miércoles, 8 de junio de 2016

Heidi - Por Juan Pablo Donoso

Una joya de ternura y talento. Es difícil que algún espectador quede indiferente al verla.  

Las novelas HEIDI – 1 y 2 – de la autora suiza Johanna Spyri pertenecen a la literatura clásica del siglo 19. La profundidad y  sencillez con que tocan el corazón de los lectores, niños y adultos, las hicieron inmortales. 

Desde la década de los años 30 han sido llevadas al cine en más de 10 oportunidades, y siempre son un éxito. El primer registro data de 1937, y tuvo como protagonista a Shirley Temple. Hubo una bellísima versión alemana, en blanco y negro, en los años 50, que permanece olvidada en las antologías. Y luego, con el advenimiento de la televisión vinieron las series homónimas en dibujos animados japoneses, con las cuales crecieron, y disfrutaron, muchas generaciones. (“Abuelito dime tú…”).

Cuando ya parecieran agotadas tantas versiones a lo largo de los años, surge este filme suizo, dirigido por Alain Gsponer y  guión co escrito con  Petra Biondina Volpe. 

Escogieron los momentos principales del 1° Tomo de la novela, con los personajes esenciales, y lograron transmitir – en fondo y forma – la magia de su autora. Y se anuncia la 2ª Parte.

La historia es sencillísima, pero es tal la transparencia interior de sus personajes, la naturalidad de las situaciones, que la recreación de época y los comportamientos constituyen, con su sola exposición, un paradigma de psicología y pureza espiritual.    
La luminosidad de los paisajes alpinos, la reconstitución de calles en Frankfurt, el virtuosismo de los decorados, y el tratamiento lumínico de la fotografía de interiores evocan los más bellos cuadros flamencos.

Cada actor escogido fue un acierto, sobresaliendo la pequeña Anuk Steffen, que pareciera haber nacido para interpretar a la huerfanita Heidi. Y digno de mención es el consagrado actor Bruno Ganz (especialista en personajes siniestros o torvos del cine alemán), como el abuelo, demostrando  su capacidad de conmovernos desde la hosquedad de su carácter.

Por este relato desfilan las emociones básicas del alma humana: alegría, tristeza, ira, miedo, ternura  e, incluso en forma muy finamente sugerida, la sensualidad en su acepción más poética e inocente, en el encanto femenino de todas sus actrices, adultas y pequeñas.

A diferencia de un típico melodrama, aquí lo que desata nuestras lágrimas es la pureza y la ternura que nos va envolviendo; es la poderosa comunión entre personas, paisajes, animalitos, flores, y el inefable poder  de los sentimientos.       

UNA MARAVILLA EMOCIONAL PARA NIÑOS Y ADULTOS DE TODAS LAS EDADES.

Ficha técnica
   
Heidi
BFDistribution
106 minutos
Fotografía: Matthias Fleischer
Ambientación: Eva Stiebler
Vestuario: Anke Winkler                                                                                                        
Familiar
Alemania, Suiza
Guión: Petra Biondina Volpe
Actores: Anuk Steffen, Bruno Ganz, Isabelle Ortmann
Director: Alain Gsponer

miércoles, 25 de mayo de 2016

Free Love - Por Juan Pablo Donoso

Este caso fue verdadero. Sucedió en EE.UU. hace pocos años. Aunque de menos impacto emocional que sus antecesoras Love Story o Filadelfia, cumple con ajustarse a los hechos.

En el Condado de Ocean en New Jersey hay una brillante mujer policía, de edad madura, pero con inclinación homosexual. Conoce a una muchachita bastante menor con la cual inicia un romance que las unirá en un sincero y perdurable amor. Compran una casa y la condicionan para vivir juntas en ella por el resto de sus vidas.

Su condición de lesbianismo se soslaya con discreción entre sus camaradas debido a su enorme eficiencia profesional. 

El conflicto se desata cuando a Laurel Hester, la policía, le detectan tumores cancerosos en el pulmón y debe iniciar su quimioterapia. La enfermedad es rebelde y se propaga con velocidad. Ante la inminencia de su muerte, Hester desea legar su casa y bienes a favor de Stacie Andrée, su compañera, una sencilla obrera mecánica.

Más, aunque tuvieran un vínculo legal de compañerismo, la sucesión sólo era posible si existía un matrimonio oficial. De lo contrario, sus bienes pasarían al Estado. 

La principal oposición radicó en el Concejo del Condado. Sus regidores, pudiendo dictaminar una excepción  al reglamento, por razones de imagen política, y de prejuicios morales, se niegan tenazmente a conceder la solicitud.

Mientras Laurel Hester se agrava cada vez más, y gracias a la gestión de periodistas y abogados homosexuales, grandes grupos de vecinos se van uniendo a la campaña para presionar al municipio y a sus tenaces miembros.     

Así fue la epopeya de este caso, y de cómo los miembros de una comunidad pudieron, democráticamente, influir en un dilema social tan delicado.

Si bien la cinta emociona en determinados momentos, al parecer el propósito principal de sus realizadores fue dar a conocer esta hazaña, y sus implicancias futuras: el matrimonio igualitario.

Lo que prima en este relato son los méritos del amor sincero entre dos buenas personas, de compasión, de buen criterio ante dilemas jurídicos inevitables, y ni siquiera del matrimonio homosexual ya que Hester sólo pedía “igualdad” de derechos ante la ley. 

Ignoro si las espectadoras lesbianas aprobarán este tratamiento narrativo y hallarán inexactitudes o falsedades en la forma en que se presenta esta realidad.

El filme es ameno, empático, y como siempre Julianne Moore confirma su talento. Impresionan  por su natural carisma la joven actriz Ellen Page (Stacey) y por su calidez el actor Michael Shannon, como el policía compañero de Hester. .  
                   
CASO REAL DE UN  BELLO AMOR QUE DEBE  FRANQUEAR  LAS BARRERAS  DE  LOS  PREJUICIOS  MORALES  Y  DE  LOS HIPÓCRITAS  INTERESES  POLÍTICOS.   AMENA  Y  POCO PRETENCIOSA.  

Ficha técnica
   
Freeheld
Drama de amor y política
EE.UU.
103 minutos
Guión: Ron Nyswaner     
Actores: Julianne Moore, Ellen Page, Steve Carell, Michael Shannon,  Luke Grimes, Josh Charles
Director: Peter Sollett

El Capital Humano - Por Juan Pablo Donoso

Eficaz retrato social y familiar de un grupo de personas víctimas del lado oscuro del capitalismo contemporáneo.

Una noche alguien atropella,  y mata,  a un ciclista en un camino cerca de Milán, y escapa. Se inicia una investigación policial para hallar al culpable. Como el vehículo pertenece a una familia adinerada, vamos conociendo a los integrantes de ese grupo y los vínculos que los relacionan.

El relato se divide en 4 capítulos que llevan el nombre de distintos miembros de esas familias. Y al seguir sus pasos de esa noche – y también de los meses anteriores – nos enteramos de sus angustias, frustraciones, amoríos y, en general, de lo alienados que están por la competencia del estatus que da el dinero y la figuración social.

 Basada en una novela de Amidon, los guionistas y el director nos conducen por los vericuetos de esta madeja manteniendo nuestro interés gracias al diseño de los personajes;  son casi todos dignos de compasión, como prisioneros espirituales de un sistema socio/económico mal administrado y brutal con los anhelos más profundos de sus víctimas. 

De manera satírica se define aquí el “Capital Humano” como aquella estrategia que permite – gracias a la manipulación legal de expertos economistas – salir indemnes de crímenes personales y corrupciones de elegantes apariencias. 

Sólidas actuaciones y efectivo lenguaje audiovisual.

DOLOROSA  PUGNA  ENTRE  EL  DOLOR  EXISTENCIAL  DE  PERSONAS  FRENTE  AL  OROPEL  DE  UN  CAPITALISMO PERVERSAMENTE  CONCEBIDO.

Ficha técnica

Il Capitale Umano
Fotografía: Jerome Almeras (invierno), Simon Beaufils (verano), Música: Carlo Virzí
Drama familiar
Italia y Francia
111 minutos
Guión: Stefen Amidon (novela), Paolo Virzí, Fsco. Bruni, Fsco Piccolo 
Actores: Fabrizio Bentivoglio, Valeria Bruni Tedeschi, Fabrizio Gifuni, Valeria Golino
Director: Paolo Virzí

Fragmentos de Lucía - Por Carlos Correa

Búsqueda, viaje, movimiento continuo. Conceptos que se funden en uno en esta cinta del director y guionista chileno Jorge Yacoman, su segundo largometraje luego de “La comodidad de la distancia”.

Lucía -Javiera Díaz de Valdés- viaja de Santiago a Valparaíso. La razón no es evidente, algo busca. Más bien busca a alguien; alguien a quien no conoce, su madre. La confusión y los accidentes no tardan en llegar, así como también se hace presente la solidaridad y acogida en una ciudad porteña oscura y tan desgarrada como el alma de Lucía.

Yacoman maneja los tiempos del relato con bastante soltura. Sin prisa, filma primeros planos y seguimientos que entregan suspenso y un “ritmo especial” en palabras del propio director. Por su parte, Javiera Díaz de Valdés crea un personaje íntimo, poco descifrable, confuso y cuyas emociones están reprimidas hacia el exterior y al mismo tiempo que bullen en un plano interior lleno de interrogantes, dudas y contradicciones.

Es interesante descubrir y acompañar la cinta. Muchos detalles previos sobre este camino pueden generar prejuicios por lo que es recomendable no saber mucho de la historia pues el relato se encarga de ir componiéndola lentamente, generando una natural complicidad y cercanía con los desconocidos personajes.

En este drama psicológico, de comienzo a fin los elementos propuestos resultan muy interesantes y están bien retratados. No es fácil explorar la psiquis femenina, y menos retratarla. “Fragmentos de Lucía” es lo que su enunciado explícito señala. Son pequeñas partes de un universo mucho mayor que se avisora impredecible, incontrolable e indescifrable. Un ejercicio valiente y audaz, con actuaciones disímiles que sin embargo colaboran a lograr un resultado emocional que no es neutro. Un resultado que no tiene un final explícito, sino que deja abierta la puerta, permitiendo con ello desarrollar una reflexión posterior que puede ser tanto o más interesante que los fragmentos observados.

Ficha técnica

Distribuidor: Storyboard Media
País: Chile
Año: 2016
Duración: 89 minutos
Género: Drama
Calificación: Mayores de 14 años
Actores: Javiera Díaz de Valdés, Alejandro Sieveking, Pablo Schwarz
Director: Jorge Yacoman

viernes, 20 de mayo de 2016

Poveda - Por Carlos Correa

Esta película del director Español Pablo Moreno, relata la vida de Pedro Poveda, un sacerdote que irrumpe en el campo de la educación, impulsando y defendiendo la participación de las mujeres en los procesos formativos. Reconocido como sacerdote, pedagogo, humanista e innovador, Poveda fue canonizado por el Papa Juan Pablo II en el año 2003.

Raúl Escudero interpreta al carismático sacerdote quien comienza su ministerio en las Cuevas de Guadix (Granada). Tras su traslado a Covadonga (Asturias), Poveda impulsa un movimiento de mujeres que se transforma en el origen de la Institución Teresiana, junto a la joven Josefa Segovia -Elena Furiase-, primera mujer licenciada en educación de Jaén.

La cinta tiene un relato biográfico, un metraje clásico que retrata las últimas horas del sacerdote intercalado con los bloques más importantes de su vida, de su ministerio, sus iniciativas y naturalmente todas las objeciones que debió enfrentar para abrir caminos de permanente innovación y transformación.

“Poveda” es una película amable, con un guión sencillo y predecible. El ritmo cadencioso le permite al director imprimir un sello de temple y certeza en los 110 minutos de rodaje, aunque por momentos la tensión decae y el hilo dramático pierde el foco, distraído por detalles que lo apartan del centro de la historia.

Con pocos personajes secundarios desarrollados, la cinta se sostiene en su protagonista y en Pepita, lo que desdibuja el entorno del relato y caricaturiza a quienes le rodean. No obstante, Moreno logra contar la historia de manera limpia y sencilla, sin sobresaltos y también sin conmover demasiado.

Algunos ripios de producción (maquillaje exagerado y música evidente) le restan a la cinta una convicción mayor. La sensación de un plano constante, invariable y persistente, dota a la cinta de un tono similar, impidiendo al espectador incorporarse a la cinta para verla desde afuera, tomando distancia y observando todo como un hecho histórico.

A favor, “Poveda” tiene el valor de mostrar la vida de un Santo que cambió conceptos de educación y pastoral con los más marginados. En contra, una forma ya conocida, un relato más bien plano que deja fuera el involucrarse emocionalmente con los protagonistas.

En síntesis, tenemos una película de valor histórico, muy orientada a “las Teresianas”, y que merece un espacio de difusión por lo trascendente del mensaje de San Pedro Poveda Castroverde.

Ficha técnica

Título oficial: Poveda
Duración: 110 minutos
Género: Drama histórico, Biopic
País: España
Distribuidor: Goya Producciones & Proyectil
Distribución en Chile: Aerópago Comunicaciones
Actores: Raúl Escudero, Elena Furiase
Director: Pablo Moreno

jueves, 19 de mayo de 2016

La Reina de las Nieves 2, el espejo encantado - Por Juan Pablo Donoso

Tremenda producción rusa animada en Pixar (dibujos y figuras más corpóreas gracias a la computación). En los créditos finales aparecen más de 300 personas en la realización del filme. Es la continuación de la Reina de las Nieves (2012).

Los trolls, unas criaturas feas y peludas de grandes narices han logrado su libertad al derrotar a la perversa Reina de las Nieves. Uno de ellos, Orm, se ha convertido en héroe, pero es un mentiroso compulsivo. Aspira a casarse con la sobrina del rey, y para ello alardea con portentosas y falsas hazañas. Los héroes humanos del capítulo anterior, Gerda y sus compañeros, vienen en una carabela a rescatarlo a pesar de haber perdido confianza en su honestidad.

Los dibujos de la película son muy hermosos, en especial  los paisajes de fondo. La banda sonora es un potpourrí  de canciones populares ya consagradas. El relato tiene un ritmo frenético. Y todas las peripecias se resuelven en escasos 78 minutos - ¡afortunadamente!

Cabe preguntarse si es soportable para niños, e incluso para adultos. Es tal la combinación de raccontos, fantasías y persecuciones que al cabo de media hora el espectador pedirá secuencias de mayor reposo y ternura. Hay tantos personajes que la trama comienza a sentirse atiborrada y casi confusa. Muchos vienen de la 1ª parte e ignoramos sus antecedentes.

¿Para qué tipo de público se hizo esta carísima película de animación rusa? Inexpugnable para niños, temática algo distante para adolescentes, y extenuante para adultos. Lo sabremos con la respuesta de taquilla, al menos en nuestro país.

Poco importa que la última canción en español la interprete Denise Rozenthal, actriz chilena de fama internacional.

HERMOSA ANIMACIÓN VISUAL RUSA, RITMO ENDEMONIADO, PERSONAJES POCO FAMILIARES, Y ABRUMADORA PARA LA MAYORÍA DE NUESTROS ESPECTADORES.  

Ficha técnica

Snowqueen
BFDistribution 
Rusia
78 minutos                               
Animación, Aventura, Familiar                                                                                                                                                                                          
Guionistas: Roman Nepomnyashchiy, Vladimir Nikolaev     
Voces:  Anna Shurochkina, Ivan Okhlobystin, Anna Khilkevich
Director: Aleksey Tsitsilin  

lunes, 16 de mayo de 2016

Al final del túnel - Por Carlos Correa

120 minutos de suspenso bien construidos son el resultado de esta cinta dirigida por Rodrigo Grande. Son pocas las oportunidades de contar con relatos que mantengan la tensión, giren y avancen en diferentes direcciones y que capturen al espectador en una montaña rusa de incertidumbre, angustia y contradicción que no cede hasta el final del metraje.

Joaquín -Leonardo Sbaraglia- está en silla de ruedas. Tiene una casa grande y arrienda una pieza en el nivel superior. No conocemos su historia anterior pero la pesada carga que tiene se nota en cada mirada, gesto y acción. De la nada llega Berta -Clara Lago- con su hija Betty a preguntar por el arriendo y casi sin esperar respuesta decide mudarse de inmediato. Berta es bailarina de striptease, es preciosa y comienza a iluminar la casa y la vida de Joaquín. Lentamente se va configurando una relación especial entre ambos protagonistas. Joaquín ha descubierto que algo pasa en la casa del lado. Ruidos lo han alertado de trabajos secretos, la construcción de un túnel por parte de un grupo de ladrones con el fin de robar un banco cercano a la propiedad.

La historia principal es sencilla, sin embargo su forma, un sólido guión y actuaciones relevantes le entregan profundidad e intriga de alto vuelo. Hay química entre Berta y Joaquín. También ha secretos, un pasado trágico y un presente no menos complejo. Joaquín juega varios papeles y Berta también. No está clara su relación y en qué podría desencadenar.

“Al final del túnel” supera las expectativas. Produce complicidad y a la vez tomar distancia. La angustia del protagonista se traspasa al espectador y todo ello logrado en poco espacio, poca iluminación, casi sin exteriores y con varios pasajes carentes de diálogo; las imágenes hablan por si solas, con mucho guiño a “La ventana indiscreta”, cumbre del maestro del suspenso.

Excelente cinta de Rodrigo Grande. Una producción sólida, un relato convincente y unas actuaciones que se sitúan por sobre la media, dando cuenta de un cine Argentino maduro y siempre en alza.

Ficha técnica

Título original: Al final del túnel
Año: 2016
Duración: 120 minutos
País: Argentina
Guión: Rodrigo Grande
Fotografía: Félix Monti
Reparto: Leonardo Sbaraglia, Pablo Echarri, Clara Lago, Federico Luppi, Javier Godino, Daniel Fanego, Aura Garrido
Director: Rodrigo Grande

jueves, 12 de mayo de 2016

Al Final del Túnel - Por Juan Pablo Donoso

Un prolijo relato de suspenso que mantendrá cautivos a sus espectadores.

El joven director argentino Rodrigo Grande se esmeró por crear una atmósfera policial inquietante y a ratos siniestra. Pero es difícil a estas alturas de la historia del cine evitar la influencia de grandes realizadores  previos: Hitchcock (La Ventana Indiscreta), Dassin (Rififí), Tarantino (Los Odiosos Ocho), Brian de Palma  e, incluso en  ciertos  diálogos  vulgares, a Mario Monicelli (Los Desconocidos de Siempre). 
Pero lo valioso es que la historia y sus personajes mantienen el interés presentando algunos giros poco esperados.

Joaquín (Leonardo Sbaraglia) es un ingeniero electrónico parapléjico que vive solo con su perro enfermo en una enorme casa vieja. Llega como arrendataria una bailarina joven y atractiva (Clara Lago) con su pequeña hijita con trauma de mudez. El inválido descubre que un grupo de ladrones cavan un túnel bajo su casa para acceder a la bóveda de un banco vecino.

Espiarlos  con cámaras de vídeo y micrófonos será su obsesión. Al ver la brutalidad de los delincuentes  decide frustrarles  el robo inundándoles  el  túnel.

El primer tercio del filme se siente algo lento y largo por la introducción de los personajes. Hacia la segunda parte va creciendo la acción, las sorpresas y los peligros. Y en la tercera etapa se desata la violencia, la crueldad y la sangre. Como dijimos: Hitcock, Rififí y Tarantino.

Es una película cuidadosamente elaborada por su guionista y director; fotografiada e iluminada con preciosismo por Chango Monti, editada con ritmo y fluidez por Irene Blecua, y muy bien ambientada (en set) por  Eva García-Tapia Pradoux. 

Sbaraglia (Relatos Salvajes), como el parapléjico, tiene la oportunidad de desplegar diversos matices actorales; Pablo Echarri, quien también es productor, construye un despiadado y repugnante asesino; la española Clara Lago (Ocho Apellidos Vascos y Catalanes) administra sensualidad y, finalmente, el consagrado Federico Luppi aporta el aplomo de su oficio como el corrupto cerebro de toda la operación.

POLICIAL  QUE  ENTREGA  LOS INGREDIENTES  CLÁSICOS DE SUSPENSO CON  ATMÓSFERA  Y  EFICACIA.    

Ficha técnica

Argentina, España
120 minutos
2016
Misterio, suspenso, violencia
Fotografía: Felix “Chango” Monti
Edición: Irene Blecua
Escenografía:  Eva García-Tapia Pradoux
Actores: Leonardo Sbaraglia, Pablo Echarri, Clara Lago, Federico Luppi
Director y Guionista: Rodrigo Grande 

sábado, 7 de mayo de 2016

Día de la Madre - Por Juan Pablo Donoso

El tema central es la Madre de Hoy en la sociedad capitalista.

Comedia muy estadounidense en que varias familias se aprontan a celebrar, precisamente, el Día de la Madre. 

 Aunque cada grupo lo hará en sus respectivos hogares, todos están de alguna manera relacionados, ya sea por parentesco, vecindad, por ser amigos, o por simples coincidencias.

Con un extenso reparto de actores consagrados, de diversas edades, y otros nuevos, que incluyen niños y guaguas, van encarando las contingencias hogareñas de nuestros días.

Así hay matrimonios divorciados, padres viudos a cargo de hijas adolescentes, mujeres mediáticas famosas pero vacías de maternidad, abuelos que se oponen a cualquier forma de sincretismo pero que deben rendirse a los hechos consumados, hijos felices y normales de madres lesbianas, y una profusión de personajes secundarios y de graciosos accidentes cotidianos.

El mérito de esta comedia está en su complejo guión, tan hábilmente urdido. Mostrar tantas situaciones distintas pudo ser una madeja caótica y agotadora de seguir; pero sus autores nos llevan por el laberinto sin que perdamos el hilo ni se nos confundan los personajes.

El experto director Garry Marshall (Pretty Lady, Frankie y Johnny) supo mantener la claridad narrativa con fluidez y buen ritmo.

Y a pesar de muchas frases hechas y soluciones previsibles, gracias al humor seguimos el relato con simpatía y liviandad.

Llama la atención la extrema delgadez de Julia Roberts quien, teniendo pocas escenas, transmite con fuerza sus sentimientos. Conviene tener presente a ciertas jóvenes actrices que, sin duda, inician con esta comedia una promisoria carrera actoral (la hija adoptiva, por ejemplo).

SIMPÁTICA  COMEDIA  SOBRE  LA  MATERNIDAD CONTEPORÁNEA.     CONSIGUE  ENTRETENER.    

Ficha técnica

Mother´s Day
2016
Comedia familiar                                                                                                                                                            
EE.UU
118 minutos
BFDistribution
Guionistas:  Tom Hines, Lily Hollander, Anya Kochoff, Matthew Walker
Actores: Julia Roberts, Jennifer Aniston, Kate Hudson, Britt Robertson, Hilary Duff, Héctor Elizondo
Director: Gary Marshall

El Bosque Siniestro - Por Juan Pablo Donoso

Pudo ser una interesante película de tema paranormal. Pero como suele ocurrir con el afán de comercialización, especialmente cuando está Japón de por medio, se arruinan  bellas ideas con sensacionalismo innecesario.

En EE.UU. hay un par de gemelas. Nacieron con una fuerte comunicación extrasensorial. Una de ellas, la más aventurera, viaja a Japón y visita el legendario parque Aokigahara, llamado también el Bosque de los Suicidas, ubicado al pie del monte Fuji.

Al poco tiempo la hermana que permaneció en EE.UU. tiene un fuerte presentimiento: algo malo le sucede a su gemela. Y viaja al oeste de Tokio en busca de Jessica.

Acompañada de un atractivo periodista australiano y un guía nipón se internan en el espeso bosque. Ella, Sara, presiente que su hermana está viva y necesita ayuda. Y ahí comienzan las torpezas, las imprudencias y los terrores gratuitos. 

Si guionistas y director se hubieran mantenido en la línea de las premoniciones, la atmósfera de misterio habría sido poderosa por mezclar de manera lógica la realidad con lo sobrenatural. Pero sucumbieron a los “screamers” (súbitas imágenes horribles y sonidos estridentes) abaratando una idea que prometía interés al comienzo.

La actriz inglesa Natalie Dormer (Game of  Thrones y varias más) en su doble rol de gemela, lleva su personaje con la mejor intención; pero el relato va perdiendo verosimilitud hasta terminar en un franco disparate.     

TRUCULENCIA  FACILISTA  QUE  PUDO  SER  UN INTERESANTE  DRAMA  PARASICOLÓGICO.

Ficha técnica

The Forrest
2016
Terror, misterio, suspenso
EE.UU., Japón
93 minutos
Diamond Films Chile
Guionistas: Nick Antosca, Sarah Cornwell, Ben Ketai
Actores: Natalie Dormer, Taylor Kinney, Eoin Macken, Stephanie Vogt
Director: Jason Zada

sábado, 16 de abril de 2016

PK - Por Juan Pablo Donoso

Es de las buenas películas de Bollywood (India). Pero aún puede resultar extraña para nuestro público.
Aunque desde hace más de 60 años la industria cinematográfica de la India sigue siendo la más abundante, nunca ha logrado imponerse en el mercado occidental. 

Y las causas son comprensibles:                                                                
1) sus historias, sencillas y sentimentales, suelen ser desmesuradamente largas;                                                                                                                                      2) sus argumentos tocan varios temas paralelos y con muchos personajes (rasgo más propio de  teleseries que de filmes unitarios);                                                           
 3) aunque sea comedia, drama o tragedia, en varios momentos del relato sus personajes comienzan a cantar y bailar, con exuberantes coreografías, bellas voces, ritmos alegres y contagiosos. Cada producto de Bollywood tiene, por lo menos, 6 canciones y danzas completas intercaladas. 

Este filme, PK, uno de los más exitosos de los últimos tiempos, además de lucir una costosa producción, ambientada en Bélgica y diversas ciudades de India, revela un guión mordaz y una temática espiritual profunda y provocativa: la necesidad dolorosa de hallar alguna religión verdadera, sin contaminaciones espurias, comerciales, o desvergonzadamente publicitarias. Es decir, busca un culto religioso que auténtica, y honestamente, pueda ligarse a Dios sin intermediarios egocéntricos, ni traficantes de la fe.

Desde otra galaxia envían a la Tierra a un alienígena para investigar nuestra forma de vida. Lo dejan solo en un desierto, desnudo y con sólo una esmeralda colgada al cuello. Ese medallón será el contacto con su planeta. Pero un ladrón se lo roba y escapa. El alienígena a quien llamarán PK es ingenuo y ni siquiera sabe hablar el lenguaje de los humanos (Aamir Khan). Tocando las manos de una prostituta aprende por telepatía a comunicarse con las personas. De ahí en adelante su afán será recuperar la esmeralda para regresar a su mundo. En su búsqueda conoce a una joven periodista de TV quien recién tuvo una desilusión amorosa. Ella descubre a PK, lo convertirá en motivo de un reportaje y se harán muy amigos.   

El pequeño e indefenso PK se enfrentará con innumerables contrasentidos a la lógica y al sentido común de nuestra sociedad. Pero su principal desconcierto radicará en la forma en que los humanos conciben a Dios y se relacionan con Él. Estos choques con nuestra forma de vivir le dan el carácter de comedia a la película, y también su tono liviano y musical. Pero en todo momento subyacen las “preguntas” espirituales con que nuestro  inocente  alienígena pone en jaque a nuestras diversas culturas: ¿En cuál Dios debo creer? Uds. dicen que hay un solo Dios, pero yo veo que hay dos: uno que es el Creador, y el otro es el que uds.se han inventado y en cuyo nombre pontifican para sus propias conveniencias egoístas y crueles con los más desposeídos.

En todas sus películas el director y guionista Rajkumar Hirani (3 Idiotas, Munna Bhai) toca temas críticos de nuestra sociedad; pero siempre lo hace por medio del sarcasmo humorístico, revestido de sencillas historias de amor y salpicando sus aguijonazos con bellas y alegras canciones y bailes.

INTELIGENTE  Y  GRACIOSO FILME  DE  LA  INDIA  (BOLLYWOOD) QUE CUESTIONA  LOS  CIMIENTOS  DE NUESTROS VALORES CULTURALES. MAS   PROFUNDO  DE  LO QUE  PARECE.

Ficha técnica

PK
País: India
Año: 2014
Distribuidor: Cinetopia
Duración: 153 minutos
Calificación: Todo espectador
Género: Comedia, ciencia ficción
Elenco: Aamir Khan, Anushka Sharma, Sanjay Dutt
Director: Rajkumar Hirani

Norm y los Invencibles - Por Juan Pablo Donoso

A veces las películas con este tipo de animación se tornan largas, complejas, con demasiados personajes y algo cansadoras. Este filme está plenamente logrado: es entretenido, tiene la duración precisa, inspira humor y ternura, y su argumento es inteligente y muy bien tramado.

Su protagonista es un oso polar llamado Norm. Es torpe y tiene un corazón demasiado compasivo: en vez de comerse a las focas, las arrulla y protege. En el Ártico hay una sociedad perfectamente organizada: un sabio Abuelo Oso, un Pájaro Psicoanalista, ositas hermosas y coquetas que buscan marido, y una población enorme de diminutos castores llamados “lemmings” que por carecer de huesos, aunque sean aplastados, se recomponen de inmediato. 

Son todos ecológicamente felices hasta enterarse de que en EE.UU. desean urbanizar el Polo Norte y convertirlo en un centro turístico con fines comerciales. Una publicista, al descubrir a Norm ve en él a un estupendo modelo para hacer propaganda. Lo capturan y llevan a Nueva York como “mascota símbolo” para urbanizar el Ártico. 

Pero Norm, y sus amiguitos “lemmings” siguen la corriente del marketing con el propósito – ya en N.Y. – de boicotear la campaña y disuadir a los inversionistas codiciosos. 

Las escenas en que convivimos con los personajes del norte son graciosas y atractivas. Luego, las aventuras de Norm en EE.UU. junto a sus amiguitos indestructibles, enfrentando al codicioso empresario y a las corporaciones capitalistas, darán lugar a graciosas e inesperadas aventuras.

Tanto niños como adultos disfrutarán de este filme por su inteligente narrativa, y por su hermoso e indiscutible mensaje ecológico.

UNA EXCELENTE COMEDIA DE ANIMACIÓN, CUYO LOGRADO ARGUMENTO ENTREGA HUMOR, TERNURA Y ECOLOGÍA. MUY BUENA.  

Ficha técnica

2016
Animación, aventura, comedia                                                                   
India y EE.UU.
86 minutos                                                                        
BJDistribution
Voces: Rob Schneider, Heather Graham, Bill Nighy, Ken Jeong
Director: Trevor Wall           

lunes, 11 de abril de 2016

Londres bajo fuego - Por Juan Pablo Donoso

Con US$ 60.000.000 de presupuesto cualquier aventura de matinée se convierte en superproducción espectacular.

El incidente de esta historia pudo tener la profundidad e inteligencia de otros magníficos filmes como El Día del Chacal o incluso Estado de Sitio. Pero optaron por una gesta de héroes buenos y terroristas malos, muy malos.

Los paladines son el Pdte. De EE.UU. (Aaron Eckhart) y su Jefe de Seguridad, amigo y guardaespaldas (Gerard Butler). Los malos son una red de terroristas islámicos dispuestos, por venganza, a desatar la 3ª Guerra Mundial urbana. Para ello infiltran a miles de mercenarios en todas las organizaciones de Inteligencia de Occidente.

El gran golpe lo dan cuando fallece el Primer Ministro de Inglaterra durante una operación a la rodilla. Los presidentes de casi todos los países asistirán a los funerales. Entonces, para esa ceremonia, los terroristas de Medio Oriente bombardean y detonan los principales edificios y monumentos de Londres. Falsos policías atacan con ametralladores y granadas a cuanto mandatario encuentran, además de civiles a granel. El resto se concentra en la sobrevivencia milagrosa del Pdte. de EE.UU. y de su guardaespaldas.

Grandiosas persecuciones en auto por las calles, explosiones, edificios que se derrumban, y una ciudad demolida como después de una catástrofe mundial.

El guardaespaldas – campeón imbatible de artes marciales y armamentos – y el Pdte., también entrenado para enfrentar a miles de sicarios, serán los héroes de esta epopeya absolutamente inverosímil. ¿Hay algún burdo mensaje de propaganda política? 

Para colmo, el despiadado cabecilla terrorista, después de todos los golpes y patadas que recibe, logra escapar. Todo listo para la 2ª parte. 
                                                                                                                             
A  CHAUCHA  EL  MUERTO EN  UN  CLICHÉ  DE  ACCIÓN DESCARADAMENTE  COMERCIAL.

Ficha técnica
                                                                        
London has Fallen
Acción, crimen, suspenso                                                                                                                              
EE.UU.
Inglaterra, Bulgaria
99 minutos
Guionistas: Creighton Rothenberger, Katrin Benedikt
Actores: Gerard Butler, Aaron Eckhart, Morgan Freeman 
Director: Babak Najafti

jueves, 7 de abril de 2016

Enemigo Invisible - Por Juan Pablo Donoso

Nos mantendrá en el borde del asiento durante toda la proyección. 

Se estrena en un momento de gran actualidad internacional: el multi-ataque terrorista en Bélgica… y los que pueden venir.
Los realizadores Gavin Hood y el guionista Guy Hibbert plantean varios temas de gran importancia en nuestros días y los coordinan con maestría. 

Los factores en juego son la toma urgente de DECISIONES, el TERRORISMO inminente, el ESPIONAJE TECNOLÓGICO, y el dilema POLÍTICO y MILITAR ante la inminencia de sacrificar vidas humanas inocentes.   

Un caso que invita a una profunda reflexión y que, a la vez, nos hace sentir impotentes ante la magnitud de estos dilemas contemporáneos. 

Los organismos de inteligencia de varios países se enteran que un grupo de terroristas (suicidas) en Nairobi, Kenia, se apronta para dar un golpe explosivo que matará a cientos de civiles. 

Los altos oficiales británicos (Helen Mirren y Alan Rickman) a cargo de la operación, tienen el plan táctico para capturarlos vivos mientras celebran una reunión antes de proceder.

Para ello, además de las fuerzas de apoyo para rodear la central de operaciones, cuentan con visión satelital, un sistema de aviones teledirigidos y un dron tan pequeño que, simulando un moscardón, puede entrar a la casa y espiar a los integrantes de la célula terrorista. 

Y es ahí cuando se enteran que los suicidas ya se están revistiendo con chalecos explosivos para salir de inmediato a inmolarse en público. 

Habrá que bombardear la casa desde el aire y evitar que salgan. Pero tratándose de otro país el bombardeo traerá consecuencias de política internacional. Se necesita la aprobación de altos funcionarios gubernamentales, dispersos por diversos lugares de Europa, para dar su aprobación al ataque. 

Los minutos corren, hay discusiones diplomáticas en el Concejo  y faltan las aprobaciones oficiales. 

Cuando estas por fin llegan, y la operación podría realizarse, surge el peor dilema: junto a la casa que explotará destruyendo muchos metros a la redonda del vecindario, se instala una niñita de origen humilde a vender pan a los transeúntes. Lanzar el misil significará pulverizarla a ella también. 

Mientras corre la cuenta regresiva del misil que caerá sobre la casa, harán todo lo posible por sacar a la pequeña de ahí sin despertar sospechas a los soldados islámicos que custodian el área.

La tensión de los oficiales y políticos a cargo del operativo, sus dilemas humanitarios versus militares, se nos transmiten a los espectadores con desgarradora empatía. Es uno de los impases donde lo humanitario y lo profesional parecieran jamás coincidir.

Una vez tomadas las decisiones y consumado el operativo, quedará incrustada para siempre en la conciencia de todas aquellas autoridades, políticas y militares, la frase final del general Frank Benson:  "Never tell a soldier he doesn't know the cost of war." “Nunca le digan a un soldado que desconoce el costo (doloroso) de una guerra”. 

En los créditos finales se rinde un homenaje a la memoria del actor Alan Rickman que falleció poco después de filmarla.

UNO  DE  LOS  MEJORES  FILMES  DE  SUSPENSO  DE  LOS ÚLTIMOS  TIEMPOS.  INTELIGENCIA, TALENTO NARRATIVO    Y  SENSIBILIDAD  MORAL.   ESTUPENDA.

Ficha técnica

Eye in the Sky  (Espías desde el Cielo)
BFDistribution
Inglaterra
102 minutos
2015
Drama, Suspenso, Guerra, Tecnología
Guionista: Guy Hibbert
Fotografía: Haris Zambarloukos
Edición: Megan Gill
Actores: Alan Rickman,  Aaron Paul, Helen Mirren

Director: Gavin Hood

Buenas Noches Mamá - Por Juan Pablo Donoso

Un filme austríaco de terror cuyo argumento incursiona por zonas misteriosas de una vida familiar. 

Bella fotografía, cuidadosa selección de colores, luces y sombras, actores infantiles muy bien escogidos, y una atmósfera que mantiene suspenso hasta el final.

Los realizadores tuvieron el buen gusto de evitar “screamers” (estruendos súbitos de imágenes monstruosas); por el contrario, partiendo de la grata cotidianeidad de juegos infantiles, van surgiendo enigmas silenciosos que comienzan, gradualmente, a perturbar la normalidad de ese hogar. 

Los personajes principales se reducen a tres: un par de mellizos preadolescentes, y su madre. Los pocos secundarios sólo aportan breves escenas de apoyo.

En una acomodada casa de campo, durante el verano, unos gemelos viviendo solos, esperan el regreso de su madre que está en la clínica. Ella vuelve con el rostro vendado tras una cirugía plástica.

Lo que debió ser alegría por su retorno se convierte en una pesadilla para los niños. La mujer viene con el carácter alterado,  severa, cruel, poco amorosa. Exige tranquilidad para recuperarse. En las noches practica insólitos rituales desnuda en el bosque. Los niños comienzan a dudar que esa mujer sea la verdadera madre.

Durante el resto de la trama intentarán descubrir la identidad de esta extraña persona. Paso a paso se irá transformando en la enemiga que los pone en peligro, y a quien hay que derrotar.

Van surgiendo en ellos también instintos primitivos de ferocidad y sadismo.    

El pulso del relato fílmico es firme y controlado. El ascenso incrementa el misterio. Los niños cada vez se aíslan más y construyen un mundo propio. Hay que descubrir, como sea, quién es la mujer tras los vendajes que suplanta a su querida mamá.

Si bien solidarizamos con los gemelos en el doloroso dilema que están viviendo, los realizadores nos entregan claves desconcertantes: ¿qué significan los borrosos cuadros de las paredes? ¿Son los gemelos mismos quienes creen ser? 
Tras la odiosa llegada de esta “madre” la historia de los hermanitos va revelando aspectos previos aún más siniestros de esa familia. 

Aunque sea válido dejar un final abierto, deja la sensación de algo poco resuelto como anécdota en general.

FINA REALIZACIÓN AUSTRÍACA PARA UN RELATO DE MISTERIO Y SADISMO

Ficha técnica

Good Night Mommy
2014
Fotografía:  Martin Gschlacht                                                                 
Misterio, terror                                                                                                                                
Austria – 99 minutos                                                                                       
Elegida como una de las 10 mejores películas del año 2015 por la revista Rolling Stone
Actores: Susanne Wuest, Lukas Schwarz, Elias Schwarz     
Directores: Severin Fiala, Veronika Franz