Un Panda en África - Por Jackie O.

"La nobleza de la amistad"

Película animada que cuenta la vida de un Panda llamado Pang, que vive en un pueblo habitado por pandas y dragones. Todo tranquilo, hasta que un día llegan dos extraños forasteros, un mono y cocodrilo, y raptan a la pequeña dragona Jielong, con el fin de llevársela a África, pedido hecho por el tío malvado del joven y atolondrado príncipe león como regalo de cumpleaños. Pero lo que no sabe el resto, es que dicho León tiene planes macabros

Pang al darse cuenta del secuestro, busca la forma de viajar hacia África, consiguiéndolo, y se encuentra con una flora y fauna muy diferente de donde venía. Su noble corazón comienza a ganarse el cariño de muchos, y por supuesto, también, pasando por situaciones conflictivas.
Por otro lado, cuando la dragoncita se encuentra con el joven príncipe león, este último se da cuenta de que debe, Jielong, volver con su familia, y él reencontrarse con su pasado y luchar por su reino, por lo que estos tres jóvenes, Pang, Jielong y el pequeño leoncito, deberán enfrentarse al temible león.

Una cinta hecha para menores de 10 años. Ya más edad, lamentablemente no engancharán con la historia, y menos los adultos.
Los menores se entretendrán por que tal vez se confundan. Me explico. Hay mucha referencia a las películas "El rey Leon" y "Kun Fu Panda", y dichos personajes pueden asociarnos a ellos.
Pero los mayores no podremos con las fallas técnicas, como la animación, con su formato que no llama la atención, y el guión. Muy mal editada la historia, donde suceden situaciones sin una continuidad coherente. No hay personajes graciosos o memorables que uno pueda destacar.

Al tema central sobre la amistad, y el valor que le damos a esa nueva familia que hacemos en la vida, no se le sacó un real partido.

Película animada para conversarla con los niños, sobre la bondad de este oso Panda, que no veía maldad en otros, en donde no se debe crear un niño que esté a la defensiva, pero sí alerta. Y por supuesto, destacar el valor a la amistad y la familia.

Ficha técnica

Título original: Panda Bear in Africa
2024 / Dinamarca
Duración 84 minutos
Guion: Richard Claus, Karsten Kiilerich y Rob Sprackling
Música: Vidjay Beerepoot
Dirección: Karsten Kiilerich y Richard Claus.

El Aprendiz - Por Carlos Correa Acuña

Donald Trump. Solo dos palabras que generan inmediatamente atención. ¿Qué tal una película sobre esta figura controversial? Más atención aún, incluso tensión, diría yo. ¿Y qué sucede con esta película? ¿Se retrata al Donal Trump que se encuentra en la actual carrera presidencial del 2024, o es más bien sobre cómo llegó a lo que actualmente representa? ¿O corresponde a sus primeros años, a su formación en en mundo de los negocios? ¿O se va por el lado más personal, para mostrar a un joven impulsivo que quiere diferenciarse de su padre y construir un camino propio? ¿O abarca el aspecto familiar y sus relaciones íntimas? ¿O se queda en la figuración pública de un personaje que provoca una polarización pocas veces vista?

Hay algo de todas estas interrogantes en “El Aprendiz”, dirigida por Ali Abbasi. Y digo algo, porque tenemos de biografía, un poco de historia, y también una delgada línea entre hechos reales y no reales que por momentos resulta bien difícil de descifrar. Pero a no confundirse. El tema medular de esta cinta es el poder y la ambición que gracias a un molde primeramente imitado y luego perfeccionado, se potencia al máximo en la medida que pasan los años, cuando las experiencias se acumulan y los escrúpulos desaparecen casi por completo.

El escenario es perfecto. Se trata de Nueva York en los años 70, y un joven Trump -Sebastian Stan-, solo quiere destacar en un ambiente donde la exclusividad determina el estatus de las personas. No solo es dinero; se trata de reconocimiento, de identidad, de avanzar a toda costa sin pensar en las consecuencias. En este ambiente reservado y hostil, Trump conoce a quien será su mentor, Roy Cohn -Jeremy Strong-, un destacado abogado que domina con arrogancia el submundo de las relaciones políticas con una red de contactos de gran nivel. El enganche es inmediato, se reconocen, como se dice, “al toque”; uno como inductor, el otro como inducido, el primero como maestro, el segundo como discípulo, Cohn como el original, Trump como la copia corregida y luego mejorada.

El desarrollo de la trama es apasionante. Ver de cerca el ascenso de este magnate inmobiliario, y posterior político, no deja indiferente. Aunque no estemos del todo seguros de los hechos, el interés central es el mismo, porque queremos conocer los orígenes del personaje y cuantos más antecedentes nos entreguen, mejor. ¿Queda bien parado o queda mal? No sé, porque es difícil que un hombre como Trump pueda quedar mejor o peor, ya que depende de la base de amor u odio con la que uno llegue al personaje. Me arriesgo a decir que quien vea esta película ya viene con una decisión tomada y la cinta solo acrecienta esa posición, ya sea a favor, o ya sea en contra, por lo que difícilmente este trabajo consiga cambiar alguna apreciación. Queda claro que la cinta, aunque lo pretenda, no logra mover la aguja ni un centímetro de la ubicación previa del espectador. Puedo estar equivocado, pero es mi impresión. Demasiado tibia para entrar en profundidad, o demasiado débil para intentar acercar o alejar intenciones o valoraciones desde y hacia el personaje.

Vamos a los temas cinéfilos, porque para saber más sobre Trump basta ver la televisión en estos días. Con un guion de Gabriel Sherman, Ali Abbasi se luce recreando la época, con filtros, colores y texturas que por momentos se funden en lo que parece ser un auténtico documental. Me atrevo a señalar que el mayor mérito de esta cinta es llevarnos de regreso a décadas complejas de la historia norteamericana, exponiendo exponiendo contextos sociales y políticos de los Estados Unidos. Sin este marco, sería imposible visualizar a Trump en sus primeros años, porque gran parte de su origen proviene, justamente, de las adversidades que enfrenta una sociedad que busca defender un modelo de libertad económica que constituye la base y el fundamento de su impulso vital.

Otro punto destacado de esta cinta son sus actuaciones. Sebastian Stan hace un trabajo de joyería para interpretar a Donal Trump. Y no es solo la similitud física, sino que particularmente de sus modales, muecas y arrebatos, aspectos todos que retratan al personaje tal cual es, sin eufemismos, y sin ocultar rasgos que a esta altura ya son marca registrada de su representado. Mención aparte para Jeremy Strong; ¡soberbio! Qué gran actuación, tomando lo mejor de su experiencia en “Succession”, pero transformándose, de a poco, en un Roy Cohn que transita de victimario a víctima en un trance exponencial.

Dos horas ilustrativas nos trae “The Apprentice”. Si bien tal vez no será recordada como “la” gran película sobre Donal Trump, es una cinta que vale la pena considerar por varios motivos. Uno, por el contexto actual; dos, porque un retrato sobre una figura disruptiva siempre generará interés; y tres, porque es necesario tener otra mirada sobre este hombre particularmente especial. Esto entrega la película, actualidad, interés y contexto de un ex presidente que busca ser elegido nuevamente. ¿Lo tendremos como el mandatario número 47 de los Estados Unidos o pasará a los cuarteles de invierno? No sabemos pero nos come la curiosidad. Por ahora, ver “El Aprendiz” puede ser un buen aperitivo para esperar que la cena se sirva en unas pocas semanas más.

Ficha técnica

Título original: The Apprentice
Año: 2024
Duración: 120 minutos
País: Canadá
Compañías: Coproducción Canadá-Dinamarca-Irlanda; Scythia Films, Profile Pictures, Tailored Films, Gidden Media, LB Entertainment
Género: Drama | Biográfico. Años 70. Años 80. Bolsa & Negocios. Política
Guion: Gabriel Sherman
Fotografía: Kasper Tuxen
Reparto: Sebastian Stan, Jeremy Strong, Martin Donovan, Maria Bakalova
Dirección: Ali Abbasi

El Misterio de Salem`s Lot - Por Jackie O.

“El despertar de los muertos”

Salem's Lot es un libro escrito por Stephen King en 1975.

La novela fue adaptada dos veces para la televisión, una miniserie de 1979, dirigida por Tobe Hope, y un remake de la misma en el año 2004. Además, en el año 1995, la BBC la adaptó para un radioteatro. En el año 1997 se realizó una secuela de dicha novela llamada Return to Salem's Lot. Y en el 2024, el director Gary Dauberman realizó una nueva versión. Nos abocaremos a ella.

Ben Mears vuelve al pueblo donde nació y donde sus padres fallecieron. En un comienzo nadie lo reconoce, tampoco advierte que es un gran escritor salvo Susan, una secretaria de un corredor de propiedades, quien se transforma en el interés amoroso de Ben.

Ben está ahí para hacer investigaciones para la realización de su nuevo libro, pero pasa casi desapercibido, porque nos centramos en otros habitantes que llegan a este pequeño y tranquilo pueblo (iba a decir muerto pueblo, pero es muy literal). Richars Straker llega y le encarga a un residente que vaya a buscar un valioso cajón y que lo trate con sumo cuidado, dejándolo en la casa de la colina, específicamente en el sótano, cosa que hace junto a su ayudante. Sabemos que contiene esa caja, pero no los habitantes del pueblo, quienes comenzarán a desaparecer uno a uno para saciar la sed del nuevo huésped que habita en ese sótano. Por otra parte, el pequeño y valiente Mark, comienza a notar situaciones extrañas cuando sus amigos desaparecen y uno de ellos aparece en su ventana. Mark es astuto y sabe perfectamente qué está pasando: vampiros han llegado al pueblo, y se encargará de averiguarlo porque le promete a su amigo salvarlo. Pero no es el único que se percata de esta siniestra amenaza, el viejo Matthew Burke, va a ser también testigo de esta despiadada presencia, teniendo que convencer a otros de esta amenaza.

45 años después de la primera versión, que fue fabulosa y ya de culto cinematográfico, era tarea difícil traer algo nuevo, como todo remake, hacer de nuevo esta adaptación literaria, o cómo encantar a la audiencia que ya conocía la original.

Estéticamente no añade nada nuevo al subgénero vampírico, pero se deja ver con sus propios giros originales, ya que las historias de vampiros cuando se les refleja como los monstruos aterradores que son, son realmente interesantes.

En cuanto a las actuaciones, Pullman como protagonista, que hasta la fecha se ha destacado en papeles secundarios en su mayoría, acá desarrolla un buen rol, pero lamentablemente nada para ser tan destacado, solo un “cumple”. Respecto a Leigh, su rol no se desarrolló por completo como para haber visto una real química con Pullman. Faltó más oportunidad para desarrollar su papel. El padre Callahan, lamentablemente se pierde en esta adaptación, un rol fundamental quedó al margen esta vez. A quienes sí debo destacar es a Bill Camp. Nunca deja de sorprenderme, cada interpretación es mejor que la anterior, acá como Matthew Burke. Su papel lo realiza con determinación para enfrentar estas fuerzas de la oscuridad que lo van rodeando, incorporando capas de humanidad en esta oscura travesía. Pero la gran sorpresa para mí, y no olviden este nombre porque no debe pasar desapercibido, es el pequeño Jordan Preston como Mark. Nos presenta la valentía, inteligencia y determinación que no es algo rebuscado ni sobreactuado.

Y qué pasa con los villanos. Pilou como Straker cumple bien su rol, captura la naturaleza inquietante y sádica del personaje, aunque no se le da la notoriedad que debía como a otros. Pilou tiene talento para personificar a villanos, pero el principal, Barlow, está bien interpretado, aunque como las anteriores entregas, su participación en la pantalla es breve, pero sabe aterrar con un buen maquillaje. Y la participación de Alexander Ward se agradece, ya que siempre los efectos prácticos y la personificación es mucho mejor que los CGI.

En cuanto a vestuario y maquillaje se ven bien. Una puesta en escena buena con ambientación antigua y una paleta de colores adecuada, que dan un buen entorno misterioso que hacen una buena fotografía. Hay encuadres muy buenos, como, por ejemplo, aquel en que Straker está en el bosque tras los niños, parece un juego de sombras muy bien incorporados.

En cuanto al montaje, se nota que va muy de prisa la historia no tomándose el tiempo para decantar en los hechos y para que puedan causar mas tensión. 113 minutos fueron poco para la notoria falta de desarrollo en situaciones y personajes.

La dirección está correcta para este guionista amante del terror en su segunda película; en cuanto al guion, se tomó sus libertades dando giros interesantes, pero como señalé, mal en el desarrollo de ciertos personajes.

No es tan solo una película de terror con vampiros que acechas un pueblo, y derramamiento de sangre. También hay asuntos que tienen que ver con la fe, las creencias y la bondad.

Disponible en MAX.

Ficha técnica

Dirección: Gary Dauberman
Guion: Gary Dauberman
Basada en "El misterio de Salem's Lot" de Stephen King
Música: Nathan Barr y Lisbeth Scott
Fotografía: Michael Burgess
Montaje: Luke Ciarrocchi
Protagonistas: Lewis Pullman, Jordan Preston Carter, Makenzie Leigh, Bill Camp, Pilou Asbæk, Alfre Woodard, William Sadler
2024. 113 minutos.
Género: Terror, Sobrenatural, Drama, Vampiros

La Inmensidad - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: Roma, años 70. Clara y Felice acaban de mudarse a un piso nuevo. Su matrimonio está acabado: ya no se aman, pero son incapaces de separarse. Lo único que los mantiene unidos son sus hijos, en los que Clara vuelca su deseo de libertad. Adriana, la mayor, acaba de cumplir 12 años y presencia muy de cerca los estados de ánimo de Clara y las tensiones cada vez mayores entre sus padres. Adriana rechaza su nombre y su identidad, quiere convencer a todo el mundo de que es un chico, y su obstinación hace que el ya frágil equilibrio familiar alcance un punto de ruptura. Mientras los niños esperan una señal que los guíe, todo cambia a su alrededor y en su interior.

Este trabajo de Emanuele Crialese resulta íntimo y evocador. Remontarse varios años atrás no solo es un viaje en el tiempo. Se transforma en el regreso a la dinámica social de una época marcada por la rebeldía y el cambio. Algo de esto está presente en esta cinta de tono tranquilo que, sin ningún apuro, nos involucra en la vida de una familia italiana que vive intensamente sus problemas, pero puertas adentro.

En la premisa están claros los conflictos, los que, además, corren en paralelo. Clara -Penélope Cruz-, vive atormentada por un matrimonio infeliz sin poder dar el paso definitivo hacia la separación. Lo quiere, lo plantea, pero es incapaz de sostenerlo frente a la respuesta perentoria de su marido: “pero entonces dónde te irás, qué vas a hacer”. Es un escenario dramático que solo se sostiene por la necesidad de cuidar a sus hijos. Por otra parte, Adriana -Luana Giuliani-, la hija mayor, vive un suplicio pues a sus 12 años ya no se reconoce mujer y su deseo es actuar como hombre ante su familia y de cara al mundo. Es otra época, apoyo no tiene. Desde su familia, lo más benevolente sería que la ignoren, pues su padre, sencillamente, no tolera ni acepta su condición.

Tan íntimo es lo que sucede con la madre y con la hija que prácticamente no parecen tener escapatoria. Ambas la buscan afanosamente; Clara con momentos de esparcimiento, y Adriana con una amiga con quien pasa tiempos de complicidad y cercanía. Aparentemente, las protagonistas no cruzan sus historias, sin embargo hay un hilo invisible que las une inseparablemente. Se trata de su sufrimiento interno, aquél que está bajo todas las capas y llaves posibles, de manera que no se deje traslucir y las torne aún más vulnerables .

El tratamiento cinematográfico de Crialese potencia la quietud y la contemplación. Es a través de estos dos elementos que logra conectar los diferentes planos de esta historia que, en un primer momento, podrían también ocultarse bajo otros ropajes. El padre ausente, el marido displicente, los hermanos menores, el grupo de amigos adolescentes, el machismo imperante, la condición de pobreza al frente de una élite, y varios otras, son temáticas que cobran relevancia en la medida que las decisiones de la dirección las van relevando lentamente.

“L’immensità”, a pesar de no tener gran vuelo, es una película que deja sensaciones, y ese, tal vez, es su principal mérito. Y presenta temas concretos, cómo no, pero al mismo tiempo los coloca en posiciones sutiles y en otras, casi imperceptibles. Al parecer, la idea es exponer realidades para que quienes las observamos vayamos construyendo nuestra propia historia, paralela incluso, pensando en qué caminos deben escoger Clara y Adri para seguir adelante con sus propósitos esenciales sin destruir su propia identidad. En esta compleja lucha de discernimiento se sitúa esta cinta italiana que nos deja meditando sobre ejemplos que cada vez observamos más de cerca. Al ofrecer una estética y narrativa de impresiones, la tarea se hace aún más difícil, porque recae en nosotros el peso de formar opinión y actuar en consecuencia.

Ficha técnica

Título original: L’immensità
Año: 2022
Duración: 98 minutos
País: Italia
Compañías: Coproducción Italia-Francia; Chapter 2, Wildside, France 3 Cinéma, Pathé, Canal+
Género: Drama | Años 70
Guion: Emanuele Crialese, Francesca Manieri, Vittorio Moroni
Música: Rauelsson
Fotografía: Gergely Pohárnok
Reparto: Penélope Cruz, Luana Giuliani, Vincenzo Amato.
Dirección: Emanuele Crialese

Lobos - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Apple TV+.

George Clooney y Brad Pitt vuelven a trabajar juntos interpretando a dos "solucionadores" de problemas, unos tipos expertos en borrar cualquier vestigio de una escena del crimen. La película comienza cuando estos veteranos y experimentados “ejecutivos de la limpieza” se ven forzados a trabajar juntos, y por supuesto dejar de lado cualquier rivalidad, para resolver un “inconveniente” de proporciones que involucra a una funcionaria situada en las altas esferas del poder. A lo largo de una larga noche en Nueva York, que parece no terminar nunca, ambos “profesionales” deben sortear una serie de eventos que ponen a prueba tanto su paciencia como su ingenio.

Desde el primer momento, este filme nos presenta una atmósfera cargada de tensión, combinando gotas de cine negro con pinceladas de ácido humor. El guionista y director Jon Watts intenta una combinación de thriller y comedia negra que logra brillar solo cuando Pitt y Clooney intercambian mordaces diálogos. Aunque hay momentos en los que baja bastante la tensión, la química entre los actores y un par de buenas secuencias permiten que sigamos atentos frente a la pantalla. Entre tantas peripecias, ¿habrá alguna que resulte y que rompa la racha negativa en el devenir de los protagonistas?

El carisma, la prestancia y el atractivo de George Clooney y Brad Pitt es el principal gancho de esta cinta. ¿Es suficiente? Que cada quien lo juzgue, pero no hay duda que son elementos importantes para darle una oportunidad y no abortar el intento. Respondo por mí y sí, me doy por pagado. Se nota que estos dos grandes disfrutan haciendo lo que hacen y eso traspasa la pantalla. Sus gestos, muecas y miradas a veces dicen más que sus palabras. Juegan de memoria, diría un aficionado al fútbol, porque con solo cruzar sus ojos ya saben dónde ir y a qué atenerse. Sacan chispas, incluso en silencio, porque todo está puesto en el lugar que corresponde, como siguiendo una línea invisible trazada por la mano del director. Y agrego una mención especial para Austin Abrams, el tercero en discordia, que bien podría ser opacado: se las arregla para entregar una variación creíble de su personaje, incluido un monólogo estupendo que sin duda está a la altura de sus colegas.

Tres partes claras posee esta película: introducción, desarrollo y final. Un formato clásico, ultra conocido, pero que funciona como manual de estilo hasta nuestros días. Si agregamos a esto una deliberada contención de movimientos, tenemos un trabajo que, con mínima acción y escenarios reducidos, juega con el misterio y la tensión a lo largo de todo su metraje. Una escena de acción trepidante más o menos en la mitad, y que sirve como llamado de atención justo a tiempo para no pestañear y pasar a los brazos de Morfeo, destaca por su filmación gracias a un buen seguimiento de cámaras y una edición que aprovecha cada una de sus tomas para entregar una secuencia bien elaborada.

Entretenida película, más interesante que efusiva eso sí, porque parece tener como un freno de mano o algo que la retiene para no asumir más riesgos de los necesarios. Y perfectamente podría haber tomado un camino más incierto pero no lo hace, tal vez para no descarrilarse y así potenciar la entrega de pura diversión, una distracción que no obliga a pensar en nada, y que se sostiene arriba de la línea de flotación gracias al lucimiento y simpatía de sus intérpretes.

Ficha técnica

Título original: Wolfs
Año: 2024
Duración: 102 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Plan B Entertainment, Smoke House Pictures, Apple Studios, Apple Original Films. Distribuidora: Apple TV+
Género: Acción. Thriller. Comedia | Comedia negra. Crimen. Drogas
Guion: Jon Watts
Música: Theodore Shapiro
Fotografía: Larkin Seiple
Reparto: George Clooney, Brad Pitt, Amy Ryan, Austin Abrams, Poorna Jagannathan.
Dirección: Jon Watts

La Leyenda de Mor'Du - Por Jackie O.

"Ten cuidado con lo que deseas"

Leyendas encontramos en todo el mundo, y esta en particular, la vimos levemente en una película animada del año 2012.

Una bruja muy animada comienza a ofrecer muchos hechizos, al parecer a nosotros los espectadores, y recuerda una antigua leyenda Escocesa sobre un poderoso hechizo, advirtiéndonos que tengamos cuidado con lo que pedimos. Comienza a contarnos que existió hace mucho un rey que tenía cuatro hijos: el más joven era sabio, el tercero era compasivo, el segundo era justo, y el mayor era fuerte, pero este confundió la fuerza con carácter.

Un día el rey falleció, y en su testamento dejó estipulado que los cuatro hijos gobernarían el reino, dividiéndoselo, para lo cual no pusieron objeción, salvo el mayor. El fuerte se sintió traicionado, él debía ser el rey por ser el progenitor, y desafió a sus hermanos llevándolos a la guerra. Fue un desastre, la ira, el ego, y la ambición de este hermano mayor era irremediable. Y una noche llegó a la cabaña de una bruja, quien le da a elegir entre los lazos familiares y una vida en paz, o la fuerza que pide para reinar. Efectúa entonces el hechizo y lo entrega en un cuerno que debe beber frente a sus hermanos deseando con su corazón lo que quiere. Y se cumplirá.

¿Y qué creen? Pide su deseo y se cumple. La historia continúa con ese desenlace...

La lección que la bruja nos quiere dar, y nos lo cuenta, es que debemos pensar muy bien en lo que deseamos, ver las posibilidades a favor y en contra de dichas acciones, no nublarnos por la ambición o el ego. Saber elegir con sabiduría, y, a veces, es bueno pensar más en el bien común más que en el personal.

Al finalizar vemos que la bruja no nos hablaba a nosotros, sino que a un personaje conocido.

Este corto combina la animación tradicional y la animación por computadora, donde las imágenes se ven bellas.

Cortometraje incluido en el DVD/Blu-Ray de "Valiente" (Brave).

Ficha técnica

Disponible en Disney.
The Legend of Mor'du
Director: Brian Larsen
Distribuido por Walt Disney Studios Home Entertainment
Basado en Personajes de Mark Andrews; Brenda Chapman
Escrito por Steve Purcell; Brian Larsen
2012. EEUU. 

07 minutos
Reparto:
La Bruja: Julie Walters /Ángela Villanueva
El Cuervo: Steve Purcell/ Héctor Lee Vargas
Pequeño Dingwall: Callum O'Neill/ Arturo Cataño

Las Gotas de Dios - Por Jackie O.

"El vino es la tierra, los humanos, y el cielo"

Sinopsis: Alexandre Léger, creador de la famosa Guía de vinos Léger y figura destacada de la enología, fallece a los 60 años. Y para reclamar su inmensa herencia, su hija viaja a Tokio y debe enfrentarse a un joven enólogo.

Camille Léger, una joven que decidió no mantener contacto con su padre, el cual se divorció de su madre hace muchos años, viviendo él en Tokio y ella con su madre en Francia. Hasta que un día le avisan que su padre murió y dejó una millonaria herencia consistente en una bodega llena de vinos, y un legado de su renombrado nombre en la industria. La noticia recorre el mundo por lo famoso que era Alexandre, pero Camille no está interesada ya que tiene malos recuerdos de su infancia con su padre, pero la convencen de ir y reclamar esa herencia. Más que mal, había sido notificada.

En Tokio toma contacto con el abogado que tiene a su cargo el testamento, y de un buen amigo de su padre que la ayuda en esta aventura, pero se lleva una sorpresa cuando un joven asiático también es convocado a la misma cita, Issei Tomine. Él era su mejor alumno de enología y también puede ser el heredero de esa fortuna. La sorpresa para todos, es que Alexandre deja instrucciones precisas: el heredero será el que pase tres pruebas que preparó antes de morir.

Pero eso no se queda solo en estas pruebas que tienen que ver con el olfato, gusto, visión, creación y... recuerdos. Nos muestra a los personajes en su naturaleza, se desprenden esas capas u hollejo de esa uva que tanta pasión trae en esta miniserie.
Camille, junto a Issei, recorren separados y a veces curiosamente juntos, esta historia, pues vamos conociendo su presente y pasado, quiénes son, y por qué están en esta situación. Ambos jóvenes, casi de la misma edad, honestos, aunque también con sus errores, van trazando su camino.

Este trabajo también se cuenta en momentos con analepsias, es decir, intercalan escenas del pasado al presente donde conocemos a los padres y amigos de estos jóvenes, y cómo ambas familias tienen un pasado que hace que en su presente tengan diversos conflictos de intereses

Buenas actuaciones. Muy buena puesta en escena, porque recorremos viñedos, vamos a restaurantes de lujo, vemos el proceso del vino, escuchamos el lenguaje correcto. Ideal para amantes del vino quienes nos deslumbran esos detalles elegantes de este elixir. Y para los no entendidos, resultará también muy atrayente conocer este mundo, además porque la historia en sí trae drama y toques de comedia, donde vemos a personajes despojados de sus caretas, y a otros abrazar las nuevas oportunidades con mucha esperanza.

Disponible en Apple TV.

Ficha técnica

Título original: Drops of God ( en francés : Les Gouttes de Dieu ; en japonés :神の雫 )
Creado por Quoc Dang Tran
Basado en "Gotas de Dios" por Tadashi Agi y Shu Okimoto. Manga japonés.
Dirigido por Oded Ruskin
Protagonizada por Tomohisa Yamashita y Flor Geffrier
País: Francia, EEUU y Japón
Idiomas originales: Francés, Inglés y japonés
Año 2023. 8 capítulos

El Correo - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Netflix.

Vértigo y corrupción se combinan en este trabajo del director Daniel Calparsoro. Marbella, en los años 90. En ese lugar seguimos a Iván -Arón Piper-, un joven ambicioso sin escrúpulos que se involucra cada vez más al interior de una red de narcotráfico y lavado de dinero.

Con buen ritmo y una historia con giros inesperados, la película es atractiva desde un comienzo. Calparsoro utiliza la voz en off del protagonista para contarnos sobre el ascenso y caída al interior de un mundo despiadado, donde casi no existe lealtad.

Más allá de la adrenalina que provoca la acción, con excesos de droga y de sexo por todas partes, la cinta logra evidenciar el mal extendido de la corrupción en una época que se muestra dinámica, tanto social como económicamente hablando. En ese sentido, la cinta no se queda con solo mostrar el lujo y las fiestas desenfrenadas, sino que también da cuenta de la violencia y las consecuencias nefastas de un estilo de vida que resulta inevitablemente ingobernable.

Convincentes son las actuaciones de Arón Piper y María Pedraza. Ambos transmiten ambición excesiva y desarrollan corectamente la complejidad moral de sus personajes. El resto del elenco, con figuras de lujo como Luis Tosar, José Manuel Poga y Luis Zahera en roles secundarios, aporta tanto solidez como credibilidad a la historia.

"El Correo" es una película entretenida que nos mantiene atentos durante un poco más de una hora y media. No se trata de una obra profunda, por supuesto que no, pero al menos retrata hechos reales y aporta miradas críticas al respecto. En síntesis, una cinta que permite pensar un poco más sobre valores importantes, como la honestidad y la ética, aunque al final nos quede una sensación pesimista, pues pone en evidencia las nefastas consecuencias de una ambición que se ubica fuera de todo límite imaginable.

Ficha técnica

Título original: El correo
Año: 2024
Duración: 97 minutos
País: España
Compañías: Coproducción España-Francia-Bélgica; Vaca Films, Panache Productions, La Compagnie Cinématographique, Playtime Production, Canal+, ICAA, Movistar Plus+, Netflix
Género: Thriller. Drama | Basado en hechos reales
Guion: Patxi Amezcua, Alejo Flah
Fotografía: Tommie Ferreras
Reparto: Arón Piper, María Pedraza, Luis Tosar, Laura Sépul, Nourdin Batán, José Manuel Poga y Luis Zahera.
Dirección: Daniel Calparsoro

Copiando para Beethoven - Por Juan Pablo Donoso

Relato biográfico ficticio del periodo en que Beethoven compuso, y estrenó, su 9ª Sinfonía.

La anciana directora polaca Agnieszka Holland (Europa, Europa - 1990 - /Olivier, Olivier - 1992), sabe narrar biografías contrastando la fragilidad de sus héroes con los eventos históricos de sus épocas.

Aquí trata de la tempestuosa relación entre una joven compositora de 23 años - Anna Holz (Diane Kruger) - quien, por admiración, ofició gratis como copista para el Genio de Bonn.

Retrata con crudeza los últimos tiempos del músico, su falta de aseo personal, los rasgos bipolares, y la pocilga pestilente en que tenía transformado su departamento.

Hay mezcla de eventos y personajes verdaderos con otros inventados para lograr mayor impacto emotivo. Además, se denuncia la misoginia de aquella sociedad frente a las mujeres compositoras.

Entre los eventos reales disfrutamos del episodio en que Beethoven - completamente sordo - dirigió a la orquesta y coros en el estreno de su sinfonía, mientras alguien, escondido tras el podio, le indicaba el ritmo, las entradas y matices del discurso musical.

Más que fidelidad por los detalles, Holland nos inserta en el ambiente vienés de 1824, realza el protagonismo de Anna Holz, y nos acerca al corazón de sus personajes. Así también nos revela el doloroso paralelismo afectivo de Ludwig con su díscolo sobrino Karl Van Beethoven (Joe Anderson).

Aunque la presencia de Beethoven es arrolladora - y admirablemente encarnada por un irreconocible Ed Harris - la verdadera protagonista es la actriz alemana Diane Kruger (Troya) cuyo personaje debe sobrevivir a los embates de amor/odio que le ocasiona su insoportable ídolo musical.

En su corazón - y en los nuestros - se debaten los huracanes de admiración e intolerancia. Se le atribuye parte del triunfo a la joven e inexperta “secretaria”. Un guiño sutil al feminismo decimonónico.

Bellos trozos incidentales con temas de Beethoven condonan las inexactitudes históricas. .

Filmada en las antiguas calles de Budapest, Hungría.

La Orquesta de la Academia de Música Antigua y los solistas contribuyeron a la espléndida banda sonora.

Visible en Youtube.

AUNQUE NOVELADA, TIENE MÚSICA SUBLIME, ES INGENIOSA, BIEN DOCUMENTADA, E IRRADIA DRAMATISMO PASIONAL. FIEL AL ESPÍRITU DE BEETHOVEN.

Ficha técnica

Copying Beethoven

2006 Biografía, ficción, música EE.UU. - 1,44 hrs. 

Fotografía: Ashley Rowe 

Edición: Alex Mackie 

Diseño Prod.: Caroline Amies 

Guion: Stephen J. Rivele, Christopher Wilkinson 

Actores: Ed Harris, Diana Kruger, Matthew Goode 

Dirección: Agnieszka Holland 

Guasón 2: Folie à Deux - Por Jackie O.

“Entre la fantasía y realidad”

En el año 2019, llegó esta nueva versión de Guasón causando una real transformación del personaje que a todos nos cautivó. ¿Por lo que una secuela era necesaria? Si y No. No, porque era un riesgo. Si, para saber que pasaría con él dentro del psiquiátrico.

“Folie à deux”, es un término psiquiátrico, también conocido como “trastorno de delirante o trastorno psicótico compartido”, se dice que es un trastorno poco frecuente, que se caracteriza por la presencia de síntomas psicóticos, habitualmente ideas delirantes, en dos o más personas.

¿Qué nos presenta esta nueva película? Los hechos ocurren posterior a Joker 1, Arthur ya está confinado en el Hospital Estatal de Arkham, esperando su condena, por lo que nos encontramos en una cinta que se enfoca en el juicio de Arthur, su perturbada mente que la hace divagar, y en el amor a primera vista con Lee Quinzel, quien está recluida de forma voluntaria en el lugar.

Lady Gaga como Lee (Harley Quinn) inicialmente genera intriga, pero lamentablemente su dinámica no logra encenderse por completo, lo que hace que su relación sea poco aprovechada. Se basa prácticamente en su participación para los números musicales que vamos viendo, pero lo que pudo haber sido algo interesante, resulta discordante e interrumpe el flujo correcto de la narrativa, creando una situación desigual y tonalmente inconsistente, es decir, el personaje poco aprovechado, carece de desarrollo y un espectáculo tibio, ya que no se arriesga el director para que sea realmente una película de género musical, que tal vez habría funcionado. Pero Lady Gaga no es solo una excelente cantante, es una buena actriz; ¿por qué no se le sacó provecho a una sola de esas facetas?, o si quisieron las dos facetas, ¿por qué no lo hicieron con ganas, ya que finalmente la termina encasillando como cantante que es, y a medias, no apreciándo en esta ocasión sus dotes actorales? Porque su relación con el Joker tampoco se dio del todo bien. Esperaba (en mi cabecita loca) que el Joker convenciera a Lee de ser una criminal, y resultó que finalmente ella es quien lleva al Joker por mal camino. ¿Y qué pasó? No abarcaron más el trasfondo de esa manipulación o la represión policial existente, solo enfocaron esta relación en canciones y bailes entre medio que más bien molestaban, y eran canciones bellísimamente conocidas, las cuales no tenían nada que ver con el contexto en que eran insertadas.

Escenográficamente la película es impresionante, mantiene un tono sombrío, tenue, y en ocasiones eufóricamente colorido, ya que describe la historia de un enfermo mental desde su percepción de la realidad y esto hace que pierda un poco el hilo conductor de la trama entre realidad e imaginación musical, por lo que creo, y es algo en que me estoy obligando a creer, que el director lo ha hecho intencionalmente para darle un toque realista y desconcertante. Eso la hace una película muy arriesgada en diferentes aspectos, como la simplicidad de los diálogos, que incluso los siento sin una línea argumental clara. Creo que se ve como un experimento con aciertos y desaciertos (o estoy buscándole la justificación muy justificada a lo que vi)

Eso hace un guion confuso, los personajes no se desarrollan potencialmente. Lee no tiene profundidad, lo único que hace es cantar. ¿Quién es ella? ¿Por qué entra y sale del psiquiátrico sin problemas? ¿Quién es su padre?

La actuación de Joaquin Phoenix es fantástica, ya lo conocíamos, pues en la primera cinta desarrolló tan espectacularmente su personaje que estamos con él, con su tristeza que golpea, con su soledad que es abrumadora, es un real compromiso con el personaje.

Los secundarios son muy buenas las interpretaciones de la mayoría, pero se perdieron otros como, Harvey Dent, y la misma ciudad, ¡es Gotham! Es otro personaje y no se aprovechó.

En general, "Joker: Folie à Deux" es una secuela un poco decepcionante que no está a la altura de las expectativas creadas por su predecesora. Insisto en señalar que no es una mala película, no es deficiente si se mira por encima, ya que tiene una escenografía, vestuario, maquillaje, peinado, y banda sonora, muy buenas, excelente fotografía que hace de unos planos geniales, que provocan. Pero veníamos de una súper producción que estaba en el Olimpo de las alturas, y caímos de forma muy brusca, donde las decisiones narrativas y creativas perjudicaron la experiencia general.

Solo me quedo desconcertada y con preguntas varias, como ¿nunca fue el Joker, y fue producto de su caótica imaginación? ¿Fue manipulado? ¿Quién es el real Guasón?

¿Esto fue una broma del bromista director?

¿La vería de nuevo? Sí, es el Joker, es Joaquín, es Lady Gaga.

Cinta que no tiene escenas post crédito, y recomiendo ver antes el Joker 1.

Ficha técnica

Dirección: Todd Phillips
Guion : Todd Phillips y Scott Silver
Basada en The Joker de Jerry Robinson, Bill Finger y Bob Kane
Música: Hildur Guðnadóttir
Fotografía Lawrence Sher
EEUU. 2024
Género: Suspense, Drama.
Duración 138 minutos

Guasón 2: Folie à Deux - Por Carlos Correa Acuña

El primer “Joker” del director Todd Phillips, estrenada en octubre de 2019, me impactó. A los pocos días vino el llamado “estallido social” en Chile, momento en el que parecía que muchas secuencias de la película se hacían realidad. Muy significativa fue esa coincidencia. El azar juntó dos hechos tan distintos pero con tantas similitudes que era difícil sustraerse a la pregunta de fondo que formulé en mi escrito en esa oportunidad: “la violencia, el fanatismo y el caos, ¿sucede solo como respuesta? ¿Es lícito responder así, con una escalada que crece y crece, y que a poco andar ya está fuera de control? ¿El fin justifica los medios? ¿Abordar una temática así, crudamente, incita a más violencia? La reflexión sigue abierta, pero luego de cinco años, indudablemente tenemos otra perspectiva.

No podía dejar de iniciar este comentario con la introducción anterior, porque al saber que venía en camino una secuela de aquella película mi pregunta era solo una: ¿qué enfoque tendrá esta vez, si parece que ya se hubiese dicho y hecho todo en la primera? Trataré de responder esta interrogante en las siguientes líneas. Veamos si lo consigo.

La trama indica que luego de los caóticos acontecimientos, Arthur Fleck -Joaquin Phoenix -, ha sido internado en Arkham a la espera de su juicio. La espera es larga, pero toca la coincidencia que conoce por casualidad a una interna llamada Harleen Quinzel -Lady Gaga-, con quien establece una conexión inmediata. El interés es mutuo, y entre ellos se da una química instantánea. Arthur ve en Lee, su complemento; Lee siente curiosidad por Arthur, y ve en él un alma gemela, desde varios puntos de vista. Lo que vendrá a continuación es el desarrollo de todos estos elementos, el juicio y posterior desenlace de la historia.

“Joker: Folie à Deux”, (“locura de dos” en francés, y que hace referencia a un trastorno psicótico compartido, también conocido como “psicosis compartida” o “trastorno delirante compartido”) es un verdadero duelo. Digo duelo como desafío, pero también lo entiendo como una pérdida. Me explico. En primera instancia está el desafío de dos personalidades especiales que, siendo tan diferentes, parecen complementarse y potenciarse de forma exponencial. De Arthur ya conocemos su historia, aquello que lo ha dañado y el por qué de muchas de sus acciones. A Harley Quinn recién la estamos conociendo, pero es como si siempre hubiese estado allí, cercana, enfocada, precisa, y dueña de sí misma. Estos dos personajes parecen batirse a duelo, sin confrontación, por ir más allá, por explorar fuera de sus fronteras y extender los límites hasta las últimas consecuencias. ¿Y las pérdidas? Primero, corresponden a las transformaciones, aquello que se deja atrás para dar paso a otras formas; y segundo, todo eso que irremediablemente se torna ausente y desaparece con el paso del tiempo.

La mano de Todd Phillips se nota en todo momento. La unidad existente con la primera entrega es notable, y no hay nada dejado al azar. La filmación es realmente estupenda -inigualable verla en la nueva sala Imax-, por lo que cinematográficamente tiene una enorme altura. Aunque sea insistente, es una experiencia que hace única la ida al Cine. La música de Hildur Guðnadóttir, partitura de excelencia, también va en línea con la cinta anterior, esta vez rescatando los motivos, especialmente esa inquietante tercera menor que pasa a ser casi un leitmotiv, la que combinada con canciones, constituye una banda sonora que no solo llama la atención sino que resulta totalmente imprescindible.

Tal vez el mayor desafío y lo mejor del filme lo constituyan las actuaciones. Joaquin Phoenix ganó el Óscar la vez anterior, por lo que evolucionar con el personaje no resulta nada fácil. Y vaya que lo logra, no mucho en lo externo sino justamente en el aspecto contrario, en la intimidad de Arthur y en dejar entrever su personalidad, sus sentimientos, sus frustraciones y sus rabias. Ayuda mucho el director de fotografía, Lawrence Sher, al encajar unos primerísimos planos impresionantes que se transforman en pequeños agujeros por los que se cuela el alma del protagonista. Lady Gaga, por su parte, de quien ya conocemos ampliamente sus dotes histriónicas, es la pareja ideal para un personaje complejo, no solo por resultar una pareja natural, sino que también por aportar otros grados de dificultad al desarrollo, sin dejar de ser ella, independiente, misteriosa, con una gran cuota de liderazgo y determinación.

Esta cinta no es formalmente un musical, sin embargo hay mucha música presente. Joaquin Phoenix y Lady Gaga cantan bastante, en varios “números”, y con gran sincronía. Y acá un punto. Ella hace lo que quiere con su voz, ¡qué manejo tiene, impresionante!, sobre todo para no opacar a quien no es cantante y se defiende dignamente gracias a su gran carisma, y a colores vocales especiales, propios de su personaje. Gran dupla, contenida y expresiva; íntima y, al mismo tiempo, extrovertida.

Disfruté de principio a fin con esta secuela largamente esperada. Es cierto que la historia no tiene un gran vuelo, que hay poca acción, que puede haber confusiones de ambientes, y tal vez algunos baches en el camino. Los perdono, y eso que soy muy duro con esto en muchas oportunidades. Por qué, dirán ustedes. Porque me centro en lo indescifrable de las capas internas de los personajes, en esa tensión sumergida, en lo subterráneo, en lo que no se ve pero se puede percibir y sentir. Eso es para mí la experiencia de entrar de lleno en una película íntima, triste, desgarradora y demoledora, una obra que no concluye con lo que muestra en la pantalla, sino que se sigue desarrollando mientras la recuerdo, mientras la analizo, y mientras la descompongo para escribir este comentario. Y sobre todo cuando provoca sensaciones, cuando influye en nuestros estados de ánimo, y cuando vemos que un mismo trabajo llega de maneras tan distintas a cada persona, dependiendo de su historia, del momento en que estamos, o producto de un sinfín de otras razones.

Estamos en presencia de arte con letras grandes, controversial, disruptivo y provocador. Y es para discutirlo, para debatir, para expresar lo que nos genera y formarnos opinión. Todd Phillips lo impulsa y Joker: Folie à Deux”, lo expone a toda pantalla. Ahora nos toca a nosotros completar el trabajo sin dejar pasar esta película. Imperdible.

Ficha técnica

Título original: Joker: Folie à Deux
Año: 2024
Duración: 138 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Warner Bros., Joint Effort, DC Studios, Bron Studios, Sikelia Productions, Village Roadshow, Bron Creative. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Thriller. Drama. Musical | Secuela. Crimen. Cómic. DC Comics
Guion: Scott Silver, Todd Phillips. Personajes: DC Comics
Música: Hildur Guðnadóttir
Fotografía: Lawrence Sher
Reparto: Joaquin Phoenix, Lady Gaga, Brendan Gleeson, Catherine Keener, Zazie Beetz
Dirección: Todd Phillips

Francesco - Por Jackie O.

“Te deseo paz y bienestar para ti y los tuyos"

Sinopsis: En 1226, después de la muerte de San Francisco de Asís, sus amigos más cercanos, entre ellos Santa Clara, hablan de la vida del Santo. Francisco nace en el seno de una familia de ricos comerciantes y vive rodeado de comodidades. Pero un día se encuentra cara a cara con el sufrimiento humano, y su existencia cambia radicalmente: la existencia de Dios se le hizo patente a través de los pobres, y desde entonces decidió vivir como Jesucristo, renunciando a todas sus riquezas y viviendo en comunión con la naturaleza.

Segunda película hasta ese momento de esta directora sobre el Santo de los pobres, animales y naturaleza.

Una película que nos habla de un joven italiano, personificado por un estadounidense que se ve muy estadounidense y además guapo.

Estamos en el momento en que Francisco muere y sus amigos se reúnen con el fin de escribir los detalles de la vida que tuvieron con él. Así vamos conociendo, en parte, esas dudas y frustraciones que mantenía, cómo de llevar una vida ostentosa y de lujuria, lo dejó todo para compartir con los más necesitados.

No sé las razones de la directora para haber elegido a dos personas no italianas para personificar los roles principales, (o tal vez fue para catapultar su carrera). Me refiero a la inglesa Helena Bohanm Carter, a quien el rol le queda muy bien, ya que el maquillaje y su aspecto europeo ayudaron a acercanos a Santa Clara. Y aunque en otras adaptaciones cinematográficas, Francisco de Asís no ha sido precisamente interpretado por un italiano, sí tenían rasgos que nos acercaban a él y lo hacían creíble, en cambio Mickey Rourke, es un “niño lindo” (era), y aunque se esfuerza en parecer humilde y feo bajo la suciedad, no le queda, aunque se nota su trabajo profesional para ser tomado en serio en este rol de Santo; hace una correcta interpretación. Pero no puedo no dejar de mencionar que mantiene escenas de desnudos que sus fans amarán y menos se le tomará en serio como Santo.

Las actuaciones del resto son buenas, vestuario y maquillaje acorde a la época. La fotografía aporta mucho a la historia que nos cuenta, dando un ambiente más intimista y real, con una emotiva y escasa banda sonora.

En cuanto al guion, no queda claro las motivaciones reales de su actuar, ya que en ocasiones más parecía un hombre con sus facultades mentales perturbadas que un coherente hombre que vive un camino de cambio espiritual.

Para quienes no conocen la historia de este Santo, no les recomiendo esta película como para inmiscuirse en su vida, pues la edición es terriblemente deficiente, con saltos temporales inentendibles y, habiendo centenares de películas con saltos temporales que sí mantienen una continuidad lógica, esta no la tiene. Por lo que para principiantes que quieran ver una historia de Francisco de Asís, y no desmerecer el trabajo de esta gran directora, años después hizo otra película de Francisco, la cual es mucho mejor y más cautivadora.

Vidas de Santos son interesantes de ver, donde conocemos a personas que, de alguna forma, cambiaron su vida para otros, que internamente creían en algo más grande, y sin un interés oculto que casi todo ser humano tiene cuando predica las buenas intenciones.

Historias que nos invitan a ser mejores personas.

Disponible en primeVideo.

Ficha técnica

Dirección: Liliana Cavani
Guion Liliana Cavani y Roberta Mazoni
Música Vangelis
Fotografía Roger Deakins
Montaje Gabriella Cristiani
Vestuario Danilo Donati
Protagonistas Mickey Rourke, Helena Bonham Carter, Nikolaus Dutsch , Peter Berling, Fabio Bussotti
País: Italia y Alemania
Año: 1989

Idiomas: Italiano e Inglés
Género: Drama, religión.

Curiosidades en cuanto a la duración:
104 min (Alemania)
150 min (Italia)
133 min (Argentina)

Lecciones de Química - Por Jackie O.

“Pasión por tus ideales”

En la década del 60´ una mujer profesional tiene un exitoso programa de televisión sobre cocina, ¿pero qué hace una experta, con vastos estudios en Química, en un programa de TV?

Para lo cual retrocedemos aproximadamente unos diez años, para conocerla a ella y su entorno, un entorno machista de la década del 50´, donde la mujer debía estar en casa al cuidado de los hijos, quehaceres hogareños y esperar a su marido con un coctel. Pero la señorita Zott no es esa típica mujer, ella es titulada de la Universidad como “Químico”, pero por ser mujer, solo por nacer con los cromosomas XX, debe optar, y dar gracias, por ser “técnico químico” y ayudante de los hombres que tienen el mismo título que ella, aunque algunos saben menos. Además, por ser mujer no puede optar a el grado de doctora, siendo que la Srta. Zott es la más inteligente del grupo de químicos, y esa frustración se le nota.

Hasta que un día, por accidente, conoce a otro destacado químico del lugar, el cual también es odiado por sus pares por su condición de apartarse de todos por diversos TOCS que mantiene, y además es la envidia por haber recibido una estimulante suma de dinero, que aportó para seguir con estudios en la Universidad donde se encuentran, por un trabajo realizado.

Así, ambas cabezas, las más deslumbrantes, se unen para realizar un estudio que a los dos casualmente los mantienen ocupados.

Por supuesto, y como es de suponer, nace el amor en estos dos personajes tan diferentes y parecidos a la vez. Pero un hecho lamentable los hará separarse.

Con los años, ella lucha con diversos prejuicios hasta ser despedida de su trabajo, pero por esas casualidades de la vida, llega a un programa de cocina, donde su estilo muy particular para presentar platos deliciosos, ya que es una excelente y muy cuidadosa cocinera, es de muy alta audiencia, demostrando que la química está en todos lados.

Estamos ante una miniserie muy adictiva, que al ver el primer capítulo no pararas hasta el último porque su trama es interesante, las actuaciones son muy buenas, y las historias que se van develando, a medida que avanza, son atrayentes. El guion es directo, no se da vueltas en situaciones que vayan desviando la atención, al contrario, las subtramas que se desarrollan están muy bien editadas, y sirven mucho para saltos temporales que vamos teniendo de vez en cuando; los tecnicismos y la realización de experimentos no la hacen nada tediosa para quienes no estamos inmersos en ese mundo y, es más, hay un capítulo medio Cifi que es muy bien incorporado con el perro llamado 6:30.

Las actuaciones, como señalé, de todos son realmente buenas, y la química de nuestros protagonistas se siente desde el primer momento.

La situación de la época, esto es, la marginalización de los afrodescendientes no es más que la de la mujer, sea esta de las clases sociales que sea, o su color de piel. La mujer se relega a labores de hogar o secretaria, pero una coqueta secretaria. Y en la trama vamos viendo esa discriminación por sexo, la lucha social de la época. Pero también resultan muy interesante las dinámicas que se van creando en torno a la fe y la ciencia.

También vemos cómo se desarrollan las diversas familias, y los lazos de amistad que se crean son temas tratados de forma muy atractiva.

Sobre vestuario, maquillaje y peinados, son bellos, muy acordes a la época, acompañados de una muy buena banda sonora.

Una historia muy bien hecha, que mezcla la química con la vida, y la cocina, donde los prejuicios, egos, mentiras y unión la hacen muy humana.

Porque en cada puerta que la ciencia abre, el ser humano puede encontrar a Dios.

Mantuvo diversas nominaciones, y premios como el Emmy a Artes creativas con la música.

Disponible en AppleTV.

Ficha técnica

Título original: Lessons in Chemistry.
Género Drama histórico
Basado en Lecciones de química de Bonnie Garmus
Desarrollado por Lee Eisenberg
Dirigido por Sarah Adina Smith, Bert & Bertie, Millicent Shelton y Tara Miele
Protagonista: Brie Larson, Lewis Pullman, Aja Naomi King, Stephanie Koenig, Patrick Walker
Música: Carlos Rafael Rivera
8 episodios. Año 2023

Crónica Sangrienta - Por Carlos Correa Acuña

“Me gustaría que la presentadora Jeong Se-ra fuera quien anunciara mi muerte.” Eso le dice alguien, por teléfono, a Se-ra -Chun Woo-hee-, a cinco minutos que empiece una transmisión en vivo. La persona en la línea dice que la van a asesinar, pero Se-ra cree que solo se trata de una broma. La llamada la deja inquieta, sin embargo su madre, So-young -Lee Hye-young-, ve esto como una oportunidad de oro para que Se-ra se convierta en una reconocida figura.

Con decisión, Se-ra concurre a la casa de la informante y lo que encuentra allí la deja helada: los cuerpos de Mi-so y su hija. A partir de ese día, la imagen de Mi-so muerta la empieza a perseguir. Asimismo, en la escena del crimen, se encuentra con In-ho -Shin Ha-kyun-, quien es el psiquiatra de la víctima, por lo que no puede evitar sospechar cada vez más de él.

Premisa interesante la de esta película fechada el año 2022, escrita y dirigida por Jeong Ji-yeon. El sensacionalista título en español no la representa para nada y la saca de contexto, porque incluso podría traer consigo prejuicios negativos que impidan acceder a su contenido. Pero bueno, dejemos eso al marketing. Volviendo al trabajo fílmico, lo que primero destaca es el uso de las cámaras. Desde la secuencia inicial, observamos seguimientos lentos, tomas tanto estáticas como en movimiento, acercamientos paulatinos, y una edición comprimida que, junto con la banda sonora, logran crear sólidos ambientes de tensión. El suspenso se alarga. Con unos pocos elementos y varias incógnitas, el relato se va sumergiendo en climas atmosféricos que hacen desear más explicaciones.

Por supuesto, y porque es parte del género, hay sucesos que no se entienden, y que están entre lo paranormal y lo sicológico. No logramos saber si lo que vemos es real o producto de la imaginación de la protagonista. No sabemos pero vemos las consecuencias. Lentamente la película va tejiendo capas, separando líneas, y uniendo puntos para que podamos, poco a poco, armar el puzzle completo.

Bajo un envoltorio más bien grueso, la cinta intenta explorar de forma íntima las relaciones de la protagonista. La vemos con su mamá, la vemos en el trabajo, la vemos en la vinculación con sus pares. Las conexiones son complejas y su devenir, al menos extraño. También la vemos dudando del psiquiatra, y allí se introduce en otro ámbito que tiene que ver con la búsqueda de la propia identidad, la psiquis, el pasado, los roles y lo que significa una personalidad dañada.

La terapia parece ser una de las claves porque hay investigación detrás. No obstante, sumamos también un buen número de obsesiones y relaciones tóxicas que inundan el día a día de la joven presentadora de noticias. Es intricada la trama cuando se interna por ese camino, y se enreda más con laberintos mentales y gallitos presentes por todas partes. Surgen temas como, por ejemplo, el sacrificio personal por el cuidado de los hijos versus el desarrollo profesional. ¿Cuál es, entonces, la opción? Y esto es algo recurrente, constante, persistente.

“Aengkeo”, su título original y que se refiere a un presentador “ancla” de noticias, desarrolla bien este thriller gracias a la creación de escenarios convincentes y a las asociaciones que logra urdir en torno a ellos. Sus diferentes planos funcionan como mundos paralelos, algo así como diferentes niveles de comprensión y de acceso utilizados como recursos para poder construir el relato, y que nos permiten comprender mejor su forma. Lamentablemente el final se hace largo, tal vez se extiende mucho. Es cierto que resuelve lo que se plantea con anterioridad, pero se demora demasiado y parece pretender más de lo que finalmente llega a ser. Solo tengo ese reparo para una cinta que cumple bien con su objetivo y que deja resonando insistentemente una frase: “si no fuera por ti...”

Ficha técnica

Título original: Aengkeo
Año: 2022
Duración: 111 minutos
País: Corea del Sur
Compañías: About Film, DCG Plus. Distribuidora: Acemaker Movieworks, Insight Film
Género: Thriller. Intriga
Guion: Jeong Ji-yeon
Música: Jang Yeong-gyu
Fotografía: Kang Min-woo
Reparto: Chun Woo-hee, Shin Ha-kyun, Lee Hye-young,
Dirección: Jeong Ji-yeon

Terriefer, el origen - Por Jackie O.

"Comienza la pesadilla"

Damien Leone, especialista en maquillaje, se arriesgó el 2008 con su primer trabajo como director en un cortometraje con su personaje estrella, esa creación que hoy es el payaso más aterrador del momento: Art. El trabajo llevó como título "The 9th Circle". Desde ahí, ayudado de su arte en maquillaje y saber que le había dado en el clavo junto a su amigo Mike Giannelli, comenzaron las aventuras de este aterrador personaje que no habla, que no emite ruido alguno, que su falta de empatía y siniestra sonrisa realiza desmembramiento a todo a su paso.

Esta cinta toma de referencia ese cortometraje, en el sentido que una niñera cuida a dos preadolescentes la noche de Halloween, y dentro de la bolsa de dulces del muchacho encuentran un VHS, el cual los tres ven. Ahí muestran a este payaso en una estación de tren, que prácticamente es el corto debutante del director. La niñera, al ver esta historia sangrienta, manda a los jóvenes a dormir, pero ella se queda mirando el video completo donde hay dos historias más, todas con referencias a este payaso que mata a personas.
De las tres historias podríamos decir que la segunda, donde introduce a un extraterrestre, es la más débil, incluso no tiene sentido. Pero el final de la cinta toca la fibra aterradora.

Esta película es la típica slacher donde el factor principal es sangre a borbotones, un terror que sabe mantener el género pues el personaje es aterrador y grotesco. Las historias en que está dividida solo la primera y tercera vale el género, en todas el guión es básico, las actuaciones en su mayoría no son buenas. Pero acertó con el formato, pues pareciera una película de la década del 80', donde los efectos visuales y prácticos eran notorios y las actuaciones sobreactuadas le dan ese toque nostálgico.

En cuanto a temas valóricos, es difícil encontrarlos en este tipo de cintas donde lo que predomina es matar sin que haya incluso un motivo fundamental. En algunas nos muestra que debemos mantenernos en alerta de no salir solos en lugares apartados, o que no existan personas a quien efectuarles consultas de algo. Debemos entregarle siempre a alguien nuestro paradero, y ante cualquier amenaza recurrir a un tercero alertando.

El director se inspiró para este personaje en comediantes clásicos como Charlie Chaplin, y villanos de terror famosos como Freddy Krueger de Robert Englund, y Pennywise de Tim Curry, pero que su principal inspiración provino de las diversas representaciones del icónico supervillano Joker. Pero su toque principal y personal era un sujeto que no tuviera color ni habla.

Esta cinta se puede encontrar con el nombre de La víspera de Halloween o Payaso Siniestro, pero actualmente es TERRIFIER, el nombre con el que ha repuntado.

ART, pasó a la lista de personajes aterradores en la historia del cine.

Ficha técnica

Disponible en Prime Video
Título original: All Hallows' Eve
Dirección y guion: Damien Leone
Música: Noir Deco
Fotografía: Christopher Cafaro, C.J. Eadicicco, George Steuber,
Marvin Suarez
Protagonistas: Katie Maguire, Mike Giannelli, Catherine A. Callahan
2013. Terror.
EEUU. 83 minutos