a involucrarnos en el estado mental de la protagonistas, los efectos visuales son buenos. El guion es inteligente, aunque tiene alguna discontinuidad en determinados diálogos, se atreve a contarnos un tema que para muchos es aún tabú o socialmente criticado: desear o no el embarazo.

Sin ser experta (ojo que ser madre no precisamente te hace expertas) los procesos del embarazo... o tomar la decisión de ser o no madre, hay que ser valiente. Un bebé no siempre es una bendición, hay que ver la situación caso a caso. Porque un hijo es un hijo y debe estar primero, debe ser cuidado y amado, principalmente por alguien que lo quiera y esté emocionalmente estable para cuidarlo; sin estar rodeada de maldiciones o de solo fantasías.

Tomar decisiones sin perder la esperanza, pues hay formas de sanar el alma y volver a surgir luego de quebrarse".

Ficha técnica

Dirección: Michelle Garza Cervera
Guion: Michelle Garza Cervera y Abia Castillo
País: México y Perú
Año: 2022
Género: Terror y drama
Duración: 93 minutos
Protagonistas: Natalia Solián, Alfonso Dosal, Sonia Couoh, Enoc Leaño, Samantha Castillo, Anahí Allué, Aida López, Mercedes Hernánd

Luther: cae la noche - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Netflix.

Sinopsis: Atormentado por un caso sin resolver, el brillante pero caído en desgracia inspector londinense John Luther se fuga de la cárcel para intentar atrapar a un sádico asesino en serie...

Es difícil explicar lo que sucede con esta cinta. Luego de cinco temporadas exitosas -20 capítulos en total, 10 premios, 41 nominaciones, y el Globo de Oro al "mejor actor de miniseries" el 2012-, esta nueva película continúa con la historia de este particular detective interpretado por Idris Elba, sin embargo, parece que tal como su título original, “The Fallen Sun”, el sol, literalmente, se cae. Con expectativas altas, y una premisa prometedora, “Luther”, la película, deja claro que es muy diferente construir una película que una serie; son lenguajes distintos, ritmos distintos, espacios distintos, e inclusive, audiencias diferentes.

Dirigida por Jamie Payne, el filme resulta fallido desde varios aspectos. Primero, la historia se compartimenta, tal vez pensando que con ciertas complejidades de estructura, en cajas separadas, podría tener más atractivo. Segundo, el ritmo es irregular, acelera de pronto, se tranca, vuelve a apurarse; va y viene carente de relación armónica, lo que provoca un cierto desconcierto. Tercero, actuaciones planas, no creíbles, sin chispa… y es un buen elenco, pero desaprovechado.

Poquito nos deja esta secuela de “Luther”, de la que solo rescato los escenarios, la música, y una producción mucho mejor que el contexto fílmico al que remite. El resto de los elementos no pasan la prueba. No se consolida ni el misterio a resolver, ni el héroe de acción, ni menos las motivaciones principales de los unos y los otros. Lo que observamos es un popurrí variopinto -ordenado eso sí, pero con un marcado desequilibro-, que se hace tedioso, y que para terminar de verlo hay que echar mano a nuestros ahorros de paciencia y agregar una cuota de generosidad.

Ficha técnica

Título original: Luther: The Fallen Sun
Año: 2023
Duración: 129 minutos
País: Reino Unido
Compañías: BBC Film, BBC Studios, Chernin Entertainment. Distribuidora: Netflix, BBC
Género: Thriller. Drama | Secuela. Policíaco. Asesinos en serie
Guion: Neil Cross
Música: Lorne Balfe
Fotografía: Larry Smith
Reparto: Idris Elba, Cynthia Erivo, Andy Serkis, Dermot Crowley, Thomas Coombes, Hattie Morahan, Lauryn Ajufo, Vincent Regan, Ross Waiton, Dan Li
Dirección: Jamie Payne

Oso Intoxicado - Por Juan Pablo Donoso

Una pavorosa tragedia real transformada, de adrede, en chacota (¡!).

Dejan caer un paracaídas con un bulto lleno de cocaína sobre un parque de vida silvestre en Nashville. El encargado de una banda (Ray Liotta) debía ir a recogerlo para su distribución. Pero una enorme osa negra de 500 kilos halló antes el cargamento y se puso a consumirlo con las obvias consecuencias de euforia y locura.

Antes que los mafiosos llegaran a retirarlo, un matrimonio de excursionistas se topó con la bestia quien, de inmediato, se comió a la señora.

Simultáneamente una pareja de niños hacen la cimarra y se internan a jugar en el bosque. Hallan parte de la mercadería y la prueban creyendo que es azúcar. También serán perseguidos por la osa que ya es adicta.

Se sumarán maleantes en pos del botín. La madre de los niños (Keri Russell) recurre a los guardabosques quienes, por tratar de ayudar, son víctimas de los badulaques quienes, a su vez, también son víctimas de la osa, y así, sucesivamente, agregándose la presencia del alguacil (Isiah Whitlock Jr.) que perseguía al jefe de los bandidos.

Todos serán rastreados, y acosados, por la enorme plantígrada, a la cual se le incorporan sus pequeños cachorros, quienes también se deleitan inhalando la droga y comiendo vísceras humanas.

Es tan horrorosa y sangrienta la acumulación de víctimas y maleantes, que los realizadores optaron por narrar la historia como una comedia negra, llena de chistes, para que el espanto que presenciamos se mezcle, deliberadamente, con nuestras carcajadas.

Mérito del guionista Jimmy Warden, y de su glamorosa directora Elizabeth Banks (actriz de Juegos del Hambre). Hicieron de un hecho real espeluznante un filme gracioso y entretenido incorporando actores consagrados como Margo Martindale (Agosto 2013 / Paris, Je t´aime 2006), la fornida guardabosque, y a Ray Liotta (Buenos Muchachos - 1990 y Hannibal -2001) en su última actuación antes de fallecer.

Arriesgada empresa artística: una de esas raras películas ridículas que realmente funcionaron.

El oso disecado se encuentra en el Kentucky Fun Mall en Kentucky, EE. UU.

BRUTAL COMEDIA NEGRA QUE MANTIENE AL PÚBLICO HORRORIZADO Y RIENDO AL MISMO TIEMPO.

Ficha técnica

Título Original: Cocaine Bear

2023 Tragicomedia, suspenso EE.UU.- 1,35 hrs. 

Fotografía: John Guleserian 

Edición: Joel Negron 

Música: Mark Mothersbaugh 

Diseño Prod.: Aaron Haye Guion: Jimmy Warden 

Actores: Ray Liotta, Keri Russell, Margo Martindale 

Directora: Elizabeth Banks

Ray Donovan - Por Jackie O.

"Cuando tu peor enemigo, está más cerca de lo que crees."

Ray Donovan (Liev Schreiber), trabaja para la poderosa firma de abogados Goldman & Drexler, que representa a ricos y famosos en problemas, y Donovan es el "solucionador de problemas", es decir, una persona que organiza sobornos, pagos, amenazas y otras actividades dudosas para garantizar el resultado deseado por el cliente. Pero experimenta sus propios problemas, cuando su padre, Mickey Donovan (Jon Voight), es liberado inesperadamente de la prisión, y el FBI intenta derribar a Ray y sus asociados.

Durante este verano terminé de ver esta serie que comencé hace unos años, sin encontrar su final hasta ahora, la cual tiene además una película (secuela), pero de esa les hablaré después.

La serie va teniendo algunas analepsias para que vayamos conociendo la vida de esta familia llena de sufrimiento y caos, que ha hecho moldear sus personalidades.

Quiénes son los Donovan: nos enteramos de la existencia de un matrimonio con 4 hijos, ella abnegada madre que muere dejando a sus 4 pequeños con su padre, pero al poco tiempo fallece la hermana más joven en circunstancia terribles, que iremos conociendo en el transcurso de la trama. El padre, Mickey Donovan, un rufián que siempre engañó a su mujer, y pasaba en permanentes negocios turbios hasta que fue detenido, por lo que los 3 niños se criaron prácticamente solos, pero bajo la mirada atenta del cura del sector. Eran niños que a medida que crecían buscaron su forma de vivir como pudieron: el mayor fue un boxeador que en la actualidad sufre de parkinson, el menor con una leve deficiencia intelectual sin trabajo estable, y nuestro millonario criminal.

La narrativa es interesante, en cada capítulo quieres saber más y más de ellos, y otros personajes que van apareciendo, y sí, como toda serie larga tiene alguna temporada más deficiente que otra, pero eso no deja que te involucres, pues está llena de acción, corrupción, crímenes, problemas psicológicos, abuso sexual, muertes, etc., es decir, hay mucha falta de valores.

Ray trató de formar una vida mejor casándose, y en la actualidad con dos hijos preadolescentes, pero su trabajo, aquel donde lo llaman celebridades y millonarios, y que le dan la vida cómoda que tiene, lo llena de muchos problemas, es su destino. Trabajan para él, una pareja de expertos que al igual que él se dedican a "arreglar problemas". Pero todo se empeora cuando su padre sale de la cárcel después de 20 años, el sujeto es de lo más detestable, esperas como espectador que por favor desaparezca (literal); Voight nos presenta un gran rol con este personaje.

Buenas actuaciones, los personajes son creíbles la mayoría de ellos, la puesta en escena correcta a la historia que nos cuentan, y el guion es interesante.

Como el nombre de la serie dice, la trama principal gira en torno a RAY, de ahí las historias de sus familiares y amigos se van ensamblando muy bien.

Y después de todo lo ya dicho, deben saber ya, que es una serie para mayores de edad.

Disponible en Paramount.

Ficha técnica

Creado por Ann Biderman
7 temporadas, 82 capítulos.
Duración: 45–60 minutos
EEUU 

2013-2020.
Protagonistas: Liev Schreiber, Paula Malcomson, Eddie Marsan, Dash Mihok, Steven Bauer, Katherine Moennig, Pooch Hall, Kerris Dorsey, Devon Bagby, Jon Voight, Graham Rogers.