miércoles, 9 de octubre de 2024

El Correo - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Netflix.

Vértigo y corrupción se combinan en este trabajo del director Daniel Calparsoro. Marbella, en los años 90. En ese lugar seguimos a Iván -Arón Piper-, un joven ambicioso sin escrúpulos que se involucra cada vez más al interior de una red de narcotráfico y lavado de dinero.

Con buen ritmo y una historia con giros inesperados, la película es atractiva desde un comienzo. Calparsoro utiliza la voz en off del protagonista para contarnos sobre el ascenso y caída al interior de un mundo despiadado, donde casi no existe lealtad.

Más allá de la adrenalina que provoca la acción, con excesos de droga y de sexo por todas partes, la cinta logra evidenciar el mal extendido de la corrupción en una época que se muestra dinámica, tanto social como económicamente hablando. En ese sentido, la cinta no se queda con solo mostrar el lujo y las fiestas desenfrenadas, sino que también da cuenta de la violencia y las consecuencias nefastas de un estilo de vida que resulta inevitablemente ingobernable.

Convincentes son las actuaciones de Arón Piper y María Pedraza. Ambos transmiten ambición excesiva y desarrollan corectamente la complejidad moral de sus personajes. El resto del elenco, con figuras de lujo como Luis Tosar, José Manuel Poga y Luis Zahera en roles secundarios, aporta tanto solidez como credibilidad a la historia.

"El Correo" es una película entretenida que nos mantiene atentos durante un poco más de una hora y media. No se trata de una obra profunda, por supuesto que no, pero al menos retrata hechos reales y aporta miradas críticas al respecto. En síntesis, una cinta que permite pensar un poco más sobre valores importantes, como la honestidad y la ética, aunque al final nos quede una sensación pesimista, pues pone en evidencia las nefastas consecuencias de una ambición que se ubica fuera de todo límite imaginable.

Ficha técnica

Título original: El correo
Año: 2024
Duración: 97 minutos
País: España
Compañías: Coproducción España-Francia-Bélgica; Vaca Films, Panache Productions, La Compagnie Cinématographique, Playtime Production, Canal+, ICAA, Movistar Plus+, Netflix
Género: Thriller. Drama | Basado en hechos reales
Guion: Patxi Amezcua, Alejo Flah
Fotografía: Tommie Ferreras
Reparto: Arón Piper, María Pedraza, Luis Tosar, Laura Sépul, Nourdin Batán, José Manuel Poga y Luis Zahera.
Dirección: Daniel Calparsoro

lunes, 7 de octubre de 2024

Copiando para Beethoven - Por Juan Pablo Donoso

Relato biográfico ficticio del periodo en que Beethoven compuso, y estrenó, su 9ª Sinfonía.

La anciana directora polaca Agnieszka Holland (Europa, Europa - 1990 - /Olivier, Olivier - 1992), sabe narrar biografías contrastando la fragilidad de sus héroes con los eventos históricos de sus épocas.

Aquí trata de la tempestuosa relación entre una joven compositora de 23 años - Anna Holz (Diane Kruger) - quien, por admiración, ofició gratis como copista para el Genio de Bonn.

Retrata con crudeza los últimos tiempos del músico, su falta de aseo personal, los rasgos bipolares, y la pocilga pestilente en que tenía transformado su departamento.

Hay mezcla de eventos y personajes verdaderos con otros inventados para lograr mayor impacto emotivo. Además, se denuncia la misoginia de aquella sociedad frente a las mujeres compositoras.

Entre los eventos reales disfrutamos del episodio en que Beethoven - completamente sordo - dirigió a la orquesta y coros en el estreno de su sinfonía, mientras alguien, escondido tras el podio, le indicaba el ritmo, las entradas y matices del discurso musical.

Más que fidelidad por los detalles, Holland nos inserta en el ambiente vienés de 1824, realza el protagonismo de Anna Holz, y nos acerca al corazón de sus personajes. Así también nos revela el doloroso paralelismo afectivo de Ludwig con su díscolo sobrino Karl Van Beethoven (Joe Anderson).

Aunque la presencia de Beethoven es arrolladora - y admirablemente encarnada por un irreconocible Ed Harris - la verdadera protagonista es la actriz alemana Diane Kruger (Troya) cuyo personaje debe sobrevivir a los embates de amor/odio que le ocasiona su insoportable ídolo musical.

En su corazón - y en los nuestros - se debaten los huracanes de admiración e intolerancia. Se le atribuye parte del triunfo a la joven e inexperta “secretaria”. Un guiño sutil al feminismo decimonónico.

Bellos trozos incidentales con temas de Beethoven condonan las inexactitudes históricas. .

Filmada en las antiguas calles de Budapest, Hungría.

La Orquesta de la Academia de Música Antigua y los solistas contribuyeron a la espléndida banda sonora.



AUNQUE NOVELADA, TIENE MÚSICA SUBLIME, ES INGENIOSA, BIEN DOCUMENTADA, E IRRADIA DRAMATISMO PASIONAL. FIEL AL ESPÍRITU DE BEETHOVEN.

Ficha técnica

Copying Beethoven
2006 Biografía, ficción, música EE.UU. - 1,44 hrs. 
Fotografía: Ashley Rowe 
Edición: Alex Mackie 
Diseño Prod.: Caroline Amies 
Guion: Stephen J. Rivele, Christopher Wilkinson 
Actores: Ed Harris, Diana Kruger, Matthew Goode 
Dirección: Agnieszka Holland 

domingo, 6 de octubre de 2024

Guasón 2: Folie à Deux - Por Jackie O.

“Entre la fantasía y realidad”


En el año 2019, llegó esta nueva versión de Guasón causando una real transformación del personaje que a todos nos cautivó. ¿Por lo que una secuela era necesaria? Si y No. No, porque era un riesgo. Si, para saber que pasaría con él dentro del psiquiátrico.

“Folie à deux”, es un término psiquiátrico, también conocido como “trastorno de delirante o trastorno psicótico compartido”, se dice que es un trastorno poco frecuente, que se caracteriza por la presencia de síntomas psicóticos, habitualmente ideas delirantes, en dos o más personas.

¿Qué nos presenta esta nueva película? Los hechos ocurren posterior a Joker 1, Arthur ya está confinado en el Hospital Estatal de Arkham, esperando su condena, por lo que nos encontramos en una cinta que se enfoca en el juicio de Arthur, su perturbada mente que la hace divagar, y en el amor a primera vista con Lee Quinzel, quien está recluida de forma voluntaria en el lugar.

Lady Gaga como Lee (Harley Quinn) inicialmente genera intriga, pero lamentablemente su dinámica no logra encenderse por completo, lo que hace que su relación sea poco aprovechada. Se basa prácticamente en su participación para los números musicales que vamos viendo, pero lo que pudo haber sido algo interesante, resulta discordante e interrumpe el flujo correcto de la narrativa, creando una situación desigual y tonalmente inconsistente, es decir, el personaje poco aprovechado, carece de desarrollo y un espectáculo tibio, ya que no se arriesga el director para que sea realmente una película de género musical, que tal vez habría funcionado. Pero Lady Gaga no es solo una excelente cantante, es una buena actriz; ¿por qué no se le sacó provecho a una sola de esas facetas?, o si quisieron las dos facetas, ¿por qué no lo hicieron con ganas, ya que finalmente la termina encasillando como cantante que es, y a medias, no apreciándo en esta ocasión sus dotes actorales? Porque su relación con el Joker tampoco se dio del todo bien. Esperaba (en mi cabecita loca) que el Joker convenciera a Lee de ser una criminal, y resultó que finalmente ella es quien lleva al Joker por mal camino. ¿Y qué pasó? No abarcaron más el trasfondo de esa manipulación o la represión policial existente, solo enfocaron esta relación en canciones y bailes entre medio que más bien molestaban, y eran canciones bellísimamente conocidas, las cuales no tenían nada que ver con el contexto en que eran insertadas.

Escenográficamente la película es impresionante, mantiene un tono sombrío, tenue, y en ocasiones eufóricamente colorido, ya que describe la historia de un enfermo mental desde su percepción de la realidad y esto hace que pierda un poco el hilo conductor de la trama entre realidad e imaginación musical, por lo que creo, y es algo en que me estoy obligando a creer, que el director lo ha hecho intencionalmente para darle un toque realista y desconcertante. Eso la hace una película muy arriesgada en diferentes aspectos, como la simplicidad de los diálogos, que incluso los siento sin una línea argumental clara. Creo que se ve como un experimento con aciertos y desaciertos (o estoy buscándole la justificación muy justificada a lo que vi)

Eso hace un guion confuso, los personajes no se desarrollan potencialmente. Lee no tiene profundidad, lo único que hace es cantar. ¿Quién es ella? ¿Por qué entra y sale del psiquiátrico sin problemas? ¿Quién es su padre?

La actuación de Joaquin Phoenix es fantástica, ya lo conocíamos, pues en la primera cinta desarrolló tan espectacularmente su personaje que estamos con él, con su tristeza que golpea, con su soledad que es abrumadora, es un real compromiso con el personaje.

Los secundarios son muy buenas las interpretaciones de la mayoría, pero se perdieron otros como, Harvey Dent, y la misma ciudad, ¡es Gotham! Es otro personaje y no se aprovechó.

En general, "Joker: Folie à Deux" es una secuela un poco decepcionante que no está a la altura de las expectativas creadas por su predecesora. Insisto en señalar que no es una mala película, no es deficiente si se mira por encima, ya que tiene una escenografía, vestuario, maquillaje, peinado, y banda sonora, muy buenas, excelente fotografía que hace de unos planos geniales, que provocan. Pero veníamos de una súper producción que estaba en el Olimpo de las alturas, y caímos de forma muy brusca, donde las decisiones narrativas y creativas perjudicaron la experiencia general.

Solo me quedo desconcertada y con preguntas varias, como ¿nunca fue el Joker, y fue producto de su caótica imaginación? ¿Fue manipulado? ¿Quién es el real Guasón?

¿Esto fue una broma del bromista director?

¿La vería de nuevo? Sí, es el Joker, es Joaquín, es Lady Gaga.

Cinta que no tiene escenas post crédito, y recomiendo ver antes el Joker 1.

Ficha técnica

Dirección: Todd Phillips
Guion : Todd Phillips y Scott Silver
Basada en The Joker de Jerry Robinson, Bill Finger y Bob Kane
Música: Hildur Guðnadóttir
Fotografía Lawrence Sher
EEUU. 2024
Género: Suspense, Drama.
Duración 138 minutos

viernes, 4 de octubre de 2024

Guasón 2: Folie à Deux - Por Carlos Correa Acuña

El primer “Joker” del director Todd Phillips, estrenada en octubre de 2019, me impactó. A los pocos días vino el llamado “estallido social” en Chile, momento en el que parecía que muchas secuencias de la película se hacían realidad. Muy significativa fue esa coincidencia. El azar juntó dos hechos tan distintos pero con tantas similitudes que era difícil sustraerse a la pregunta de fondo que formulé en mi escrito en esa oportunidad: “la violencia, el fanatismo y el caos, ¿sucede solo como respuesta? ¿Es lícito responder así, con una escalada que crece y crece, y que a poco andar ya está fuera de control? ¿El fin justifica los medios? ¿Abordar una temática así, crudamente, incita a más violencia? La reflexión sigue abierta, pero luego de cinco años, indudablemente tenemos otra perspectiva.

No podía dejar de iniciar este comentario con la introducción anterior, porque al saber que venía en camino una secuela de aquella película mi pregunta era solo una: ¿qué enfoque tendrá esta vez, si parece que ya se hubiese dicho y hecho todo en la primera? Trataré de responder esta interrogante en las siguientes líneas. Veamos si lo consigo.

La trama indica que luego de los caóticos acontecimientos, Arthur Fleck -Joaquin Phoenix -, ha sido internado en Arkham a la espera de su juicio. La espera es larga, pero toca la coincidencia que conoce por casualidad a una interna llamada Harleen Quinzel -Lady Gaga-, con quien establece una conexión inmediata. El interés es mutuo, y entre ellos se da una química instantánea. Arthur ve en Lee, su complemento; Lee siente curiosidad por Arthur, y ve en él un alma gemela, desde varios puntos de vista. Lo que vendrá a continuación es el desarrollo de todos estos elementos, el juicio y posterior desenlace de la historia.

“Joker: Folie à Deux”, (“locura de dos” en francés, y que hace referencia a un trastorno psicótico compartido, también conocido como “psicosis compartida” o “trastorno delirante compartido”) es un verdadero duelo. Digo duelo como desafío, pero también lo entiendo como una pérdida. Me explico. En primera instancia está el desafío de dos personalidades especiales que, siendo tan diferentes, parecen complementarse y potenciarse de forma exponencial. De Arthur ya conocemos su historia, aquello que lo ha dañado y el por qué de muchas de sus acciones. A Harley Quinn recién la estamos conociendo, pero es como si siempre hubiese estado allí, cercana, enfocada, precisa, y dueña de sí misma. Estos dos personajes parecen batirse a duelo, sin confrontación, por ir más allá, por explorar fuera de sus fronteras y extender los límites hasta las últimas consecuencias. ¿Y las pérdidas? Primero, corresponden a las transformaciones, aquello que se deja atrás para dar paso a otras formas; y segundo, todo eso que irremediablemente se torna ausente y desaparece con el paso del tiempo.

La mano de Todd Phillips se nota en todo momento. La unidad existente con la primera entrega es notable, y no hay nada dejado al azar. La filmación es realmente estupenda -inigualable verla en la nueva sala Imax-, por lo que cinematográficamente tiene una enorme altura. Aunque sea insistente, es una experiencia que hace única la ida al Cine. La música de Hildur Guðnadóttir, partitura de excelencia, también va en línea con la cinta anterior, esta vez rescatando los motivos, especialmente esa inquietante tercera menor que pasa a ser casi un leitmotiv, la que combinada con canciones, constituye una banda sonora que no solo llama la atención sino que resulta totalmente imprescindible.

Tal vez el mayor desafío y lo mejor del filme lo constituyan las actuaciones. Joaquin Phoenix ganó el Óscar la vez anterior, por lo que evolucionar con el personaje no resulta nada fácil. Y vaya que lo logra, no mucho en lo externo sino justamente en el aspecto contrario, en la intimidad de Arthur y en dejar entrever su personalidad, sus sentimientos, sus frustraciones y sus rabias. Ayuda mucho el director de fotografía, Lawrence Sher, al encajar unos primerísimos planos impresionantes que se transforman en pequeños agujeros por los que se cuela el alma del protagonista. Lady Gaga, por su parte, de quien ya conocemos ampliamente sus dotes histriónicas, es la pareja ideal para un personaje complejo, no solo por resultar una pareja natural, sino que también por aportar otros grados de dificultad al desarrollo, sin dejar de ser ella, independiente, misteriosa, con una gran cuota de liderazgo y determinación.

Esta cinta no es formalmente un musical, sin embargo hay mucha música presente. Joaquin Phoenix y Lady Gaga cantan bastante, en varios “números”, y con gran sincronía. Y acá un punto. Ella hace lo que quiere con su voz, ¡qué manejo tiene, impresionante!, sobre todo para no opacar a quien no es cantante y se defiende dignamente gracias a su gran carisma, y a colores vocales especiales, propios de su personaje. Gran dupla, contenida y expresiva; íntima y, al mismo tiempo, extrovertida.

Disfruté de principio a fin con esta secuela largamente esperada. Es cierto que la historia no tiene un gran vuelo, que hay poca acción, que puede haber confusiones de ambientes, y tal vez algunos baches en el camino. Los perdono, y eso que soy muy duro con esto en muchas oportunidades. Por qué, dirán ustedes. Porque me centro en lo indescifrable de las capas internas de los personajes, en esa tensión sumergida, en lo subterráneo, en lo que no se ve pero se puede percibir y sentir. Eso es para mí la experiencia de entrar de lleno en una película íntima, triste, desgarradora y demoledora, una obra que no concluye con lo que muestra en la pantalla, sino que se sigue desarrollando mientras la recuerdo, mientras la analizo, y mientras la descompongo para escribir este comentario. Y sobre todo cuando provoca sensaciones, cuando influye en nuestros estados de ánimo, y cuando vemos que un mismo trabajo llega de maneras tan distintas a cada persona, dependiendo de su historia, del momento en que estamos, o producto de un sinfín de otras razones.

Estamos en presencia de arte con letras grandes, controversial, disruptivo y provocador. Y es para discutirlo, para debatir, para expresar lo que nos genera y formarnos opinión. Todd Phillips lo impulsa y Joker: Folie à Deux”, lo expone a toda pantalla. Ahora nos toca a nosotros completar el trabajo sin dejar pasar esta película. Imperdible.

Ficha técnica

Título original: Joker: Folie à Deux
Año: 2024
Duración: 138 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Warner Bros., Joint Effort, DC Studios, Bron Studios, Sikelia Productions, Village Roadshow, Bron Creative. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Thriller. Drama. Musical | Secuela. Crimen. Cómic. DC Comics
Guion: Scott Silver, Todd Phillips. Personajes: DC Comics
Música: Hildur Guðnadóttir
Fotografía: Lawrence Sher
Reparto: Joaquin Phoenix, Lady Gaga, Brendan Gleeson, Catherine Keener, Zazie Beetz
Dirección: Todd Phillips

Francesco - Por Jackie O.

“Te deseo paz y bienestar para ti y los tuyos"

Sinopsis: En 1226, después de la muerte de San Francisco de Asís, sus amigos más cercanos, entre ellos Santa Clara, hablan de la vida del Santo. Francisco nace en el seno de una familia de ricos comerciantes y vive rodeado de comodidades. Pero un día se encuentra cara a cara con el sufrimiento humano, y su existencia cambia radicalmente: la existencia de Dios se le hizo patente a través de los pobres, y desde entonces decidió vivir como Jesucristo, renunciando a todas sus riquezas y viviendo en comunión con la naturaleza.

Segunda película hasta ese momento de esta directora sobre el Santo de los pobres, animales y naturaleza.

Una película que nos habla de un joven italiano, personificado por un estadounidense que se ve muy estadounidense y además guapo.

Estamos en el momento en que Francisco muere y sus amigos se reúnen con el fin de escribir los detalles de la vida que tuvieron con él. Así vamos conociendo, en parte, esas dudas y frustraciones que mantenía, cómo de llevar una vida ostentosa y de lujuria, lo dejó todo para compartir con los más necesitados.

No sé las razones de la directora para haber elegido a dos personas no italianas para personificar los roles principales, (o tal vez fue para catapultar su carrera). Me refiero a la inglesa Helena Bohanm Carter, a quien el rol le queda muy bien, ya que el maquillaje y su aspecto europeo ayudaron a acercanos a Santa Clara. Y aunque en otras adaptaciones cinematográficas, Francisco de Asís no ha sido precisamente interpretado por un italiano, sí tenían rasgos que nos acercaban a él y lo hacían creíble, en cambio Mickey Rourke, es un “niño lindo” (era), y aunque se esfuerza en parecer humilde y feo bajo la suciedad, no le queda, aunque se nota su trabajo profesional para ser tomado en serio en este rol de Santo; hace una correcta interpretación. Pero no puedo no dejar de mencionar que mantiene escenas de desnudos que sus fans amarán y menos se le tomará en serio como Santo.

Las actuaciones del resto son buenas, vestuario y maquillaje acorde a la época. La fotografía aporta mucho a la historia que nos cuenta, dando un ambiente más intimista y real, con una emotiva y escasa banda sonora.

En cuanto al guion, no queda claro las motivaciones reales de su actuar, ya que en ocasiones más parecía un hombre con sus facultades mentales perturbadas que un coherente hombre que vive un camino de cambio espiritual.

Para quienes no conocen la historia de este Santo, no les recomiendo esta película como para inmiscuirse en su vida, pues la edición es terriblemente deficiente, con saltos temporales inentendibles y, habiendo centenares de películas con saltos temporales que sí mantienen una continuidad lógica, esta no la tiene. Por lo que para principiantes que quieran ver una historia de Francisco de Asís, y no desmerecer el trabajo de esta gran directora, años después hizo otra película de Francisco, la cual es mucho mejor y más cautivadora.

Vidas de Santos son interesantes de ver, donde conocemos a personas que, de alguna forma, cambiaron su vida para otros, que internamente creían en algo más grande, y sin un interés oculto que casi todo ser humano tiene cuando predica las buenas intenciones.

Historias que nos invitan a ser mejores personas.

Disponible en primeVideo.

Ficha técnica

Dirección: Liliana Cavani
Guion Liliana Cavani y Roberta Mazoni
Música Vangelis
Fotografía Roger Deakins
Montaje Gabriella Cristiani
Vestuario Danilo Donati
Protagonistas Mickey Rourke, Helena Bonham Carter, Nikolaus Dutsch , Peter Berling, Fabio Bussotti
País: Italia y Alemania
Año: 1989
Idiomas: Italiano e Inglés
Género: Drama, religión.

Curiosidades en cuanto a la duración:
104 min (Alemania)
150 min (Italia)
133 min (Argentina)

miércoles, 2 de octubre de 2024

Lecciones de Química - Por Jackie O.

“Pasión por tus ideales”


En la década del 60´ una mujer profesional tiene un exitoso programa de televisión sobre cocina, ¿pero qué hace una experta, con vastos estudios en Química, en un programa de TV?

Para lo cual retrocedemos aproximadamente unos diez años, para conocerla a ella y su entorno, un entorno machista de la década del 50´, donde la mujer debía estar en casa al cuidado de los hijos, quehaceres hogareños y esperar a su marido con un coctel. Pero la señorita Zott no es esa típica mujer, ella es titulada de la Universidad como “Químico”, pero por ser mujer, solo por nacer con los cromosomas XX, debe optar, y dar gracias, por ser “técnico químico” y ayudante de los hombres que tienen el mismo título que ella, aunque algunos saben menos. Además, por ser mujer no puede optar a el grado de doctora, siendo que la Srta. Zott es la más inteligente del grupo de químicos, y esa frustración se le nota.

Hasta que un día, por accidente, conoce a otro destacado químico del lugar, el cual también es odiado por sus pares por su condición de apartarse de todos por diversos TOCS que mantiene, y además es la envidia por haber recibido una estimulante suma de dinero, que aportó para seguir con estudios en la Universidad donde se encuentran, por un trabajo realizado.

Así, ambas cabezas, las más deslumbrantes, se unen para realizar un estudio que a los dos casualmente los mantienen ocupados.

Por supuesto, y como es de suponer, nace el amor en estos dos personajes tan diferentes y parecidos a la vez. Pero un hecho lamentable los hará separarse.

Con los años, ella lucha con diversos prejuicios hasta ser despedida de su trabajo, pero por esas casualidades de la vida, llega a un programa de cocina, donde su estilo muy particular para presentar platos deliciosos, ya que es una excelente y muy cuidadosa cocinera, es de muy alta audiencia, demostrando que la química está en todos lados.

Estamos ante una miniserie muy adictiva, que al ver el primer capítulo no pararas hasta el último porque su trama es interesante, las actuaciones son muy buenas, y las historias que se van develando, a medida que avanza, son atrayentes. El guion es directo, no se da vueltas en situaciones que vayan desviando la atención, al contrario, las subtramas que se desarrollan están muy bien editadas, y sirven mucho para saltos temporales que vamos teniendo de vez en cuando; los tecnicismos y la realización de experimentos no la hacen nada tediosa para quienes no estamos inmersos en ese mundo y, es más, hay un capítulo medio Cifi que es muy bien incorporado con el perro llamado 6:30.

Las actuaciones, como señalé, de todos son realmente buenas, y la química de nuestros protagonistas se siente desde el primer momento.

La situación de la época, esto es, la marginalización de los afrodescendientes no es más que la de la mujer, sea esta de las clases sociales que sea, o su color de piel. La mujer se relega a labores de hogar o secretaria, pero una coqueta secretaria. Y en la trama vamos viendo esa discriminación por sexo, la lucha social de la época. Pero también resultan muy interesante las dinámicas que se van creando en torno a la fe y la ciencia.

También vemos cómo se desarrollan las diversas familias, y los lazos de amistad que se crean son temas tratados de forma muy atractiva.

Sobre vestuario, maquillaje y peinados, son bellos, muy acordes a la época, acompañados de una muy buena banda sonora.

Una historia muy bien hecha, que mezcla la química con la vida, y la cocina, donde los prejuicios, egos, mentiras y unión la hacen muy humana.

Porque en cada puerta que la ciencia abre, el ser humano puede encontrar a Dios.

Mantuvo diversas nominaciones, y premios como el Emmy a Artes creativas con la música.

Disponible en AppleTV.

Ficha técnica

Título original: Lessons in Chemistry.
Género Drama histórico
Basado en Lecciones de química de Bonnie Garmus
Desarrollado por Lee Eisenberg
Dirigido por Sarah Adina Smith, Bert & Bertie, Millicent Shelton y Tara Miele
Protagonista: Brie Larson, Lewis Pullman, Aja Naomi King, Stephanie Koenig, Patrick Walker
Música: Carlos Rafael Rivera
8 episodios. Año 2023

martes, 1 de octubre de 2024

Crónica Sangrienta - Por Carlos Correa Acuña

“Me gustaría que la presentadora Jeong Se-ra fuera quien anunciara mi muerte.” Eso le dice alguien, por teléfono, a Se-ra -Chun Woo-hee-, a cinco minutos que empiece una transmisión en vivo. La persona en la línea dice que la van a asesinar, pero Se-ra cree que solo se trata de una broma. La llamada la deja inquieta, sin embargo su madre, So-young -Lee Hye-young-, ve esto como una oportunidad de oro para que Se-ra se convierta en una reconocida figura.

Con decisión, Se-ra concurre a la casa de la informante y lo que encuentra allí la deja helada: los cuerpos de Mi-so y su hija. A partir de ese día, la imagen de Mi-so muerta la empieza a perseguir. Asimismo, en la escena del crimen, se encuentra con In-ho -Shin Ha-kyun-, quien es el psiquiatra de la víctima, por lo que no puede evitar sospechar cada vez más de él.

Premisa interesante la de esta película fechada el año 2022, escrita y dirigida por Jeong Ji-yeon. El sensacionalista título en español no la representa para nada y la saca de contexto, porque incluso podría traer consigo prejuicios negativos que impidan acceder a su contenido. Pero bueno, dejemos eso al marketing. Volviendo al trabajo fílmico, lo que primero destaca es el uso de las cámaras. Desde la secuencia inicial, observamos seguimientos lentos, tomas tanto estáticas como en movimiento, acercamientos paulatinos, y una edición comprimida que, junto con la banda sonora, logran crear sólidos ambientes de tensión. El suspenso se alarga. Con unos pocos elementos y varias incógnitas, el relato se va sumergiendo en climas atmosféricos que hacen desear más explicaciones.

Por supuesto, y porque es parte del género, hay sucesos que no se entienden, y que están entre lo paranormal y lo sicológico. No logramos saber si lo que vemos es real o producto de la imaginación de la protagonista. No sabemos pero vemos las consecuencias. Lentamente la película va tejiendo capas, separando líneas, y uniendo puntos para que podamos, poco a poco, armar el puzzle completo.

Bajo un envoltorio más bien grueso, la cinta intenta explorar de forma íntima las relaciones de la protagonista. La vemos con su mamá, la vemos en el trabajo, la vemos en la vinculación con sus pares. Las conexiones son complejas y su devenir, al menos extraño. También la vemos dudando del psiquiatra, y allí se introduce en otro ámbito que tiene que ver con la búsqueda de la propia identidad, la psiquis, el pasado, los roles y lo que significa una personalidad dañada.

La terapia parece ser una de las claves porque hay investigación detrás. No obstante, sumamos también un buen número de obsesiones y relaciones tóxicas que inundan el día a día de la joven presentadora de noticias. Es intricada la trama cuando se interna por ese camino, y se enreda más con laberintos mentales y gallitos presentes por todas partes. Surgen temas como, por ejemplo, el sacrificio personal por el cuidado de los hijos versus el desarrollo profesional. ¿Cuál es, entonces, la opción? Y esto es algo recurrente, constante, persistente.

“Aengkeo”, su título original y que se refiere a un presentador “ancla” de noticias, desarrolla bien este thriller gracias a la creación de escenarios convincentes y a las asociaciones que logra urdir en torno a ellos. Sus diferentes planos funcionan como mundos paralelos, algo así como diferentes niveles de comprensión y de acceso utilizados como recursos para poder construir el relato, y que nos permiten comprender mejor su forma. Lamentablemente el final se hace largo, tal vez se extiende mucho. Es cierto que resuelve lo que se plantea con anterioridad, pero se demora demasiado y parece pretender más de lo que finalmente llega a ser. Solo tengo ese reparo para una cinta que cumple bien con su objetivo y que deja resonando insistentemente una frase: “si no fuera por ti...”

Ficha técnica

Título original: Aengkeo
Año: 2022
Duración: 111 minutos
País: Corea del Sur
Compañías: About Film, DCG Plus. Distribuidora: Acemaker Movieworks, Insight Film
Género: Thriller. Intriga
Guion: Jeong Ji-yeon
Música: Jang Yeong-gyu
Fotografía: Kang Min-woo
Reparto: Chun Woo-hee, Shin Ha-kyun, Lee Hye-young,
Dirección: Jeong Ji-yeon

Terriefer, el origen - Por Jackie O.

"Comienza la pesadilla"


Damien Leone, especialista en maquillaje, se arriesgó el 2008 con su primer trabajo como director en un cortometraje con su personaje estrella, esa creación que hoy es el payaso más aterrador del momento: Art. El trabajo llevó como título "The 9th Circle". Desde ahí, ayudado de su arte en maquillaje y saber que le había dado en el clavo junto a su amigo Mike Giannelli, comenzaron las aventuras de este aterrador personaje que no habla, que no emite ruido alguno, que su falta de empatía y siniestra sonrisa realiza desmembramiento a todo a su paso.

Esta cinta toma de referencia ese cortometraje, en el sentido que una niñera cuida a dos preadolescentes la noche de Halloween, y dentro de la bolsa de dulces del muchacho encuentran un VHS, el cual los tres ven. Ahí muestran a este payaso en una estación de tren, que prácticamente es el corto debutante del director. La niñera, al ver esta historia sangrienta, manda a los jóvenes a dormir, pero ella se queda mirando el video completo donde hay dos historias más, todas con referencias a este payaso que mata a personas.
De las tres historias podríamos decir que la segunda, donde introduce a un extraterrestre, es la más débil, incluso no tiene sentido. Pero el final de la cinta toca la fibra aterradora.

Esta película es la típica slacher donde el factor principal es sangre a borbotones, un terror que sabe mantener el género pues el personaje es aterrador y grotesco. Las historias en que está dividida solo la primera y tercera vale el género, en todas el guión es básico, las actuaciones en su mayoría no son buenas. Pero acertó con el formato, pues pareciera una película de la década del 80', donde los efectos visuales y prácticos eran notorios y las actuaciones sobreactuadas le dan ese toque nostálgico.

En cuanto a temas valóricos, es difícil encontrarlos en este tipo de cintas donde lo que predomina es matar sin que haya incluso un motivo fundamental. En algunas nos muestra que debemos mantenernos en alerta de no salir solos en lugares apartados, o que no existan personas a quien efectuarles consultas de algo. Debemos entregarle siempre a alguien nuestro paradero, y ante cualquier amenaza recurrir a un tercero alertando.

El director se inspiró para este personaje en comediantes clásicos como Charlie Chaplin, y villanos de terror famosos como Freddy Krueger de Robert Englund, y Pennywise de Tim Curry, pero que su principal inspiración provino de las diversas representaciones del icónico supervillano Joker. Pero su toque principal y personal era un sujeto que no tuviera color ni habla.

Esta cinta se puede encontrar con el nombre de La víspera de Halloween o Payaso Siniestro, pero actualmente es TERRIFIER, el nombre con el que ha repuntado.

ART, pasó a la lista de personajes aterradores en la historia del cine.

Ficha técnica

Disponible en Prime Video
Título original: All Hallows' Eve
Dirección y guion: Damien Leone
Música: Noir Deco
Fotografía: Christopher Cafaro, C.J. Eadicicco, George Steuber,
Marvin Suarez
Protagonistas: Katie Maguire, Mike Giannelli, Catherine A. Callahan
2013. Terror.
EEUU. 83 minutos

lunes, 30 de septiembre de 2024

Hijas - Por Jackie O.

"Paternidad tras las rejas"


Sinopsis: Unas niñas proponen un baile especial entre padres e hijas, pero no es cualquier baile, sus padres están encarcelados por crimen que cometieron, y esto es una oportunidad como parte de un programa único en una prisión de Washington DC.

Cada país, o estado, tiene sus propias leyes y sistemas carcelarios. En esta oportunidad estamos en Washington, donde las visitas de familiares a los presos no se hacen, todo debe por fono, y pagado por los mismos familiares. Para algunos debe ser bueno, para que entiendan en el escarmiento; para otros, un atentado contra sus derechos humanos más básicos como el ser padre. Pero son las reglas.

Un día en un colegio se haría un baile de padres e hijas, pero una de estas niñas dijo que no podía, su padre estaba en la cárcel, así se corrió la voz, y cuatro niñas se unieron para que las ayudaran a crear este baile con sus padres encarcelados, por lo que se debatieron en diversos trámites, permisos varios, conversaciones con variadas personas, quienes podían ser aptos para este "premio", psicólogos, etc.

Así se creo este programa de paternidad, un baile, donde padres que no ven a sus hijas desde hace años volverían a abrazarlas. Niñas que no recordaban a sus padres, otras mayores algo los recuerdan. Se entrevistan a varias pequeñas, todas menores de edad, vemos y escuchamos a niñas de entre 5 a 16 años contarnos espontáneamente como sería ese encuentro. Vemos en la cárcel a estos padres vestidos de naranja en un grupo de apoyo, preparándose emocionalmente para el encuentro.

Hasta que llega el gran día.

Estanos ante un documental que puede generar diversas reacciones, algunos empatía por la emoción del reencuentro, y otros sentir nada, ya que deben cumplir su pena y no tener beneficios para que entiendan que no deben cometer delitos. Sea la opinión que sea, son válidas ambas. Pero todos necesitamos otra oportunidad y también el escarmiento.

En cuanto a su trabajo, la edición no fue constante y no la hacía interesante en su relato, siendo un trabajo en sí interesante.

Las entrevistas fueron buenas porque eran naturales, espontáneas ante la inocencia de estas chicas. Como las niñas que nos hacen saber cómo afecta la ausencia de su padre en sus vidas, con palabras simples y sinceras.

También se entrevista a algunos padres, y cómo algunos recaen una y otra vez en delitos, que nos hace pensar "¿esta actividad los hará reflexionar?".

Así también, vemos a madres cumplir los roles de mamá, papá y empleada para mantener un hogar.

Un documental con un buen tema para reflexionar, el cual pudo haber sido más impactante si se hubiera arriesgado a más, con más dureza y con más emocionalidad.

Queda en interesante.

Este trabajo se presentó en el Festiva de Sundance, en enero de 2024, y ganó el premio del público.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Daughters
Directoras: Natalie Rae y Angela Patton
Cinematography: Michael "Cambio" Fernandez
Edición: Troy Josiah Lewis y Adelina Bichis
Music: Kelsey Lu
2024. EEUU
107 minutos

sábado, 28 de septiembre de 2024

Robot Salvaje - Por Jackie O.

"El valor de ser familia"


Robot salvaje es una película animada basada en la serie de libros del mismo nombre de Peter Brown, el primero del año 2016.

Nos cuenta sobre Roz 7134, un robot diseñado para ayudar a los humanos con cualquier tarea.

Un día, este super robot llega a una isla que está en medio de la nada. Desafortunadamente no hay humanos, lo que deja a Roz sin "propósito". Sin entender nada del lugar, debe aprender de forma muy rápida los variados idiomas de las diversas especies animales de la isla, hasta que logra entenderlos; y luego de un incidente, logra salvar un huevo de ganso de un zorro llamado Fink. Y sin saber qué hacer, una comadreja le hace saber su actual maternidad. Roz finalmente tiene un propósito: ser la madre del ganso bebé y prepararlo para la próxima migración de invierno. Pero el pequeño ganso, llamado Brillo, a medida que crece, tiene problemas para encontrar su identidad y encajar en la bandada.

¿Podrá Roz, asumiendo este nuevo rol para ella, de madre, ayudar al pequeño Brillo a sobrevivir en un mundo lleno de depredadores, y que pueda encajar con el resto de su especie?.

Estamos ante una asombrosa película familiar, a la cual le lloverán las nominaciones en los próximos festivales, y por qué no, alguno que otro premio, pues su mensaje es acerca de variados temas, como la maternidad y la aceptación, de vivir en comunidad, y cómo debemos trabajar juntos, incluso con nuestros enemigos cuando nuestra supervivencia está en juego, siendo mensajes claros y potentes que nos involucran a todos, lo que la hace muy atemporal y disfrutable. Es algo que hay que visualizar.

La dividiremos en tres actos: el primer acto es conocer y aceptar, el segundo te inmiscuirá en el amor familiar y de amistad, y el tercero te tendrá atento ante la incertidumbre del futuro de sus integrantes, sus inspiradores actos de sacrificio y desenlace.

Una cinta con efectos de animación cálidos y atractivos, un guion al más estilo Ghibli para cautivar, que pasa de la ternura, a la comedia, al drama, y a veces con su toque de humor negro hace que no dejes de poner atención.

De forma muy inteligente, sabe mostrar ese lazo de amor maternal en medio de la adversidad que se puede generar entre seres distintos. Nos recuerda las familias actuales, esas fuera de las convencionales, y que antaño no eran aceptadas, esas donde no necesitas procrear para ser la mejor madre (o padre), que los amigos son un gran apoyo, y en donde nos enseña, además, a aceptarse a uno mismo y aprender a volar solo sin temor en la vida.

Una película recomendadísima.

Ficha técnica

The Wild Robot
Dirección y guion: Chris Sanders
Música: Kris Bowers
EE.UU. Año. 2024
Género: Ciencia ficción, aventuras, animación y drama
Productora: DreamWorks Animation

Robot Salvaje - Por Carlos Correa Acuña

DreamWorks Animation lo hace de nuevo. De la mano de Chris Sanders, quien también elabora el guion, nos presenta “The Wild Robot”, película animada basada en el libro del mismo nombre escrito por Peter Brown. La historia es tierna y emotiva. Comienza con el accidente de un transporte que lleva unidades robóticas de la empresa Universal Dynamics. Solo queda entera una de ellas, la 7134, pero en un entorno totalmente diferente a cualquier patrón programado, por lo que después de vanos intentos, decide forzar su modo “aprendizaje seguro”, y con ello desarrollar herramientas para poder comunicarse con la vida silvestre local.

En eso está, ensayo tras ensayo, error tras error, cuando, por casualidad, rompe un nido de ganso pero salva un huevo de las fauces de un pequeño zorro apodado Fink. Lo que viene a continuación sigue con el nacimiento de un polluelo -Brightbill- y un proceso continuo de experiencias y aprendizajes que remarcan los vínculos que se forman entre la unidad y la criatura, junto al acompañamiento, ya no como amenaza, del amigo Fink.

“Roz” es una máquina que está diseñada para hacer tareas básicas pero hay algo que sobresale en su concepto de servicio. Quiere ayudar siempre, estar al servicio de quien lo requiera, nada ve con maldad. Al contrario, es de una ingenuidad pasmosa, literal, de manual podríamos decir, por lo que cada situación adversa se suma como modelo de enseñanza. Hay una vocación especial en Roz, su deseo de mejorar, de poder ser útil y disponer de todas sus herramientas para cumplir cada uno de sus propósitos.

Estamos ante una bella fábula animada, una aventura llena de lecciones sobre la vida, sobre la convivencia, y también sobre la tolerancia. El punto central es la adaptación, quizá lo más difícil para los seres vivos, pero al mismo tiempo impensado para un robot que solo tiene algoritmos elaborados para optimizar su labor. Observar cómo se derriban los estereotipos y se ingresa a un terreno inexplorado descoloca, pero de una forma gradual, lo que permite empatizar con las situaciones y acompañar genuinamente el proceso.

No vale la pena adelantar nada de la historia, ni sobre los escenarios en los que transcurre la acción. Es necesario descubrir cada parte y seguir sus movimientos, para poder ingresar lentamente al significado de las conexiones de la mano de una figura tecnológica que, por momentos, tiene gestos más compasivos que los propios seres humanos.

Técnicamente sólida, la animación también está al servicio de la historia en su conjunto. Las voces en inglés son un lujo, con Lupita Nyong’o, Pedro Pascal y Kit Connor en los papeles principales, un gancho comercial, sin duda, pero también un regocijo para los oídos. La recreación de ambientes logra mezclar la modernidad del mundo robótico con la belleza de un entorno selvático, que funciona incluso mejor y más ordenado que cualquier otro ecosistema proyectado con otro tipo de patrones.

Qué importante es tener una buena historia. La premisa no solo es interesante, sino que además es muy actual. Estamos en una época marcada por la irrupción de la llamada “inteligencia artificial” y el creciente temor de la desnaturalización de las cosas y la deshumanización progresiva del mundo. Tenemos acá una forma lúdica de enfrentar algunas aristas del problema para provocar una reflexión transversal al respecto, que pueda ser comprendida por niños, adolescentes y adultos.

“Robot Salvaje” hace hincapié en lo fundamental de la existencia, en los vínculos, aquellos naturales y también en los que se generan por las condiciones especiales que se dan en diferentes entornos. Estas últimas conexiones no son espontáneas o automáticas. La mayoría de las veces deben ser buscadas y trabajadas adecuadamente para concretarse. Incluso los vínculos íntimos necesitan una buena cuota de decisión más que de emoción, porque bien sabemos que tal vez el desafío más difícil de los seres humanos, y probablemente su talón de Aquiles, viene a ser, justamente, la capacidad de relacionarnos con otras personas, construir lazos profundos y vincularnos con ellos emocional y afectivamente mientras somos capaces de adaptarnos a las circunstancias, sobrellevando situaciones adversas y escenarios complicados y difíciles.

Hermosa película, toda una revelación, recomendada para todas las generaciones. ¡No dejen de verla!

Ficha técnica

Título original: The Wild Robot
Año: 2024
Duración: 101 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: DreamWorks Animation, Universal Pictures. Productor: Dean DeBlois. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Animación. Ciencia ficción. Aventuras | Robots. Animales
Guion: Chris Sanders. Libro: Peter Brown
Música: Kris Bowers
Fotografía: Animación, Chris Stover
Dirección: Chris Sanders

viernes, 27 de septiembre de 2024

Gracias por Venir - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: Tras la muerte de su padre y enterarse que perderá la casa en donde él y su familia han vacacionado por más de 25 años, Nancho junto a su familia buscarán la manera de sabotear la venta y lucharán por no perder el lugar el cual les pertenece, donde han formado recuerdos y momentos inolvidables. Pero el apego y la porfía de Nancho llevará a la familia a tomar decisiones drásticas.


Esta película del director Taiyo Yamazaki tiene buenas ideas. Producida por Cine UDD (Universidad del Desarrollo), la cinta quiere “retratar una dinámica familiar en verano”, en palabras del propio realizador, quien añade que ademas su trabajo posee momentos de verdad y evoca mucho a la nostalgia.

En general son cámaras fijas las que plasman cada escena. Dejar quieto un cuadro, con un enfoque fijo, permite que los personajes entren y salgan con naturalidad, creando dinámicas que parecen no ser intervenidas por ninguna producción. Asimismo, estos marcos estáticos logran crear la sensación de una ventana, a través de la que podemos observar escenas completas, casi como contemplando una obra de teatro. Como recurso, funciona muy bien, sin embargo su constante repetición y ausencia de sentido en muchas secuencias, debilitan el principal efecto que pretende conseguir.

Los problemas se presentan con mayor agudeza en el guion, debido a la presencia de lugares comunes que se suceden unos tras otros. Es cierto, se filma lo cotidiano, pero son necesarias, a mi modo de ver, razones más poderosas para filmar un asado, mirar las estrellas, observar un juego, o el sencillo traslado a la playa por la bajada de un camino rústico, para entregar valor al relato. Es un fiel reflejo de las dinámicas, sí, pero ¿qué tanto aporta ver a personas tomando alcohol en exceso, jugando en la playa, bañándose alegremente, descolgando la ropa, comiendo, o durmiendo después de una borrachera, si a aquello no se le nutre de una línea conductora que desencadene en algo más?

Un aspecto ausente en esta película es el referido a los nudos de conflicto. Digo ausente, porque no es que no existan, porque lo que representa el problema central se ve y se siente claro, sin embargo no progresa en la medida que el metraje avanza. Lo anterior provoca una cierta planicie narrativa, que se acrecienta con una débil construcción de personajes que no logran configurar personalidades que podamos recordar posteriormente. Hay excepciones, sí, como la tierna menor, pero no es suficiente. Si a lo anterior le sumamos que técnicamente el audio es deficiente al encontrarse muy desequilibrados los sonidos respecto a los diálogos, el cuadro resulta complejo para una película con una prometedora premisa inicial.

En síntesis, y para no ser demasiado duro o enfático, “Gracias por venir” se siente como un proyecto experimental, un Cine de sensaciones y momentos que intenta ser diferente con elementos que conocemos, propuesta que, lamentablemente, se queda a medio camino en su desarrollo. Como aspectos positivos, sin duda, quisiera mencionar la intención fílmica, la confección de escenas, y su “estilo retrato”, acciones que intentan no interferir las tomas con cámaras intrusivas sino, por el contrario, permitir un desarrollo amplio en todo sentido.

Taiyo Yamazaki da un primer paso con algunos tropiezos. Posiblemente con más experiencia y más recursos, el director pueda dar un salto importante, porque se percibe el concepto y el talento que hay detrás. Muchas veces, lo sabemos, no es fácil llevar aquello a la práctica por múltiples razones. Entonces, la consigna es seguir trabajando, pues sin lugar a dudas, el que la sigue, la consigue.

Ficha técnica

Título: “Gracias por venir”
Duración: 72 minutos
Género: Ficción, drama
País: Chile
Compañía productora: Cine UDD
Producción: Nicolás Heimrich Morales, Abbril Ayala
Guion: Taiyo Yamazaki, Cristóbal Acevedo
Dirección de fotografía: Piero Bravo
Dirección de arte: Pedro Roca
Montaje: Antonia Quiroz Bruce
Sonido: Cristóbal Acevedo
Elenco: Daniel Candia, Alejandra Yañez, Igor Cantillana, América Navarro, Roberto Villena, Daniela Fredes, Alejandro Trejo
Director: Taiyo Yamazaki

Carnada - Por Juan Pablo Donoso

El título y el afiche adelantan el drama que nos espera.

Cuando el olfato de un tiburón le avisa que en el agua hay chapoteo, olor a sangre y orina, desde hace millones de años sabrá que hay comida para él. Por lo tanto, es inocente.

¿Serán culpables las cinco muchachas amigas que salieron a pasear en una lancha que se les hundió? Tampoco. Por lo tanto, fue un accidente.

¿Cuál es, entonces, el conflicto de esta involuntaria tragedia? Ninguno, ya que sus personajes carecen de un antagonista racional y responsable.

Luego, solo nos queda presenciar cómo el escualo se alimenta de las aterradas muchachas, una por una. En cuanto al naufragio, eso es todo.

En lo humano, con motivo de una próxima boda, hay un intento de reconciliar a dos amigas lesbianas que, tras un asalto homófobo de años atrás, se habían enemistado.

A fin de cuentas, ¿qué nos quiere decir esta película de bajo presupuesto y sangriento guion? Que las personas seguirán chapoteando felices en las playas, que los accidentes fortuitos ocurren, que los tiburones necesitan comer, y que las lesbianas también tienen derecho a casarse aprovechando una fastuosa ceremonia.

A diferencia de otras catástrofes donde el peligro proviene de elementos telúricos o animales irracionales, el conflicto proviene de algún antagonista humano (o humanoide) capaz de pensar y tomar torpes o perversas decisiones.

SUSPENSO Y MORBO COMERCIAL PARA VER EN TV A FALTA DE MEJORES OPCIONES. TRILLADA Y POCO NOVEDOSA.


Ficha técnica

Título Original: Something in the Water
2014 Suspenso, sobrevivencia - EE.UU., Francia, Inglaterra - 1,26 hrs. 
Fotografía: Niels Reedtz Johansen 
Edición: Pani Scott 
Música: Nainita Desai, Harry Peat 
Diseño Prod.: Claire Fleming Guion: Cat Clarke 
Actrices: Lauren Lyle, Hiftu Quasem, Natalie Mitson 
Dirección: Hayley Easton Street

jueves, 26 de septiembre de 2024

Carnada - Por Carlos Correa Acuña

¿Cuántas películas de tiburones atacando bañistas o náufragos hemos visto? Bastantes, ciertamente. “Algo en el agua” pareciera ser una más, pero ¿hay algo que la distinga y que merezca que le demos una oportunidad? Veamos.

Cinco amigas se reúnen en una paradisíaca isla. El motivo es celebrar la boda de una de ellas, por lo que el escenario resulta perfecto para compartir y divertirse. El tema es que dos de ellas llevan un año sin verse ni hablarse. Meg -Hiftu Quasem-, y Kayla -Natalie Mitson-, eran pareja hasta que un incidente grave las separó irremediablemente. Sus amigas, muy preocupadas, piensan que lo mejor es juntarlas para que puedan conversar y superar lo acontecido. El lugar promete ser ideal, y probablemente lo sea. La situación también, porque festejar el amor siempre viene bien. Sin embargo, el punto de inflexión viene por parte del descuido y también de la falta de previsión. Hacer un mini tour en una embarcación destartalada a una pequeño lugar desolado, sin señal de celular, y también aislado del mapa de protección del sector, configura un escenario que, con el correr de los minutos, se transforma en un verdadero suplicio. ¿Podrán sobrevivir? ¿Todas? ¿Cuántas de ellas? ¿Ninguna?

Como en todas las películas de este subgénero, la trama es bastante predecible, y sabemos desde ya varias cosas, como por ejemplo que hay tiburones en el agua. Por lo tanto, y no es spoiler ni nada que se parezca, tenemos claro que los escualos atacarán a nuestras protagonistas. Entonces las preguntas cambian. ¿Cuándo aparecerá el primero? ¿A quién atacará? ¿De qué forma? No voy a responder las interrogantes para dejar algo de suspenso, porque todo ello comienza pasados los veinte minutos de metraje.

Otro aspecto sobre el que nos preguntamos es el orden de los factores, es decir, quién va quedando en el camino y quiénes para el final. En este sentido, la película es lógica y sigue la premisa con la que introduce la historia sin innovar ni modificar nada, por tanto cumple perfectamente con lo esperable. Hasta ahora, manual de estilo seguido punto a punto, letra a letra.

¿Habrá algo más? Poco, muy poco, pero tratemos de sacarle punta a tres puntos que podrían darnos una pista y hacernos tomar una decisión. El primero, y mejor, es la filmación. Buen trabajo de Niels Reedtz Johansen para todas las escenas en el mar, verosímiles, creíbles, con una cámara en mano que se sumerge con las protagonistas y que da la sensación de estar en el mismo lugar. Segundo, el no abuso de los ataques y de las heridas. Aunque algo exageradas y poco creíbles, esas escenas están bastante acotadas, lo necesario para cumplir con la cuota de sangre y también con lo que mayormente pide la audiencia en una película de este tipo.

Dejo para el final el tercer punto, que es el eje de la historia, la relación de Meg con Kayla. Sin duda, eventos traumáticos suelen alejar a las parejas, pero también pueden ser un catalizador para unirlas con más fuerza. Algo de esto intenta tejer esta cinta, con escaso éxito eso sí, pero al menos lo propone. Si al comienzo vemos la introducción descolgada, en el tercio final observamos el correlato, y aunque debamos poner bastante de nuestra parte para intentar el rescate, al menos no nos quedamos totalmente con las manos vacías. Se percibe el deseo de no ser una película más, sino la de usar una excusa para dar cuenta que, finalmente, las relaciones no deben depender de eventos externos, sino que deben valorarse en sí mismas, como un largo continuo no exento de inconvenientes ni de problemas.

Ficha técnica

Título original: Something in the Water
Año: 2024
Duración: 86 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Studiocanal, Dan Films
Género: Thriller. Terror | Tiburones. Amistad. Bodas
Guion: Cat Clarke
Música: Nainita Desai, Harry Peat
Fotografía: Niels Reedtz Johansen
Reparto: Hiftu Quasem, Lauren Lyle, Natalie Mitson, Nicole Rieko Setsuko, Gabriel Prevost-Takahashi, Ellouise Shakespeare-Hart, Laura Costa
Dirección: Hayley Easton Street

Gracias por Venir - Por Jackie O.

“Lazos familiares”


Sinopsis: La trama gira en torno a Nancho, quien, tras el fallecimiento de su padre y recibir la noticia de que perderán la propiedad donde su familia ha vacacionado por más de 25 años, decide sabotear su venta. Donde el apego emocional de Nancho, los llevará a tomar decisiones drásticas para intentar salvarla.

La primera cinta de este joven director, nos trae una trama si mayores pretensiones, solo evocar con nostalgia lo que serían unas vacaciones de gente que no le importan las comodidades, sino que compartir en familia y mantener vivo los buenos recuerdos.

Nancho, su mujer, sus hijos y nieta, han viajado por 25 años a la playa, a la casa familiar, donde vive su padre, y este año no era diferente, salvo que estando todos juntos el abuelo muere. La situación provoca no solo la pena de la familia, sino que la angustia al enterarse que el tío de Nancho va a vender la propiedad, porque una inmobiliaria está dando buen dinero por todos los terrenos para construir un hotel. Pero Nancho y su familia se unen para, de alguna forma, hacer que el tío cambie de opinión y no venda, que va en agasajarlo con atenciones hasta llegar a la discusión.

La cinta nos lleva a un espacio familiar, vemos la cotidianidad de una familia muy común, de lenguaje y aspecto corriente, donde se ve una unión ya que comparten espacios, conversaciones y curiosamente, tan solo se menciona en una oportunidad un aparato tecnológico, ya que están totalmente alejados del teléfono, algo que hoy en día nos atrapa a todos. Solo disfrutan el momento de descanso en el sector playero. Pareciera una cinta ambientada hace muchos años, donde la fogata, el canto, los chistes, era la entretención, pero es actual, y eso nos invita a rememorar los buenos momentos en compartir.

También tenemos una dualidad que se vive mucho que es todos aquellos recuerdos que quieren que sigan prosperando en un terreno familiar, versus los avances inmobiliarios y el desprendimiento de lo material.

En cuanto a las actuaciones, estamos ante pocos actores, los mayores conocidos, y los jóvenes, nuevos talentos, lo cual hace que no sean del todo memorables. La ambientación es simple, pero cálida, se supo dar el toque hogareño y lo que se quiere reflejar con la cinta, que es lo familia y los recuerdos, con una agradable fotografía.

Una cinta simple, que nos lleva a enfocarnos en lo importante de la unión familiar, donde es bueno tener recuerdos, pero más que materialmente mantenerlos, es importante llevarlos en la mente y el corazón.

Ficha técnica

Título: “Gracias por venir”
Director: Taiyo Yamazaki
Género: Ficción, drama
Guion: Taiyo Yamazaki, Cristóbal Acevedo
72 minutos. Chile. 2024
Montaje: Antonia Quiroz Bruce
Sonido: Cristóbal Acevedo
Elenco: Daniel Candia, Alejandra Yañez, Igor Cantillana, América Navarro, Roberto Villena, Daniela Fredes, Alejandro Trejo