Agosto - Por Juan Pablo Donoso

Los méritos principales de este filme – recreado de la premiada obra teatral homónima – son la calidad de las actuaciones y la atmósfera en que nos sumerge. 

Pareciera que fue escrita y escenificada sólo para lucir estos propósitos.

En una casa de campo en Oklahoma, de buen pasar económico, habita un matrimonio maduro. La esposa, enferma de cáncer, vive drogada y borracha; su marido, un profesor erudito, mira el futuro sin esperanza.

Durante un fin de semana el esposo desaparece del hogar. Cuando se da la voz de alarma a la policía, se descubre que falleció ahogado en una laguna cercana.

Esto hace que los miembros de la familia deban venir de lejos a reunirse en la casona para asistir al funeral.

Y aquí se desata el tema del filme: la identidad de cada uno de los familiares, sus tormentos, sus debilidades, y las turbias relaciones de afinidad y odio entre ellos.

La madre – Meryl Streep – será el centro de referencia de los demás miembros de la familia.

A medida que nos enteramos de quiénes son los personajes, y cuáles son sus angustias, el relato se torna una madeja que genera una atmósfera densa e, indudablemente, depresiva.

Nadie se salva de la tristeza, de la miseria espiritual ni del dolor.

Con un eximio tratamiento de cámara, de iluminación,  de música incidental, y de virtuosismo interpretativo de los actores, nos hacen convivir con estos personajes sospechando que nadie – a fin de cuentas – resolverá ninguno de sus problemas.

Por unos instantes nos ilusionan con una posible salida amorosa, pero también sucumbirá cuando la verdad emerja del viejo baúl de los secretos familiares.

Más que un desarrollo narrativo, hay sólo una “convivencia” que se hace más amarga a medida que avanza la trama.

Es difícil deducir qué quiso comunicarnos el autor Tracy Letts con esta negra fábula.

Hasta el remache final – expresado por la madre – cumple con hundirnos más al fondo en la miseria acumulada.

Sin duda es un excelente pretexto para lucir virtuosismo actoral, diálogos depurados, y envolverlo todo en una atmósfera de lucida teatralidad. Sería sea esa la justificación de su éxito teatral y, tal vez, de algún premio cinematográfico.

AMARGA  CONVIVENCIA CON  UNA  FAMILIA  DESDICHADA, CORRUPTA Y SIN ESPERANZA. GRAN VIRTUOSISMO FORMAL.

Ficha técnica

Titulo Original: August: Osage County

Distribuidor: BFD

Calificación: 14 años

Duración: 121 minutos

Género: Comedia y Drama

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Meryl Streep, Dermot Mulroney, Julia Roberts, Ewan McGregor, Benedict Cumberbatch y Abigail Breslin

Director: John Wells

Divergente - Por Carlos Correa

Basada en la novela del mismo nombre escrita por Veronica Roth -nacida en Chicago, Illinois, en Agosto de 1988-, “Divergente” narra la historia de Beatrice Prior -Shailene Woodley- una joven adolescente de 16 años que se ve enfrentada a su primera elección de vida. Su ciudad natal, Chicago, fue devastada por la guerra y hace 100 años, los fundadores buscando un sistema que creara paz eterna, dividió la sociedad en seis facciones: verdad, los sinceros; abnegación, los altruistas; osadía, los valientes; cordialidad, los pacíficos; erudición, los inteligentes; y finalmente los sin facción, quienes son los no clasificables, viven en la pobreza y la periferia. Los jóvenes, a los 16 años y en una gran ceremonia deben elegir a que facción pertenecerán para el resto de su vida y es allí donde Beatrice toma una decisión arriesgada pues deja la facción de sus padre (abnegación) para integrarse a la que ella más admira: osadía. Pero el camino no es sencillo y es allí donde comienza la historia. Beatrice -que ahora se llama Tris- debe enfrentar duras pruebas de entrenamiento en su nueva facción, que es en rigor la búsqueda de verdadera su identidad. La prueba que todos hacen antes de la elección, en su caso no fue concluyente para determinar claramente a qué facción incorporarse. Es más, en dicho examen, Beatrice tenía presentes elementos de más de dos facciones, lo que es una complicación para la pseudo perfección del sistema. Ellos son los llamados “divergentes” y representan una amenaza y un peligro para la sociedad.

La película resulta interesante desde varios puntos de vista. Uno de ellos es su argumento. Es cierto, en algo se asemeja a “Los juegos del hambre” como relato adolescente, aunque se separa al plantear como eje de fondo la búsqueda de la propia identidad y la difícil adaptación al entorno escogido. En la misma línea, la novela original fue publicada el año 2011 cuando su autora tenía solo 22 años, por tanto su lenguaje es actual y totalmente juvenil. Otro aspecto interesante es la dirección de Neil Burger, quien sin necesidad de usar elementos demasiado sofisticados logra imprimir unidad y carácter a la historia, mostrándonos una sociedad amurallada, fraccionada, con luchas de poder internas, clases muy diferenciadas, todo ello con escenarios estéticamente modernos, claros y sencillos. Este lenguaje juvenil permanece durante todo el metraje. La emoción, el vértigo y el riesgo se hacen presentes de diferente forma y en múltiples acciones. De igual manera la comodidad de los adultos con el sistema, junto con la osadía y los conflictos adolescentes nos conducen por laberintos de clásicos comportamientos, estereotipos y por cierto la dosis de rebeldía que la historia requiere. El guión, donde también participa la autora, tiene un ritmo constante que no decae a pesar de los 139 minutos de duración y entrega una buena dosis de adrenalina. El personaje masculino, Four -Theo James- es un buen contrapunto para la protagonista, pues no solo es su instructor inicial en su nueva facción, sino que además va conquistando el corazón de Tris -y por cierto abriendo el propio- entregando a la pareja protagonista la necesaria cuota de enamoramiento.

“Divergente” tiene tal vez varios lugares comunes conocidos, sin embargo si leemos un poco más allá, una capa más adentro, estos lugares ya vistos permiten introducirnos en lógicas diferentes al momento de intentar profundizar. Sin duda no pretende ser una enseñanza ni un deber ser. Todo lo contrario, justamente representa con fuerza todo aquello que está contra el sistema, contra el orden establecido -cualquiera sea este orden- proponiendo una activa movilización. Y aquí sin duda se vuelve a juntar con “Los juegos del hambre”. Visualizamos esa rebelión al poder, a la clasificación arbitraria y a cualquier medida que sea autoritaria y no representativa de la voluntad mayoritaria. Esta lógica diferente, donde quienes tienen temor son los que establecieron las reglas y están a cargo de controlarlas, es a mi modo de ver el corazón del relato y aquello que debiera llamar más la atención. No es un fondo en si mismo, sino un medio para reflexionar sobre la aceptación pasiva de lo ya establecido o la construcción inclusiva y participativa de una nueva realidad.

Ficha técnica

Titulo Original: Divergent

Distribuidor: BFD

Calificación: TE+7

Duración: 139 minutos

Género: Ciencia Ficción - Drama - Suspenso.

Año: 2014

País: Estados Unidos

Elenco: Shailene Woodley, Theo James, Maggie Q, Jai Courtney, Aaron Eckhart, Kate Winslet, Ashley Judd.

Director: Neil Burger

Río 2 - Por Carlos Correa

Esta segunda parte de la exitosa película animada "Río" no logra estar a su altura. La vara estaba alta y el poco tiempo transcurrido lamentablemente juega en contra. No obstante este breve lapso, Blu y Perla ya tienen tres inquietos hijos y llevan una vida de hogar apacible en la exuberante y cautivante ciudad de Río de Janeiro. Estas aves especiales, únicas de su especie en peligro de extinción, se han acostumbrado a la ciudad y a sus comodidades, sin embargo un descubrimiento en la selva amazónica los pone en alerta: podrían no ser los exclusivos sobrevivientes y Perla quiere descubrirlo junto a toda su familia. Esta decisión, resistida por Blu, los lleva a internarse en el Amazonas y vivir en carne propia una aventura llena de magia, reencuentros y peligros que deben sortear, como familia, de la mejor manera posible.

Sin el fondo argumental ni la novedad de la primera versión, "Río 2" transita lentamente poniendo énfasis en otros recursos. Por ejemplo, las coreografías están magníficas, hay escenas muy jocosas y por momentos el género infantil da paso a una especie de musical muy colorido, con solistas y coro, que sin duda entretiene y saca más de una carcajada a grandes y chicos. No obstante estos méritos indudables, el relato carece de un ritmo creciente y la historia va cayendo en un metraje que mientras más avanza, se hace cada vez más predecible.

Es destacable el esfuerzo por presentar valores en forma entretenida. La ecología, la familia y la lealtad de los protagonistas son visualizados claramente en contraposición con el odio, la venganza y la envidia presente en el grupo de antagonistas. Diversas situaciones son descritas de forma literal y lineal, creando con ello estereotipos que son más fáciles de entender para los más pequeños pero sin la profundidad necesaria para generar una reflexión sobre la historia, algo que agradecemos y destacamos cuando está presente en este tipo de películas de entretención.

Desde el punto de vista de la producción, impecable. Los escenarios recreados son preciosos, tanto en la ciudad como en la selva. Las personalidades son claras, se desarrollan fácilmente y son de una frescura admirable. La música es por momentos lo central de la película, y la estética realmente sobresale con diseños gráficos llenos de colores y variadas formas, creando un entorno de fantasía que en pantalla grande se disfruta en todo su esplendor. En este sentido, "Río 2" cumple pero sólo en parte pues queda al debe. Y ya se ve en el horizonte una tercera parte. Ojalá en ella regrese una historia más consistente para no quedarnos sólo con los decorados y podamos disfrutar también de un argumento mejor desarrollado en cuanto a su concepción, construcción y desarrollo cinematográfico.

Ficha técnica

Titulo Original: Rio 2

Distribuidor: FOX

Calificación: TE

Duración: 102 minutos

Género: Animación

Año: 2014

País: Estados Unidos

Elenco: Anne Hathaway, Leslie Mann, Jamie Foxx, Jesse Eisenberg y Rodrigo Santoro

Director: Carlos Saldanha

Hijo de Dios - Por Juan Pablo Donoso

Una “nueva” película sobre la vida, pasión y muerte de Jesucristo.

Sólo que esta vez carece por completo de novedad, tanto en su fondo como en su tratamiento formal.

Todo está “correcto” en el relato, y prolijo en la producción cinematográfica.

Más, para los cristianos que conocen los evangelios, será una reiteración imperfecta de lo que ya saben desde la infancia (al Padre Nuestro le falta la frase final: “…líbranos de todo mal”); a este Jesús le falta “presencia carismática”, es un simpático líder de opinión; los discípulos se unen a él por su amable poder de convocatoria, y la turba lo sigue porque sus milagros son espectaculares. Y para los espectadores, legos en catecismo, será una gentil y grata información histórica. 

Todos los personajes de aquella época – viejos, adultos,  jóvenes, mujeres, niños y mendigos – lucen espléndidas dentaduras blancas, parejas y completas. 

El actor portugués que interpreta a Jesús (Diogo Morgado) es juvenil, esbelto y buenmozo. Entre los apóstoles anda siempre una mujer atractiva, supuestamente María Magdalena (Amber Rose Revah) con la que Jesús jamás dialoga. La Virgen María (Roma Downey) luce de la misma edad de la Magdalena, cuando a esa altura debería tener aprox. 47 años, ¡y en esa época! Pero recordemos que la Downey fue productora y financista del filme.

El proyecto proviene de una teleserie de varios capítulos. Su director, Cristopher Spencer, tiene esa especialidad. Lo que vemos en los cines es un compendio de momentos seleccionados. Por eso los milagros, por ejemplo, se suceden unos tras otros para que seamos testigos de algunos de ellos.

   

La mejor actuación recae en Caifás (Adrian Schiller), quien logra interesante presencia dramática siendo el gran ANTAGONISTA de toda la tragedia. Esta sería la única novedad.   

Por su parte, el conocido actor inglés Greg Hicks, como Pilato, nos decepciona ya que se limita a ser el despectivo Pretor romano, con un rictus permanente de nausea en la boca.

Tuvieron que cortar las escenas del demonio porque el actor se parecía demasiado a Barak Obama (¡!)

Al menos, la productora Downey logra su propósito histórico-religioso-comercial: “Unir a las personas, no dividirlas”.

Oportuno estreno para la Semana Santa.

SINÓPSIS CRISTIANA ABSOLUTAMENTE ASCÉPTICA EN SU CONTENIDO Y CONVENCIONAL EN SU FORMA.

Ficha técnica

Tiíulo Original: Son of Gods

Distribuidor: DIAMONDS FILMS

Calificación: 14

Duración: 138 minutos

Género: Drama

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Diogo Morgado, Amber Rose Revah y Sebastian Knapp

Director: Christopher Spencer

Noé - Por Juan Pablo Donoso

Si nos anuncian un filme sobre un personaje tan crucial como Noé, lo menos que esperamos es cierta fidelidad, al menos con los hechos de la Biblia. Los autores podrían narrar la historia desde muchos puntos de vista, y con tratamientos que pueden oscilar entre lo arqueológico y la espectacularidad hollywoodense. Pero en este caso los guionistas lanzaron a la parrilla comercial todo lo que se les ocurrió a costa del pobre Noé y su familia.

      

Si examinamos ciertas etapas del argumento, vislumbraríamos suposiciones de lo que “hubieran podido ser” algunas de aquellas circunstancias. Pero optaron por transformar la gesta – con sus simbolismos históricos y religiosos – en una superproducción que mezcla recursos de combates medioevales con monstruos de la Guerra de las Galaxias, y un alarde innecesario de efectos especiales.

      

Como relato es decepcionante. Con un director sensible como Darren Aronofsky (El Cisne Negro), y con estrellas de la trayectoria de Russell Crowe, Jennifer Connelly, Anthony Hopkins y Emma Watson, cuyos talentos son innegables, se esperaba una motivación más profunda para sus personajes. Aquí, ellos se limitan a seguir una trama forzada y de la cual intentan salir lo menos estropeados posible.

    

El argumento, al carecer de raíces dramáticas sólidas, se vuelve un recargado melodrama de aventuras que se prolonga caprichosamente – con música inadecuada -  esperando que con los efectos especiales, y unas cuantas anécdotas románticas menores, recupere su gigantesca inversión: ¡125 millones de dólares!  

NI BÍBLICA NI DE CIENCIA FICCIÓN, PERO DE UNA AGOTADORA E INTERMINABLE PARAFERNALIA.

Ficha técnica

Titulo Original: Noah

Distribuidor: Andes

Calificación: TE+7

Duración: 138 minutos

Género: Drama

Año: 2014

País: Estados Unidos

Elenco: Emma Watson, Russell Crowe, Douglas Booth, Logan Lerman y Jennifer Connelly

Director: Kenneth Branagh

Non Stop: sin escalas - Por Juan Pablo Donoso

Una nueva aventura de terrorismo a bordo de un vuelo comercial.

Si el agente policial (Liam Neeson) se niega a depositar 150 millones de dólares en su propia cuenta, los ladrones matarán a un pasajero cada 20 minutos en el interior del avión.

Sólo se sabe que el asesino va camuflado entre los pasajeros, y que se comunica con el policía por celular descontando los minutos fatales. El resto es acompañar a Neeson en su afán por descubrir al bandido.

Nos harán sospechar de casi todos los viajeros, incluso de las azafatas y de los pilotos. 

Aunque el argumento es convencional, la fórmula siempre será entretenida si logra mantener el enigma, si se establecen relaciones afectivas, si el protagonista, lejos de ser un héroe ejemplar, es vulnerable, amargado y alcohólico, y si hay referencias a la defectuosa conducción política de los EE.UU. frente a los casos de terrorismo aéreo. 

Con un millonario presupuesto y una factura audiovisual cuidadosa, la cinta incrementará la inversión y mantendrá entretenidos a sus espectadores. Su distribución más frecuente, luego de los cines, será la TV.

Pudo ser más corta, ya que los guionistas alambicaron sin necesidad las secuencias finales, restándole atractivo a la identidad de los “malos” del filme.

Con más concreción, y villanos más carismáticos, habría sobresalido de entre las tantas películas que recurren a esta temática. 

Prolija en lo profesional y poco novedosa en sus recursos dramáticos.

SE RECOMIENDA EVITAR PROGRAMARLA EN VIAJES AÉREOS

Ficha técnica

Titulo Original: Non Stop

Distribuidor: BFD

Calificación: 14 años

Duración: 106 minutos

Genero: Acción, Thriller

Año: 2014

Pais: Estados Unidos

Elenco: Liam Neeson, Julianne Moore, Michelle Dockery, Anson Mount y Finise Avery

Director: Jaume Collet-Serra

Non Stop: sin escalas - Por Carlos Correa

Liam Neeson interpreta una vez más un personaje similar al desarrollado en la exitosa "Taken" (Búsqueda implacable). En esta ocasión es Bill Marks, un agente federal aéreo, quien viaja de incógnito y está encargado de proteger el vuelo de "British Aqualantic" desde Nueva York a Londres con más de 150 personas a bordo. Bill es alcohólico, fumador compulsivo y tiene un pasado familiar complejo, sin embargo intenta, pese a todo, cumplir con su misión. Ya en pleno vuelo, Bill recibe un mensaje de texto en su sistema privado de comunicación con una sería amenaza: si no se transfieren 150 millones de dólares a una cuenta, morirá una persona del avión cada 20 minutos. 

Este filme de acción y suspenso dirigido por el español Jaume Collet-Serra tiene un mérito particular: se desarrolla casi íntegramente al interior de la cabina de un avión en vuelo trasatlántico. En ese sentido, el director da muestra de un perfecto manejo de los espacios, logrando en este reducido escenario y en 115 minutos plasmar la tensión necesaria para mantenernos atentos, entretenidos y en espera del desenlace de la trama.

Neeson es acompañado en su rol protagónico por Julianne Moore -Jen Summers-, una inquieta mujer que se sienta al lado de Bill debido a su obsesión por estar la ventanilla del avión, y que es también sospechosa como lo son todos los demás pasajeros. Para los supervisores que están en tierra, las dudas recaen en el mismo agente ya que la cuenta entregada para la transferencia estaría a su nombre. Es decir, la paranoia post 11/9 está retratada en su grado máximo y sin ninguna duda estamos frente a un secuestro deliberado y eficaz, donde un cuestionado héroe se encuentra con la oportunidad y el deber de salvar a los pasajeros y a la tripulación de una muerte prácticamente sentenciada. 

La cinta cumple con lo que ofrece, aunque el trailer y algunos comentarios puedan adelantar bastante de la historia. Es interesante el sentido de segunda oportunidad y redención que ofrece el argumento, lo que permite entregar un sentido más profundo a su protagonista, aunque Neeson no lo desarrolle demasiado. El uso de la tecnología también es un tema importante en esta película, más aún cuando está en plena aplicación la conexión de internet y telefonía satelital en ciertos vuelos comerciales de algunas aerolíneas pioneras. El uso de mensajes de texto desplegados simultáneamente en la pantalla y la exhibición de un noticiario de TV en vivo sobre el secuestro, son ingredientes que permiten reflexionar cuán conveniente o no es tener dichas tecnologías a bordo, qué beneficios y riesgos implica, y sobre todo tener en consideración la seguridad y los posibles ataques terroristas que un vuelo podría sufrir al estar totalmente conectado. 

Todos los elementos mencionados anteriormente entregan al guión de "Non Stop" un toque moderno y dan agilidad al relato, llevando adelante la historia con oficio y solidez. Su director, Jaume Collet-Serra, se posiciona como un buen constructor de suspenso, metódico y certero, capaz de sumar y controlar todos los ingredientes requeridos para filmar un entretenido thriller de acción.

Ficha técnica

Titulo Original: Non Stop

Distribuidor: BFD

Calificación: 14 años

Duración: 106 minutos

Genero: Acción, Thriller

Año: 2014

Pais: Estados Unidos

Elenco: Liam Neeson, Julianne Moore, Michelle Dockery, Anson Mount y Finise Avery

Director: Jaume Collet-Serra

Balada de un Hombre Común (Inside Llewyn Davis) - Por Juan Pablo Donoso

Una nueva proeza de los ya legendarios hermanos Coen, Joel y Ethan.

Inspirados en Dave van Ronk, un cantante folk neoyorquino que se hizo famoso en el Greenwich Village en los años 60, crean a Llewyn Davis, un personaje aún más patético que el original.

Los realizadores, en un grado eximio de madurez narrativa, se limitan a seguir al protagonista durante seis tristes días de un frío invierno de Nueva York. 

Davis integraba un dúo musical con un compañero que se suicidó. Al quedar solo intenta seguir su carrera grabando discos y obteniendo contratos en influyentes centros de la bohemia nocturna. Pero su inestabilidad emocional lo precipita en la vagancia y la irresponsabilidad afectiva.

Lo veremos buscar trabajo pero, a la vez, caer en círculos viciosos de autodestrucción.

A eso se reduce toda la cinta: a seguir al protagonista mostrando sus talentos y, con crudeza, sus falencias.

Tanto Oscar Isaac como los actores secundarios realizan un trabajo insuperable en sensibilidad y franqueza. Cada uno, en su condición humana y gris, constituye un universo reconocible y verosímil.

El Director de Fotografía Bruno Delbonnel reproduce la atmósfera anímica a tal punto que nos hace olvidar que incluso hay un fotógrafo narrando la historia con imágenes.

Para los fanáticos de la música folk será un banquete selecto y virtuoso.

Para quienes conocieron el Nueva York de los años 60 será una membranza cargada de nostalgia.

Para los que esperan una cinta de acción y conflictos violentos será pausada, difícil de clasificar, y con un final que pareciera carecer de mensaje.

Mas, para los que se dejen tocar por un testimonio de vida, con hermosas canciones y actuaciones excelsas, será un banquete cinematográfico de convivencia y de conmovedora humanidad.

BELLÍSIMA  BALADA  SOBRE  UN  TRISTE  “BALA PERDIDA”

Ficha técnica

Título Original: Inside Llewyn Davis

Distribuidor: BFD

Calificación: TE

Duración: 104 minutos

Género: Biopic y Musical

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Oscar Isaac, Carey Mulligan, Justin Timberlake, John Goodman y F. Murray Abraham.

Director: Joel Coen y Ethan Coen

Balada de un Hombre Común (Inside Llewyn Davis) - Por Carlos Correa

Los hermanos Joel Coen y Ethan Coen nos regalan en su último trabajo una profunda reflexión sobre la vida de un artista, un cantautor que transita la escena musical folk del Nueva York de comienzo de los años 60. Llewyn Davis -Oscar Isaac- canta en “Greenwich Village” por la propina y algo más, aquello que ansía que llegue y al parecer le es esquivo: el descubrimiento de su talento, el éxito y con ello el dinero para no seguir viviendo en casa de amigos, pidiendo un sofá para dormir noche tras noche. Llewyn intenta sobrevivir ante una adversidad desgarradora. Su compañero musical, Mike, se ha quitado al vida y su reciente álbum en solitario “Inside Llewyn Davis” -título original de la cinta- no logra espacio a pesar de los intentos -bastante pobres- de su manager quien ha enviado el trabajo al conocido productor de Chicago, Bud Grossman. Visitando a sus amigos Jim -Justin Timberlake- y Jean Berkey -Carey Mulligan- se entera que Jean está embarazada y le pide dinero para abortar. Su hermana tampoco le ayuda económicamente y Llewyn Davis, con su guitarra a cuestas, camina, se mueve, deambula, resistiendo el frío de un invierno implacable en Nueva York.

El relato, parcialmente basado en las memorias del músico y activista Dave Van Ronk, es una historia oscura. La filmación da cuenta de esa realidad en la que se nota la mano de los hermanos directores. Toda la escena es muy cuidada, un seguimiento en primera persona que no deja espacio a la luz o a la esperanza. Los obstáculos surgen uno tras otro, las decepciones son la regla y el retrato mismo de una búsqueda que parece no concluir nunca, en un concepto circular que no lleva a ningún destino, una vida común, tal vez muy similar a la vida de muchos artistas, independiente del lugar o espacio temporal en el que transcurren.

Ganadora del gran premio del Festival de Cine de Cannes 2013, “Balada de un hombre común” -su título en español- tiene actuaciones sólidas y convincentes. El relato es acompañado de una excelente banda sonora, apropiada y ajustada a la historia que representa. La fotografía es espléndida y nos introduce realmente dentro del protagonista, por lo que al concluir este viaje no podemos permanecer indiferentes. Tal como en películas anteriores, los Coen nos muestran las limitaciones y nos conmueven con ello. Sus personajes rozan los límites de la existencia, y con ello parece que nos obligaran a sobreponernos a dichos estados francamente deprimentes y carentes de sentido. Hay algo profundo en un relato de esta naturaleza, cuya interpretación queda en manos de cada espectador. Es una invitación al interior de Llewyn Davis, “Inside Llewyn Davis”, un viaje del que sin duda salimos cautivados, emocionados y profundamente reflexivos.

Ficha técnica

Titulo Original: Inside Llewyn Davis

Distribuidor: BFD

Calificación: TE

Duración: 104 minutos

Género: Biopic y Musical

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Oscar Isaac, Carey Mulligan, Justin Timberlake, John Goodman y F. Murray Abraham

Director: Joel Coen y Ethan Coen

12 años de esclavitud - Por Carlos Correa

Ganadora del Oscar 2014 como mejor película, mejor actriz de reparto -Lupita Nyong’o- y mejor guión adaptado, “12 años de esclavitud” narra la historia de Solomon Northup -Chiwetel Ejiofor-, violinista y carpintero de color que siendo un hombre libre, vive con su familia en el Nueva York de 1941. Engañado y drogado, es víctima de un secuestro para ser vendido como esclavo y enviado a Nueva Orleans, con el nombre de "Platt”. Su primer dueño es William Ford -Benedict Cumberbatch-, dueño de una plantación quien incluso agradece los buenos oficios de Platt regalándole un violín, lo que trae inmediatos problemas con un carpintero racista. Para evitar problemas y protegerlo, Ford lo vende a Edwin Epps -Michael Fassbender-, un amo cruel, que siente el derecho de abusar de los esclavos. Allí conoce a una joven esclava llamada Patsey -Lupita Nyong’o- compañera de trabajo en la recolección de algodón, a quien Epps elogia y viola repetidamente. Ante tal adversidad, Solomon no renuncia a la esperanza, aun viendo como muchos de su entorno se rinden ante la violencia y al abuso denigrante.

El director británico Steve McQueen basa esta cinta en la autobiografía de Solomon Northup, “Twelve Years as a Slave”, libro escrito en 1853. El relato es duro, visualmente expresivo y cruel, dando cuenta de un racismo abominable, abusador y sádico. El director no tiene reparos en visibilidad un grado altísimo de violencia y en mostrar la barbaridad de una evidente falta de humanidad y lo hace con mucho cuidado. Junto con lo anterior, entrega a la figura de Solomon una resiliencia a toda prueba, que le permite mantener la esperanza de en algún momento recuperar su libertad y volver con su familia. 

“12 años de esclavitud” es sólida en su relato, en su guión y en su mensaje, sin embargo puede abrumar al espectador en especial por lo crudo del relato. La filmación en ese sentido es excelente, posee una fotografía impecable y una partitura de Hans Zimmer que conmueve profundamente. Las actuaciones logran construir personajes llenos de humanidad y se conectan con las emociones que transmiten. Inspirador y a la vez provocador, este filme no resulta tan sencillo de ver. Crea amargura y desazón en el espectador verse expuesto a tanta brutalidad sin sentido, un intenso calvario que estremece, que hace sentir vergüenza y preguntarse cómo pudimos permitir una aberración tan grande como la esclavitud.

Ficha técnica

Título Original: 12 Years a Slave

Distribuidor: CINECOLOR FILMS

Calificación: 14 años

Duración: 134 minutos

Género: Drama

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Chiwetel Ejiofor, Brad Pitt, Michael Fassbender, Quvenzhané Wallis y Benedict Cumberbatch.

Director: Steve McQueen

Dallas Buyers Club - Por Carlos Correa

Ron Woodroof -Matthew McConaughey- es rudo, muy rudo. Electricista, vaquero de rodeo texano, apostador, drogadicto y mujeriego, recibe una fulminante noticia: es portador de SIDA y le quedan 30 días de vida. Corre el año 1986 y el único tratamiento legalmente disponible en los Estados Unidos es el AZT, droga aprobada por la Administración de Alimentos y Medicamentos (FDA) y que deja a Ron al borde de la muerte. Consciente de la gravedad de su enfermedad, Woodroof comienza a buscar opciones. Viaja a México para conocer otros tratamientos alternativos -aun no aprobados en USA-, los que parecen surtir efecto, los interna y crea el “Dallas Buyers Club” (Club de Compradores de Dallas), uno de varios que funda en el país para entregar medicina alternativa a todos los miembros que puedan costearlos.

Basada en hechos reales, “Dallas Buyers Club” dirigida por Jean-Marc Vallée, consiguió tres premios Oscar 2014: mejor actor principal -McConaughey-, secundario -Jared Leto- y mejor maquillaje. Los premios están ampliamente justificados pues las actuaciones son sobresalientes, sostienen el relato y el maquillaje aporta notablemente a la credibilidad de los personajes. La cinta presenta a un personaje particular, que enfrentado a la adversidad es capaz de levantarse contra lo establecido, contra el sistema en busca de salvar su vida y de ayudar -lucrativo negocio mediante- a otras personas en similares condiciones. Totalmente homófobo, Ron va descubriendo producto de su enfermedad, otras realidades como la de Rayon -Jared Leto-, un transexual también enfermo de SIDA, con quien se asocia para llevar adelante sus planes comerciales.

El guión, aunque tiende a caer en lagunas, representa correctamente los años 80 y la aparición como pandemia del mortal virus del SIDA. “Dallas Buyers Club” es inseparable de la actuación de sus protagonistas. Sin ellas sólo sería una cinta de un hombre en estado terminal que busca una salida a un destino imposible de modificar. McConaughey y Leto entregan una notable humanidad, desarrollan magistralmente sus personajes, le dan sustento a la historia y se convierten en esos antihéroes que no dudan en enfrentarse al gobierno, a políticos y a magnates industriales solo con astucia e ingenio.

“Dallas Buyers Club”, nominada también al Oscar por mejor película, es sin duda una buena cinta aunque no alcance cumbres dramáticas elevadas. Su valor radica principalmente en poder transmitir una historia real sin caer en la simple emotividad de un enfermo destinado a morir. Al contrario, la propuesta del director Jean-Marc Vallée asume riesgos, entre ellos una filmación sin apuro, con un ritmo pausado, que permite ampliamente el lucimiento de sus actores, entregando un enfoque vital y esperanzador ante el mortal VIH.

Ficha técnica

Título Original: Dallas Buyers Club

Distribuidor: Andes

Calificación: 18 años

Duración: 117 minutos

Género: Drama y Biografía

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Matthew McConaughey, Jared Leto, Jennifer Garner, Denis O'Hare y Steve Zahn.

Director: Jean-Marc Vallée

Escándalo americano - Por Carlos Correa

Podría ser “la gran estafa” o “el gran engaño” porque la última película de David O. Russell -“El lado bueno de las cosas”- es en realidad una historia de mentiras de comienzo a fin. Irving Rosenfeld -Christian Bale-, un estafador poco ambicioso, junto a Sydney Prosser -Amy Adams-, socia, amante, y que siendo de Nuevo México se hace pasar por británica, son descubiertos por el agente encubierto Richie DiMaso -Bradley Cooper- y obligados a trabajar para el FBI en busca de peces gordos de la corrupción y la estafa de los años 70 en Estados Unidos. Al medio encontramos al “Mayor”, el alcalde Carmine Polito -Jeremy Renner - que tiene buenas intenciones pero es un astuto operador de enlace entre la política y la mafia. Al otro lado se sitúan dos personajes secundarios importantes para la historia: Rosalyn Rosenfeld -Jennifer Lawrence-, la inestable e impredecible esposa de Irving y Stoddard Thorsen -Louis C.K.- el jefe del agente DiMaso. Como vemos, tenemos relato, un gran número de personajes interesantes y la astucia de Russell para concebir una cinta que ya está nominada a diez premios Oscar y que augura llevarse varios de ellos. 

Si bien la trama no es simple, -estafas, agentes del gobierno, investigaciones y operaciones secretas, corrupción, política, mafia, etc.-, la cinta se basa en la construcción de sus personajes. En lo que son, en lo que aparentan y en lo que realmente resultan ser. Y esta caracterización es tal vez lo mejor logrado de la cinta, es decir, la historia de sus personajes a la que el director entrega todo el tiempo necesario para su correcto desarrollo. El triángulo amoroso formado por Irving, Sydney y Richie es tenso y lleno de ironía. Por otra parte Irving y Sydney también forman un triángulo con Rosalyn, el que siendo igualmente tenso, pasa a ser inestablemente hilarante como su protagonista. Los demás rodean estos triángulos y aportan lo suyo a un metraje que aprovecha muy bien los 138 minutos de duración para contar muy bien su historia.

Russell destaca una vez más por su sencillez en el manejo de las cámaras. Es tener varios ojos en la acción y ser parte de ella. No hay apuros injustificados y en ocasiones nos hace parte del engaño, estafándonos también visualmente. Su dirección de actores sobresale -independiente del excelente reparto con el que trabaja- pues los diálogos, las formas, el lenguaje no verbal y la complicidad de los primeros planos ayudan a mantener un ritmo que sostiene el relato y no da tregua hasta el final.

Tal como en su trabajo anterior, lo importante en esta cinta no es la resolución de la historia sino con qué nos quedamos de sus personajes, su riqueza, su flaqueza, su éxito, su fracaso, su búsqueda o su encuentro. El destino de cada uno de ellos pasa a ser el centro y la historia que los mueve, el eje de atención. Y acá descubrimos un denominador común a toda la historia y a todos los personajes: lo que los mueve es el amor en sus diferentes dimensiones. Se vive por amor, se engaña por amor, se estafa por amor; amor de pareja, amor filial, amor pasajero, da igual. El centro es el amor y el resto, dinero inclusive, es solo una excusa (o un engaño) para amar y sobrevivir.

Ficha técnica

Titulo Original: American Hustle

Distribuidor: ANDES

Calificación: 14

Duración: 138 minutos

Género: Drama - Thriller

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Christian Bale, Bradley Cooper, Amy Adams, Jeremy Renner

Director: David O. Russell

La ladrona de libros - por Carlos Correa

Basada en la novela del australiano Markus Zusak, “La ladrona de libros” es una película que cuenta la historia de Liesel Meminger -Sophie Nélisse-, una niña de 9 años que llega a vivir con sus padres adoptivos, Hans Hubermann -Geoffrey Rush- y Rosa Hubermann -Emily Watson-, en un pueblo cercano a Múnich, en plena segunda guerra mundial. En el camino a su nueva casa, su hermano Werner ha muerto, algo que ha impactado de sobremanera a la pequeña Liesel. En su nuevo hogar, Rosa es muy ruda con ella, mientras Hans se transforma en su cómplice y comienza a enseñarle a leer. Cuando la familia debe acoger a un refugiado judío llamado Max -Ben Schnetzer-, Liesel desarrolla aún más su gusto por la lectura gracias a que Max habita el sótano de la casa y es allí donde los muros están llenos de palabras y se construye la historia base de la cinta.

El relato desarrollado por el británico Brian Percival, con guión de Michael Petroni, tiene un ritmo particular. No se apura en absoluto y destina el tiempo suficiente para caracterizar a sus personajes desde varios puntos de vista. En este sentido Geoffrey Rush y Emily Watson destacan en la construcción de sus roles, tan opuestos y al mismo tiempo tan unidos en un hogar de clase media baja al que la guerra afecta no solo económicamente sino también en el fondo de su posición política. Liesel tiene en Rudy un fiel amigo con quien comparte el día a día en el colegio y también fuera de él, sin embargo son las palabras y los libros que roba (o toma prestados como dice ella) lo que realmente le llena el alma.

Si bien la historia es sencilla y en cierta forma predecible, la cinta la cuenta muy bien. Desde los escenarios, la fotografía, la música de John Williams y el trasfondo de la guerra (reclutamientos y violentos ataques aéreos incluidos) se construye un buen metraje que, aún sin ser sobresaliente, mantiene la tensión dramática durante sus 131 minutos de duración. El uso de un especial narrador -la muerte-, da a la película un tono particular. Quebrando el esquema lineal, entrega un sentido de nobleza y humanidad trascendente, por encima de la brutalidad misma de la guerra, que logra posicionar valores positivos a todo lo horrendo y negativo que le toca vivir a sus protagonistas.

El director Brian Percival, con mano segura, nos entrega una cinta llena de sensibilidad y emoción que finalmente nos conmueve. Son incomprensibles los horrores del nazismo y la crueldad de la guerra, sin embargo la historia nos ratifica una vez más la grandeza del ser humano para sobreponerse a toda adversidad y encontrar la necesaria paz para el alma. Esta vez es el arte, la música de aquel viejo acordeón y en especial las palabras, lo que permite a Liesel sobrellevar el sufrimiento para finalmente salir adelante y lograr hacer una vida plena, dejando en el doloroso recuerdo situaciones que probablemente de otra manera sería imposible superar.

Ficha técnica

Titulo Original: The Book Thief

Distribuidor: FOX

Calificación: TE+7

Duración: 131 minutos

Género: Drama

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Geoffrey Rush, Emily Watson, Sophie Nélisse

Director: Brian Percival

La vida secreta de Walter Mitty - Por Carlos Correa

Esta película dirigida e interpretada por Ben Stiller es la segunda adaptación al cine de la novela corta de James Thurber titulada “The Secret Life of Walter Mitty" y publicada el año 1939. Walter Mitty -Ben Stiller- es una persona común y corriente, encargado de la sección de negativos fotográficos de la revista “Life”, una revista prestigiosa y que está viviendo una transición del formato papel al formato digital, con todo lo que ello involucra: despidos masivos y reubicación de los pocos que logren sobrevivir al gran cambio. Walter es tímido, sin embargo tiene una vida interior llena de sueños, historias heroicas y deseos reprimidos por su personalidad. Esto hace que en muchas ocasiones se “desconecte”, presa de su imaginación, cambiando su realidad y siendo otra persona, tal vez quien en verdad Walter quiere ser.

Ben Stiller no solo plantea una comedia con este filme sino que da pie a la composición de una especie de fábula, ya que al extraviar el negativo de la última foto que el reconocido fotógrafo Sean O'Connell -Sean Penn- le ha enviado por correo, debe iniciar una aventura imposible para encontrarlo y recuperar la foto principal para el último número en papel de la revista. Walter no había salido nunca de su hábitat y producto de esta necesidad se ve forzado a vivir intensamente, en pocos días, lo que tal vez siempre soñó: aventuras, riesgos y un desconocido e incierto camino en busca de si mismo.

Si bien la cinta tiene un trasfondo muy interesante, por momentos el relato carece de un ritmo que permita mantener la atención en la profundidad de la vida secreta de Walter. La fotografía es espléndida y la dirección de Stiller sorprende por lo correctamente cuidada. A pesar de tener claro el mensaje de fondo -eso de salir a buscar, no quedarse atrapado, tomar riesgos y aventurarse a lo desconocido- la película a mi modo de ver se queda un poco corta al centrar el relato en la búsqueda del negativo y en el amor platónico de Walter, su compañera de trabajo Cheryl -Kristen Wiig-, que finalmente es su verdadero motor y desafío, sin explorar muchas otras aristas que el relato deja solo enunciadas.

“La secreta vida de Walter Mitty”, traducida como “increíble” cambiando el sentido de su título original, es una cinta que nos llama a la movilidad. Toma ejemplos cercanos como la timidez, los sueños imposibles y el amor idealizado para poder reforzar la idea de cambio y adaptación. Y en esto, Walter Mitty puede ser un ejemplo de una frase que conocemos y no deja de ser cierta y efectiva, la que nos llama a hacer de lo ordinario, algo extraordinario, pues detrás de una vida aparentemente rutinaria puede existir una vida secreta (o vida interior) sorprendentemente atractiva, llena de sueños y aventuras que claman por ser descubiertas.

Ficha técnica

Titulo Original: The Secret Live of Walter Mitty

Distribuidor: Fox

Calificación:TE

Duración: 114 minutos

Género: Aventura - Comedia

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Ben Stiller, Kristen Wiig, Adam Scott, Patton Oswalt, Shirley MacLaine, Kathryn Hahn, Sean Penn, Finise Avery, Joey Slotnick, Toshiko Onizawa, Adrian Martinez

Director: Ben Stiller

Pavos en apuros - Por Juan Pablo Donoso

La fiesta de Acción de Gracias – Thanksgiving – vista desde la perspectiva de los pavos: que son la comida tradicional de ese día en América del Norte.

Gracias al capricho de la hijita regalona del Presidente de EE.UU., el pavo que sería símbolo de ese año, se salva de ser sacrificado porque la pequeña pide guardarlo como mascota.

De ahí en adelante, y con la compañía de un pavo salvaje, conocerán el reino y guarida de sus congéneres viviendo muchas y variadas aventuras.

Por medio de una máquina cibernética viajan al pasado, al origen de esa fiesta, en el siglo 17, donde son ferozmente perseguidos por despiadados cazadores.

Nuestros héroes conocerán las leyendas, mitos y patriarcas de su raza, habrá una púdica historia de amor, grata música y algunas cómicas danzas.

A pesar de los numerosos periplos de la aventura, y de sus muchos personajes, el relato central se sigue con claridad y llega a un idílico desenlace donde los pavos se salvan de ser el centro culinario, dejando su lugar a las exquisitas pizzas que los liberan de ser devorados por los humanos.

Los niños de hoy, habituados a la complejidad de los juegos electrónicos, seguirán la trama con mejor comprensión que los de hace 40 o más años atrás.  

FÁBULA DE ANIMACIÓN CON UNA HISTORIA CLARA Y SIMPÁTICOS PERSONAJES 

Ficha técnica

Director: Jimmy Hayward

Guión: Jimmy Hayward, Scott Mosier, David I. Stern, John J. Strauss

Voces en ingles: Woody Harrelson, Owen Wilson, Amy Poehler

Música: Dominic Lewis

EE.UU. – 91 minutos

Animación – Aventura – Comedia

Info BF Distribution