Detective María Kallio - Por Jackie O.

"Crimen en frio"

Es una adaptación de las novelas policiacas finlandesas de Leena Lehtolainen, centradas en la detective Maria Kallio, quien investiga crímenes violentos en Helsinki.

María tiene treinta y tantos, egresó de derecho, pero no está lista aún para dar su examen final y titularse, por lo que se pone a trabajar de policía. Tiene una mente viva y es muy deductiva, ganándose rápidamente el respeto de sus colegas y superiores. Es una mujer honesta, seguidora de las normas. Y cuando un jefe de la unidad de homicidios comete errores, ya que su actuar cotidiano no es muy recto, ella queda a cargo de su propio escuadrón para dirigirlo. Y esta unidad la compone además, una veiteañera y guapa detective, un guapo detective de la edad de María con el cual, con el tiempo, comienzan a ser muy cercanos; y un experto en informática. Los cuatro deben ver diferentes tipos de delitos que nos muestras las costumbres y leyes de Finlandia.

Cada capítulo es un crimen diferente. Ahí vemos la unión de estos cuatro personajes, también como es típico, conocemos sus vidas, que muchas veces se traduce a casi el mayor tiempo en el trabajo y poco tiempo dedicado para ellos, lo que hace que la cercanía sea mayor. Y eso le pasa a María con su compañero, comienzan a confundirse. Pero es peor cuando María conoce a un científico y comienza una relación con él, confundiendo, a veces, sus sentimientos.
De a poco, su vida personal se comienza a complicar cuando siente que a sus treinta y tantos, ya le pesa el trabajo, la familia, la titulación y el amor. Y debe equilibrar todo.

Los capítulos son interesante porque, como señalé, muestra la vida finlandesa. Son casos diversos donde, por supuesto, hay un muerto y se debe escudriñar sobre la vida de muchos. Pero es muy precipitado el final de cada caso, se investiga mucho y se descubre al culpable en los minutos finales de forma muy rápida, por lo que le faltó llevarnos a la tensión del desenlace.
Los personajes son fríos como los parajes, con buenas actuaciones.

Serie que habla de hacer justicia, sobre el deber, el estrés laboral, abandonarse como persona por no dejar el trabajo, la falta de recursos estatales, el apoyo entre colegas, la familia, la vida en el presente y cómo puede afectar el futuro.

Serie que ya tiene disponible su temporada 2 para ver.

Disponible en Cindie (Movistar)

Ficha técnica

Director: Jojo Erholtz
2021. Finlandia
45 min. 10 capítulos
Guion: Eriikka Etholén-Paju y Leena Lehtolainen
Fotografía: Hannu-Pekka Vitikainen
Protagonistas: Elena Leeve , Leo Sjöman ,Markus Jarvenpaa , Roosa Soderholm , Alex Anton ,Pätkis Beaktas, Carl-Kristian Rundman.

Amor en la Gran Ciudad - Por Carlos Correa Acuña

Toda una sorpresa. Sin conocer mayores detalles, me esperaba una de esas típicas películas románticas “chica conoce chico”, y vaya que errado estaba. “Amor en la Gran Ciudad” es bastante distinta, veamos por qué.

Esta cinta, basada en el primer relato de la novela homónima escrita por Park Sang-young, gira en torno a dos jóvenes, Jae-hee -Kim Go-eun-, y Heung-soo -Noh Sang-hyun-, dos seres tan distintos como el agua y el aceite. Remarcando sus personalidades opuestas, Jae-hee es libre y espontánea, no teme ser como es y le da lo mismo lo que el resto piense de ella. Transita con total desparpajo y eso es lo que cuenta: vivir la vida a concho. Heung-soo, por su parte, es todo lo contrario. Tremendamente reservado, al borde de una timidez paralizante, oculta su homosexualidad como el tesoro más cuidado. Ni siquiera sus más cercanos lo saben, incluyendo a su madre, a quien profesa un temor inconfesable.

Así las cosas, ¿qué es lo que lleva a estos jóvenes a trabar amistad y convertirse en mejores amigos, inseparables compañeros de rumbo? La imagen inicial de la película puede confundirnos un poco: ella vestida de novia, fumando en una terraza y él acercándose lentamente. Es cierto, partimos por el final, sin embargo el recorrido es largo para poder comprender el verdadero significado de esa apertura.

Sorpresa, mencioné al inicio de estas líneas. Claro. Y no es que carezca de romance, pero uno distinto al que habríamos esperado de entrada. ¿Drama? Por supuesto, a raudales, y en temáticas de complejo tratamiento, sobre todo al interior de una cultura diferente en la que algunas situaciones de Occidente no se encuentran normalizadas. ¿Comedia? También, con buenas dosis de humor que alivianan de forma natural algunas secuencias con alta carga emocional.

La pareja protagónica posee una química muy agradable. Muy bien llevados por la directora Lee Eon-hee, ambos actores son capaces de entregar a sus personajes rasgos distintivos con mínimas gestualidades. Se complementan tan bien que por momentos parecen hermanos, por el grado de cariño y acogida que logran transmitirse mutuamente.

Uno tras otro, los temas atraviesan cada minuto del metraje. La diversidad de estudiantes, la rebeldía, el atrevimiento, la censura, el conservadurismo, la protección de las tradiciones, el machismo imperante, la descalificación a priori y la búsqueda de la propia identidad, van cruzando cada situación cotidiana, algunas llenas de conflicto y otras más livianas, con la frescura y naturalidad de una juventud que quiere abrirse paso y romper con ciertos moldes preestablecidos.

“Love in the Big City” adopta un enfoque distinto para narrar un tema ya explorado en otras películas. De hecho, la explícita mención al filme “Llámame por tu nombre”, de Luca Guadagnino, no es antojadiza. Aunque añadida a la película -no está en el texto original de la novela-, intenta hacer una conexión respecto a la dificultad que vive el protagonista para hacer pública su condición. Ese nudo de conflicto, permanente y transversal, es tal vez el foco central de un relato que nos lleva de la mano a través de los edificios y calles de una ciudad de Seúl cada vez más diversa y cosmopolita.

Ficha técnica

Título original: Love in the Big City
Año: 2024
Duración: 118 minutos
País: Corea del Sur
Compañías: Megabox Plus M
Género: Drama. Romance
Reparto: Kim Go-eun, Noh Sang-hyun
Dirección: Lee Eon-hee

Amor en la Gran Ciudad - Por Jackie O.

“Lazos indestructibles”

Basada en la novela “Love in the Big City”, de Park Sang-young.

Estamos ante una cinta sobre la relación, a lo largo de trece años, entre Jae-hee y Heung-soo, mientras comparten su propia historia de amor.

Jae-hee es una joven que vive el día a día y no le importa el que dirán, es desinhibida y rebelde, mientras Heung-soo es cauteloso con su vida privada, prudente y solitario. Ambos estudian en la misma universidad, cada quien por su lado, hasta que uno de ellos protege al otro de una situación incómoda, volviéndose desde ese día inseparables.

¿Pero, hasta dónde llegará esa unión?

Vemos la cotidianidad de la juventud de la época de acuerdo con la condición social, económica y reglas de Seúl. Como cada año pasa y lo que les genera a ellos la universidad y el destino que deciden tomar fuera de ella a medida que van creciendo con sus problemáticas, los acompañamos. Ambos son muy diferentes en todos los aspectos, pero tienen un lazo invisible que los mantiene unidos: el amor.

La trama no se limita solo a relaciones amorosas, sino que también aborda relaciones de amistad, el bullying, la vida estudiantil, la soledad, la vida laboral y con familiares, revelando los aspectos complejos de cada personaje. El amor y la amistad es afrontado desde una perspectiva muy humana y que se va fortaleciendo cada año.

Los protagonistas son muy carismáticos y creíbles en sus actos, nos conmueven al punto de querer estar con ellos para consolarlos. El guion, muy adaptado a la novela (hay una serie que tal vez sea más fiel al libro y aborde temas que faltaron en esta cinta) está muy bien desarrollado para involucrarnos, ya que somos parte de su historia. Los temas abordados son tantos, porque es parte de la vida de muchos. Quién no ha vivido el amor, la amistad, la soledad, los temores, el maltrato, la comprensión, la deslealtad o el miedo al que dirán. Tiene, además, una buena edición.

La banda sonora acompaña muy bien esta historia.

Una cinta coreana diferente y muy amena, que nos hará sentir bien, ya que, a pesar de las incomodidades que deben enfrentar nuestros protagonistas, nos dejará un mensaje muy positivo para reflexionar sobre la aceptación y la compasión.

Ficha técnica

Dirección: Lee Eon-hee
Música: Choi Dong-hoon
Fotografía: Kim Hyoung-ju
Protagonistas: Kim Go-eun y Noh Sang-hyun
Corea del Sur
2024. 118 minutos
Comedia romántica, drama.

Horizonte - Por Juan Pablo Donoso

Desafiante alegoría histórica post-mortem de comienzo a fin.

Reminiscencias del ámbito fantasmal de 100 AÑOS DE SOLEDAD. Solo que aquí es todo más confuso debido a los saltos intempestivos del acontecer.

Constante luz nebulosa, pesadillesca, crepuscular..

Como en un limbo, sigue los pasos de Basilio (Claudio Cataño), fantasma de un guerrillero culpable que necesita limpiar su alma volviendo al hogar de su infancia a pedir perdón.

Junto a su anciana madre (actriz chilena Paulina “Pauly” García), ahora viuda, iniciarán un tétrico periplo por tinieblas y páramos en busca del padre fallecido.

Es tal la desolación que la madre, aún viva de carne y huesos, le pide a su hijo que la mate. Así, ahora ambos serán fantasmas en busca del padre ausente.

Basilio, acarreando el cadáver de su madre por un bosque, ruega por clemencia a las almas susurrantes que lo acosan.

Ritmo lentísimo - tomas largas con muchos planos abiertos.

Aparte de una cuidada cinematografía, y elaborada producción, ¿cómo evaluar lo que nos quiere comunicar el autor?

Si tratamos de entenderla como una fábula realista, nos resultará cansadora, soporífera e innecesariamente críptica.

La estructura aleatoria del relato, y su atmósfera onírica, hacen difícil desentrañar las metáforas: son demasiado misteriosas.

Durante el discurso, el drama se siente lejano; es difícil empatizar con el tormento de sus personajes principales.

La película está llena de referencias al pasado. Parecen retazos de alguna teleserie antigua cuyos antecedentes desconocemos.

Solo ellos entienden la mayoría de los textos … nosotros apenas suponemos que son trascendentales.

Ubicados entre la vida terrenal y la muerte, será aquí donde purguen sus pecados para liberarse y acceder, por fin, a la plenitud de la paz y la reconciliación.

Arriesgado intento de un realizador colombiano - César Augusto Acevedo - por incursionar en el realismo mágico de otro ilustre colombiano quien definió el género como “una aclimatación de lo insólito, percibido como inserto en la realidad”. (Gabriel García Márquez, Nobel 1982).

La clave para seguir esta odisea será saber que, desde el comienzo, son casi todos fantasmas capaces de redimirse solo sufriendo, consolando, e incluso resucitando a criaturas inocentes.

“Olvida lo que perdiste y ve qué puedes hacer por otros”. “Habrá futuro (horizonte) si hay verdad”.

TORTUOSA TRAVESÍA PURGATORIA DE ALMAS CULPABLES QUE BUSCAN SALVACIÓN.

Ficha técnica

2024 - Drama familiar fantasmagórico 

Colombia, Francia, Chile, Alemania, Luxemburgo - 2,05 hrs 

Fotografía: Mateo Guzmán 

Edición: Soledad Salfate, Camila Beltrán 

Música: Harry Allouche 

Reparto: Claudio Cataño, Paulina (Pauly) García, Mauricio Salas 

Dirección y guion: Cesar Augusto Acevedo

Cuidadoras - Por Jackie O.

"Vivir con dignidad"

Documental que nos lleva a un hogar de ancianos y sus cuidadoras, principalmente nos enfocamos en tres de ellas: Maia, Yenifer y Luciana.

¿Y por qué en estas tres? Porque son transexuales, y esta labor es un desafío en sus vidas.

Burdeo, lila y azul piedra, es el color elegido por cada una en su uniforme para distinguirlas, y los residentes a quienes cuidan del hogar son de la tercera y cuarta edad.
La directora muestra el día a día en sus trabajos, cómo le dan atención a sus residentes escuchándolos, acompañándolos, hermoseándolos cuando lo requieren, dándoles la atención que todo ser humano requiere.
Son todas personas abandonadas, y se acompañan.

También las vemos en sus momentos libres conversando sobre la vida, de su pasado, o que esperan en el futuro. Y sus vidas no son tan diferentes a la gente que se cataloga "normal". Tienen miedos y esperanzas; quién no.

Escuchar las conversaciones, qué es lo que estos "viejos" tienen, nos enternece, de alguna forma, porque ellos tienen tanto que dar. Algunos muy lúcidos dan buenos consejos, otros están algo idos, pero todos tienen el mismo presente: sus familias los han dejado por diversas razones ahí. Sin juzgarlos, ya que cada familia tiene una realidad diferente y estos "viejos" también tienen su pasado. Es el ahora lo que vemos, es el ahora el importante, y ellos se ven bien, porque les ponen atención, los acompañan, los integran.

Porque no hay que morir con dignidad, hay que VIVIR con ella hasta el último suspiro. Y eso lo que estas cuidadoras entregan.

Son dos temas los que esta directora nos presenta, o se pueden dilucidar: los abuelos dejados en un asilo y unas transexuales que decidieron hacer algo humanitario. Tal vez, esta labor las hizo salir de la calle, de la droga, del abuso, de la soledad, de quién sabe qué otras cosas, o simplemente la discriminación las cansó, y tomaron el camino de dar atención y contención a otros.
Dos grupos que son apartados y olvidados se unen, se necesitan y se complementan.

En cuanto a la estética, faltó su cuota más dramática, en el sentido de saber más del abandono, de remecernos como espectadores, o su cuota de humor, y así resaltar aún más la labor que realizan los cuidadores en general, ya que estamos ante una historia necesaria de ver para centrarnos en la realidad y salir de nuestra burbuja. No sabemos si llegaremos a viejos, y si llegamos, querríamos no estar solos; su ritmo fue lineal.

Un interesante trabajo que nos habla de seres humanos y de respeto.

Ficha técnica

Dirección y guion: Martina Matzkin, Gabriela Uassouf
2024. 80 minutos
Argentina.

Cuidadoras - Por Juan Pablo Donoso

Grato documental argentino, humanitario y redentor.

Tres transexuales masculino/femeninos - Luciana, Maia y Yenifer - optan por abandonar la prostitución y orientar sus vidas al cuidado de los residentes de las casas de reposo Santa Ana y San José.

Filmado y editado con calma y mucho respeto hacia todos los personajes.

El ritmo de montaje reposado nos invita a la serena reflexión sobre la vejez, la misericordia y la soledad.

Los ancianos y ancianas, se entregan con plena confianza en las manos de sus cuidadoras. Y estas - que provienen de hogares disfuncionales - y luego de la dura realidad del comercio sexual callejero - encuentran en este ámbito el cariño y la acogida de quienes pudieron ser los abuelos y abuelas que nunca tuvieron. Además, con esta labor esperan, con tiempo, procurarse una mejor vejez cuando les llegue también el momento.

Sin estridencias, en un ambiente limpio y ordenado, los pacientes y las cuidadoras comparten, poco a poco, sus recuerdos, sentimientos, ilusiones, penas y alegrías.

Asistimos al vínculo afectivo que va naciendo entre ellos, y que también nos va contaminando a nosotros.

Somos testigos de la dulzura y del amor con que tratan, cuidan y acicalan a los ancianos. Un anticipo ideal de lo que querríamos si llegásemos a esa etapa final de la vida.

Poética escena de cierre en que, esta vez un anciano que siempre vimos en silla de ruedas, decide ponerse de pie y, tal como cuando niño dio sus primero pasos, ahora da los últimos internándose en el frondoso parque del asilo.

Sus realizadoras - Martina Matzkin (El Nombre del Hijo, 2020), ganadora de 15 premios internacionales, y Gabriela Uassouf, de exitosa trayectoria como productora documentalista (TERMINAL NORTE (2021) y CAMARERA DE PISO (2022) - además de su fino pulso pleno de sobria compasión, remacharon esta obra con una secuencia de exquisita delicadeza femenina en los créditos finales.

“En Argentina la expectativa de las personas trans es inferior a los 40 años”.

TESTIMONIO DE GRATITUD Y ADMIRACIÓN POR ESAS CUIDADORAS QUIENES TAMBIÉN SON Y FUERON TAN VULNERABLES. BELLO Y OPTIMISTA DOCUMENTO DE UNA INEVITABLE REALIDAD.

Ficha técnica                                                                                                                

Documental - 2025 Argentina -1,20 hrs 

Fotografía: Florencia Mamberti 

Edición: Coti Donoso - Valeria Racciopi 

Música: Camila Moreno · Paz Kümelen Berti 

Dir. de Arte: Valentina Encina · Edna Mostyszczer 

Actrices: Maia Antesana, Yenifer Franco Pereira, Luciana Méndez 

Guionistas y directoras: Martina Matzkin, Gabriela Uassouf

Horizonte - Por Carlos Correa Acuña

Descrita como una “odisea fantasmal” por su guionista y director, César Augusto Acevedo, esta cinta colombiana apoyada por fondos de ayuda de Ibermedia y presentada en la sección Discovery del Festival Internacional de Cine de Toronto, sigue la historia de Inés -Paulina García-, y Basilio -Claudio Cataño-, madre e hijo, en busca del padre desaparecido a través de un recorrido por lugares devastados por la guerra: pueblos destruidos, campos abandonados, ríos convertidos en cementerios e innumerables historias de desolación y muerte.

La película expresa el tránsito entre la culpa y el perdón, un camino difícil de describir y que implica deshacer y rehacer el sendero. El hijo y su madre se acompañan; avanzan juntos, pero al mismo tiempo separados. Un delgado hilo, el arrepentimiento, los mantiene unidos, sin embargo, es tan frágil que en cualquier momento puede llegar a cortarse.

Revisitar el pasado es doloroso y observar sus consecuencias puede resultar una carga insoportable. Eso hace Inés y Basilio, sin apuro. Caminan lento, a veces sin rumbo, perdidos como dos fantasmas o almas en pena, buscando respuestas a las preguntas que la vida les ha dejado sembradas.

La fotografía de Mateo Guzmán deslumbra con paisajes amplios de montañas y valles, una sierra tan vasta que ofrece un contrapunto a la historia escondida en sus entrañas. Porque ahí están los deudos, como un imperecedero recuerdo de la acción criminal de un hombre inconsciente y transformado.

En un poco más de dos horas, Paulina García y Claudio Cataño nos conducen a la exploración de su propia intimidad. En parte lo consiguen y en parte no, porque el formato, aunque amplio en escenarios naturales, remite mucho más a lo interno, como en el teatro, que a una composición cinematográfica. Vemos personajes solitarios aunque estén juntos y tengan un objetivo común. Es su propia vida la que prima: la del hijo buscando consuelo y la de la madre que cuestiona pero acoge sin condiciones.

Difusa, imaginaria y etérea, “Horizonte” se perfila, gracias a sus composiciones y metáforas, como una obra difícilmente abarcable, inasible pero a la vez concreta, donde la búsqueda de redención se expresa a través de protagonistas que anhelan las raíces de su tierra.

Ficha técnica

Título original: Horizonte
Año: 2024
Duración: 125 minutos
País: Colombia
Compañías: Coproducción Colombia-Chile-Francia-Alemania-Luxemburgo; Ciné-Sud Promotion, Inercia Películas, Don Quijote Films, Tarantula, unafilm
Género: Drama | Familia
Guion: César Augusto Acevedo
Música: Harry Allouche
Fotografía: Mateo Guzmán
Reparto: Paulina García, Claudio Cataño, María Victoria Hernández, Ángela Patricia Cano, Edgar Durán Galindo, Michael Steven Henao, Juan Sebastián Angarita, Tifany Rodríguez FandiñoPaulina Garcia, Claudio Cataño
Dirección: César Augusto Acevedo

Departamento Q. - Por Jackie O.

"Hacer lo correcto"

El detective de alto rango Carl Morck, aborda un caso sin resolver en Edimburgo junto a un equipo que nadie quiere, quienes son designados a resolver cualquier caso aparentemente imposible que llegue a sus escritorios.

Adaptación de las novelas homónimas del autor danés Jussi Adler-Olsen.

Morck es un excelente detective, el mejor, pero es un sujeto insoportable con el que nadie quiere trabajar; ni su jefa sabe qué hacer con él, pero, a pesar de todo, confía en su profesionalismo.

Un día, Monck se presenta con su mejor amigo y compañero James Hardy en un procedimiento, pero sale mal y son emboscados: el policía de turno muerto, Morck lesionado y Hardy gravemente herido. Toda esta desgracia es una oportunidad para su jefa, Moira Jacobson, para alejar a Monck, llevándolo a una nueva división (inventada por las altas autoridades, por supuesto, para deshacerse de él). Es el DPT Q, donde estará a cargo de reabrir casos antiguos. Pero Monck es reacio a su nuevo puesto, y más con su nuevo asistente, un policía sirio llamado Akram, y luego llega una dispersa detective.

La serie nos lleva por dos caminos. Uno corresponde a investigar quien emboscó a estos policías, y el otro es el caso que el Dpto. Q comienza a indagar, que es la desaparición de una Fiscal hace cuatro años.

Esto hace que vamos conociendo a este grupo de policías, con sus problemas de familia, laborales y personales; así como la vida que veremos en analepsias de esta Fiscal desparecida. Como es obvio, hay muchas intrigas, corrupción, celos, envidias profesionales, etc., en que estuvo envuelta específicamente esta Fiscal, o estaba por denunciar. Eso hace que muchos sean sospechosos, y mientras nadie creía que el Dpto. Q se acercaría a la verdad, muchos están preocupados.

Buena serie Europea, que trata muy bien las problemáticas en la vida policial así como la forma en que llevan los casos, ya que poco a poco, y de forma muy creíble, va desenmarañando qué es lo que le pasó a esta Fiscal. Y sobre la emboscada, la trabajan unos compañeros que detestan a Morck, pero lo respetan mucho, más cuando él los orienta y lamentablemente les hace ver los errores investigativos (una especie de Doctor House)

Este trabajo también hace mucho énfasis a la salud mental, de cómo afecta el trabajo que desarrollan algunas personas por su complejidad, y los problemas personales que arrastra cualquier familia. Tema al que todo Estado debe ponerle atención, preocuparse y ocuparse.

Pero hubo un pero. La serie termina solo resolviendo uno de los dos casos. El otro... habrá que esperar una segunda temporada que no tiene fecha próxima. Lamentable, ya que se pudo haber resuelto ambos casos en esta misma temporada.

A pesar de ese “pero”, la serie trabaja bien su guion, es muy minucioso en conceptos o intervenciones. Tiene una buena puesta en escena y sonido.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Género: Crimen, thriller.
Creada por: Scott Frank y Chandni Lakhani
Protagonizada por: Matthew Goode, Kelly Macdonald, Chloe Pirrie, Alexej Manvelov, Leah Byrne, Steven Miller.
EEUU/Reino Unido

9 capítulos. 50 minutos.

El Cuento de las Comadrejas - Por Ana Josefa Silva

Cáustica y desopilante comedia negra.

(desde el 11 de junio en MAX)

- A 10 años de ganar el Oscar por El Secreto de sus ojos, Juan José Campanella estrenó esta comedia desopilante, de un exquisito humor negro, irónico y un guion que no se detiene en sus geniales giros. Una delicia de principio a fin.

- Las contundentes actuaciones de sus cuatro protagonistas contribuyen de manera decisiva al gozoso resultado: Graciela Borges (La ciénaga), Oscar Martínez (Copa Volpi al mejor actor en Venecia por El Ciudadano Ilustre), Marcos Mundstcok (Les Luthiers, fallecido en 2020) y Luis Brandoni. A ellos se acoplan a la perfección Clara Lago (Ocho apellidos vascos) y Nicolás Francella.

- Plagada de diálogos cáusticos y agudos como estilete, se trata de un remake (con variantes) de una mítica película argentina de José Martínez Suárez, Los muchachos de antes no usaban arsénico (1976); sin duda, un guiño a Arsénico y encaje antiguo (Frank Capra, 1944, que a su vez se inspiró en una obra de teatro).

La diva, el marido, el guionista y el director

- Prácticamente todo sucede en una impresionante casona antigua rodeada de jardines y estatuas, en algún lugar de las afueras de Buenos Aires.

Los salones, las grandes escaleras, los retratos y pinturas que cuelgan de las paredes, los pesados cortinajes, la recargada decoración golpean los sentidos y conducen a una sola palabra: decadencia.

El tiempo se ha detenido allí y sus habitantes están irremediablemente atrapados en una suerte de pausa infinita.

La vida los dejó abajo por distintas circunstancias, pero nada ha conseguido mantener a raya sus egos ni menos bajar sus defensas.

Las mentes ágiles y suspicaces de Norberto Imbert (Martínez) y Martín Saravia (Mundstock), alguna vez cotizados director y guionista, respectivamente, no descansan.

Mara Ordaz (G. Borges) aún se viste (o disfraza) como la diva que nunca ha dejado de ser, una que hace muchos años ganó un Oscar, estatuilla que luce en un pedestal en el hall de entrada de la casa. El símbolo perfecto de que el mundo gira en torno a ella.

Su marido, Pedro de Córdova (Brandoni), postrado en una silla de ruedas, parece el más cercano a la realidad y por lo tanto a la resignación: mal que mal, él fue un actor de segunda, a la sombra de su rutilante mujer, quien se sigue contemplando a sí misma, mirando una y otra vez sus películas en el microcine del subterráneo, profusamente adornado con afiches de sus proezas.

El equilibrio precario de esta singular (y misteriosa) convivencia se desestabiliza cuando irrumpe “casualmente” una pareja de jóvenes, Francisco (Francella) y Bárbara (Lago), que se deshacen en elogios ante Mara.

El juego de poderes

Campanella juega al cine dentro del cine, no solo con los irónicos parlamentos de Martín, que nunca deja de ser guionista, y las consiguientes observaciones de Norberto, sino con una mirada sardónica a esa trampa que es la fama y el poder y que captura a muchas estrellas, una vez que prueban sus delicias y que las más de las veces termina siendo una ilusión fugaz.

Pero aun siendo el ego el ostensible talón de Aquiles de Mara, ni ella ni el resto de los habitantes de la casona son inofensivos y dulces viejecillos.

Esta curiosa “familia” esconde varios cadáveres en el armario y tiene muchas cuentas por cobrarse.

En el juego de poderes que se establece entre ellos y los visitantes -el eje por donde circula la historia- los secretos pueden ser un jaque mate para cualquiera de los dos bandos.

Ficha técnica

Dirección: Juan José Campanella
Guion: Juan José Campanella, Darren Kloomok. Historia original: Augusto Giustozzi, José A. Martínez Suárez
Música: Emilio Kauderer
Fotografía: Félix Monti
Reparto: Graciela Borges, Oscar Martínez, Luis Brandoni, Clara Lago, Marcos Mundstock, Nicolás Francella.
Argentina, 2019
Duración: 129 minutos

El Esquema Fenicio - Por Carlos Correa Acuña

Wes Anderson no deja de sorprender. Aunque regrese con fórmulas conocidas, sus característicos trazos de originalidad se abren paso a lo largo de un metraje que se hace pesado a pesar de no alcanzar las dos horas de duración.

La historia se centra en Zsa-zsa Korda -Benicio del Toro-, un magnate europeo sin escrúpulos decidido a llevar a cabo un plan para hacerse aún más rico. Son varios pasos los que debe dar. Y con cuidado, porque intenta ser destronado por un consorcio comercial que no escatima recursos para hacerle la vida imposible, incluso al punto de querer asesinarlo a como dé lugar.

Korda sale airoso, por los pelos, de muchísimos incidentes, pero esto debe parar. Por eso convoca a su hija Liesl -Mia Threapleton-, una hermana novicia, para que lo apoye en el negocio y lo acompañe para poner en orden todos sus asuntos. Este es el plan, basado en un esquema Fenicio: ir paso a paso, punto a punto, concertando reuniones con su red de intermediarios e inversores clandestinos para cubrir el déficit provocado por la hostilidad del turbio consorcio rival.

¡Qué decir! Anderson es Anderson. Su estética es tan reconocible como particular y esta entrega no se escapa en absoluto. Desde la primera escena hasta la última, cada cuadro, cada movimiento de cámara y cada escenario construido es perfectamente asociable al mundo Anderson, sin dejar duda alguna.

Con Benicio del Toro a la cabeza, el elenco es realmente un lujo. A Mia Threapleton, Michael Cera, Riz Ahmed, Tom Hanks, Bryan Cranston, Mathieu Amalric, Richard Ayoade, Jeffrey Wright, Scarlett Johansson y Benedict Cumberbatch, cualquiera los quisiera en un rol protagónico. Anderson se permite usarlos como secundarios sin perder esencia, aunque, a mi modo de ver, algunos de ellos están bastante desaprovechados.

La trama entretiene pero no deslumbra. La división por capítulos, otro sello Anderson, permite progresar en el entendimiento de un guion que aparenta ser más complicado de lo que verdaderamente es. Las vueltas no son tantas, y las sorpresas se inclinan más por lo excéntrico que por los enredos que habitualmente propone el director.

La música, otro apartado que no es trivial en la filmografía de este carismático director, está en manos de Alexandre Desplat. Y acá hay un buen paño que cortar, porque Desplat se basa en obras de Igor Stravinsky para componer la banda sonora, utilizando motivos y secciones completas que refrendan al exitoso compositor del ballet “El Pájaro de Fuego”. Es más, son esas seis notas iniciales de la mencionada obra, las que constituyen el tema central de la película, un guiño interesante al libreto, pero más que eso. Desplat desarrolla toda una serie de variaciones sobre esa misteriosa introducción de la cuerda baja que anticipa todo lo que está por venir. Ademas, la irrupción de “Cuadros de una exposición”, de Modesto Mussorgsky, en versión orquestada por Maurice Ravel, entrega otro toque particular, quizá entregando un rol especial a una partitura que se aparta del estilo habitual de Desplat, pero que ayuda a la construcción de los cuadros plásticos.

“The Phoenician Scheme” no representa necesariamente un avance en la obra del prolífico autor de “El gran hotel Budapest”. Considero que más bien es una consolidación de sus últimos trabajos, puliendo una paleta de colores que se transforman en marca registrada y entregando la responsabilidad de la construcción a varios de sus actores favoritos.

Estamos ante una buena elección, un cine diferente, disruptivo y en cierta manera incómodo. Implica compromiso y atención, porque los detalles son muchísimos y fundamentales para entender no una historia lineal, sino un concepto mucho más elaborado y eminentemente estético.

Una última observación: es mejor no llevar muchas expectativas porque es fácil sentir algo de decepción. Para combatir eso, es mejor ir liviano de pensamiento y abierto a las sorpresas, porque, de que las hay, las hay.

Ficha técnica

Título original: The Phoenician Scheme
Año: 2025
Duración: 101 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Alemania; Indian Paintbrush, American Empirical Pictures, Studio Babelsberg. Distribuidora: Focus Features
Género: Comedia. Intriga. Drama | Espionaje. Monjas
Guion: Wes Anderson. Historia: Wes Anderson, Roman Coppola
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Bruno Delbonnel
Reparto: Benicio del Toro, Mia Threapleton, Michael Cera, Riz Ahmed, Tom Hanks, Bryan Cranston, Mathieu Amalric, Richard Ayoade, Jeffrey Wright, Scarlett Johansson, Benedict Cumberbatch, Rupert Friend, Esperanza Davis
Dirección: Wes Anderson

Una Luz Negra - Por Carlos Correa Acuña

Un largo plano de entrada. Silencio. Josefina -Patricia Rivadeneira-, ingresa a la casa. Sonido. Sugiere algo: una pista, una intención, un anuncio.

Jorge -Francisco Pérez-Bannen-, aguarda en el salón. Algo casual, una coincidencia, una búsqueda en internet. Su nombre coincide exactamente con el del hijo de Josefina. Ella lo confirma. Habría tenido 24 años; murió hace cuatro. ¡Hasta se parecen físicamente al revisar las fotos! ¿Habrá un hilo común? ¿Serán historias entrelazadas? Todo es misterioso.

Esta ópera prima de Alberto Hayden comienza con dos puntos altos: una clara intención de enfoques y una iluminación tenue y delicada. Las imágenes van progresando con el correr de los minutos y se intercalan con videos tomados desde un celular en movimiento. Se combinan y alternan de forma fluida; no sabemos su procedencia pero la imaginamos. El resto es cotidiano, muy cotidiano: un carrete de Jorge y su señora con una pareja de amigos; la casa vacía de Josefina; la oficina de Jorge; el deambular de Josefina.

¿Dónde va “Una Luz Negra”? O mejor dicho, ¿dónde quiere ir, qué busca, qué comunica? Las secuencias parecen inconclusas, solo breves pinceladas; nada se concreta, privilegia la introspección.

Un ejemplo. La secuencia central de la película, pasados sus treinta minutos, es extensa y silenciosa. Solo están los dos protagonistas. ¿Qué es lo que sucede allí? Es un encuentro, pero con cuadros largos y tomas estáticas. ¿Cuál es el sentido? Es muy difícil seguir una historia con tantos minutos sin diálogos, música o sonido.

El cineasta debutante y su equipo apelan constantemente a la capacidad interpretativa del espectador. Bajo mi perspectiva, presenciamos diferentes formas de representar la pérdida, de llevar el duelo. Josefina por su hijo; Jorge por su vida. Y es aquí donde surge una confusión. ¿Cuál es la historia? ¿La de ella o la de él? ¿La de ambos, o la del hijo que ya no está?

La película se divide. Primera parte, Jorge; segunda parte, Josefina. Y en el último tercio aparece la hija mayor, que ya no vive con ella, pero que la acompaña de vez en cuando. El incidente con los arrendatarios de su madre es solo anecdótico. ¿Aporta a la historia, o es más bien un cable a tierra de los problemas mundanos que tenemos que asumir tras una irreparable ausencia?

Quisiera insistir en la manera con que Alberto Hayden y Matias Baeza manejan su material. Eligen bien los planos, encuadran correctamente, intencionan las miradas y generan ambientes con iluminación detallista y cuidada. Pero, ¿qué quieren decir, qué quieren transmitir? Las metáforas no son sencillas y las imágenes propuestas resultan aún más difusas. En ese trayecto, la película pierde fuerza, se estira, promete, pero no llega a un puerto. Se basa en espacios y movimientos rodeados de silencio: recuerdo, ensoñación, presencia, espíritu.

Patricia Rivadeneira y Francisco Pérez-Bannen representan correctamente lo enigmático de sus personajes. Se expresan en la intimidad como entes diferentes y complementarios, pero chocan con un guion que funciona como una camisa de fuerza. Pasada la hora de metraje parece acercarse el final, sin embargo tal vez la cinta no está preparada para concluir. La melancolía se apodera de la pantalla. Incluso es posible observar al menos cuatro finales. ¿Será este? No. ¿Es este otro? Tampoco. Está bien, todo es interpretable y creo que los realizadores desean que la cinta continúe desarrollándose en nosotros. Cuidado con eso. Es posible, por cierto, pero podría convertirse en otra película, completamente distinta y, quizá, aún más difícil de interpretar.

Ficha técnica

Título original: Una luz negra
Año: 2024
Duración: 77 minutos
País: Chile
Compañías: Brisa Films S.A
Género: Drama
Guion: Alberto Hayden
Música: Iván Wyszogrod
Fotografía: Matias Baeza
Reparto: Patricia Rivadeneira, Francisco Pérez-Bannen, Vicente Pérez, Antonia Bannen, Manuela Oyarzún
Dirección: Alberto Hayden

Bailarina - Por Jackie O.

“Destreza, acción y poder”

La saga John Wick no para, y seguirá deslumbrándonos por muchos años más.

Recuerdo haberlo mencionado en un video que realicé en su momento sobre John Wick, donde dije que puede darnos mucho más, incluidos spin off (historias de personajes que van apareciendo, o que se pueden ir inventando)

En este caso, estamos ante la historia de Eve Macarro, quien no aparece en ninguna saga, pero sí se menciona su lugar de origen, la Ruska Roma, por lo que fue muy bien incorporada su historia, y nada forzada.

Cuando hablamos de sagas, es porque hay que ver todo lo que incluya la historia acá: cuatro películas de JW y una miniserie “The Continetal”, para ir entendiendo quién, cómo y cuándo. Porque cada vez que aparece una cinta, se menciona algo del pasado. Pero en este caso, si no quieres ver todo de la saga, con que veas la película 3 de John Wick está bien para comenzar, porque Bailarina ocurre entre la película 3 y 4. Pero si no vez ni siquiera esa película, tampoco te perderás en la historia de Eve, propiamente tal.

Eve es una pequeña que vivía con su padre, quien pertenecía a una “banda” o “secta” de matones, quienes tenían como misión eliminar a quién deserta y llevarse a sus hijos pequeños, de tenerlos, para entrenarlos como asesinos seriales. Pero Eve logra escapar de esta secta, pero no de algo similar que le esperaba en la banda de los Ruska Roma, quienes tienen de fachada un teatro de ballet. (De ahí nacen sus Bailarinas, y jóvenes temerarios)

Eve crece como bailarina, como asesina y escuchando las historias del Baba Yaga. Ya mayor de edad, y en una de sus misiones, Eve descubre algo, algo que nunca olvidó, una marca de los asesinos de su padre y hará de todo para llegar a su cabecilla. Pero es advertida por su directora de no desatar una guerra de bandas. Pero Eve guarda una sed de venganza y no parará. Pero, ¿alguien logrará detenerla?

Estamos ante una cinta que no para en la acción, peleas cuerpo a cuerpo, con diversas armas letales y las mejores coreografías, vamos deleitándonos con una historia de venganza y muertes al por mayor.

El guion es bueno, nos sumerge en la historia de una niña huérfana que crece sin amor y con odio en su ser, pero mantiene una cierta base de cordura que es una pelea interna del día a día, donde esa cordura y poder sanar heridas de rabia no la dejan en paz; veremos acá si sabe usar esa sensatez o su rabia le costará la vida, ya que su cabeza tiene precio, por lo que tenemos a una nueva heroína o alguien que desaparecerá y fue un gusto conocerla.

El montaje estuvo bueno, así como la banda sonora, vestuario y maquillaje.

Las coreografías muy bien efectuadas, en su mayoría, ya que en algún momento se notaban algo mecanizadas.

Genial el elenco, aunque Norman Reedus tiene un rol muy mínimo que encontré no se le sacó el partido adecuado. Maravillosa la intervención de Lance Reddick, la que fue la última de su carrera.

El antagonista, gran actor Gabriel Byrne, faltó demostrar más maldad o respeto, algo que en pocos encuadres sí lo realizó Angelica Houston.

Ana de Armas la hemos visto realizar diversos roles y acá demuestra una gran destreza, siendo una actriz a la cual deben seguir usando en papeles de acción (una especie de nueva Mila Jovovich, Charlize Theron, Michelle Rodriguez, Kate Beckinsale, etc.)

Esta es una cinta de acción y violencia que no te deja pestañear. Y debido a eso, es que no la recomendaría a menores de 15 años.

Por más Keanu Reeves en el futuro, o alguna otra buena trama de su franquicia.

Ficha técnica

Dirección: Len Wiseman
Guion: Shay Hatten y Emerald Fennell
Música: Tyler Bates y Joel J. Richard
Fotografía: Romain Lacourbas
Montaje: Jason Ballantine
2025. EEUU

Bailarina - Por Carlos Correa Acuña

Vibrante, sin un segundo de pausa. Así es “Bailarina”, la nueva película del universo de John Wick. Formalmente un “Spin-off” (derivado), esta cinta se inserta entre el capítulo tres y cuatro de la exitosa saga liderada por Keanu Reeves. La acción es trepidante y todas las coreografías resultan sorprendentes. Incluso, aquello inverosímil cobra sentido y se disfruta como tal, sin buscarle más explicaciones porque no las necesita. Veamos la trama.

Eve Macarro -convincente Ana de Armas en su rol-, se ha convertido en una asesina como resultado de un riguroso entrenamiento entregado por la Ruska Roma desde sus primeros años de vida. Y acá hay historia, porque lamentablemente ella presenció el asesinato de su padre, y desde ese momento lo ha intentado todo para conocer quién es el culpable del brutal crimen. Acogida por la misma organización adiestradora de John Wick, Eve ha debido recorrer un exigente proceso para estar preparada y enfrentar un mundo violento que no da tregua. Su venganza requiere fuego lento, y eso es precisamente lo que Eve se ha propuesto hacer, sin prisa pero sin pausa.

Un pacto por omisión entre la directora de la Ruska Roma -Anjelica Huston-, y el canciller -Gabriel Byrne-, quien lidera otra organización dedicada al crimen, hace que no se metan los unos con los otros pues, en caso contrario, las consecuencias serían devastadoras. Literalmente, sería una batalla campal y una guerra de proporciones inimaginables, en la que la única salida sería la aniquilación total de una organización a manos de la otra. Eve, consciente de aquello, no está dispuesta a pactar pues todas las pistas la llevan hacia la cúpula rival. ¿Podrá conseguir acceder a ella? ¿Cuántas barreras deberá traspasar para cobrar venganza?

Entretenida y vertiginosa, las dos horas de duración pasan en un suspiro, y es que el carisma de Ana de Armas resalta de sobremanera. Con una capacidad de representar diferentes edades y también disímiles estados de ánimo, no vamos a descubrir ahora el talento de esta actriz cubana-española. Un breve paso por una de las películas de James Bond, adelantó, de alguna manera, este rol principal que encara con una energía y vitalidad desbordante. Ella “es” la película, sin embargo, el elenco que la acompaña también es sólido, incluidas las escenas en las que Keanu Reeves se deja ver y nos deja claro que este universo se trata de “él” y luego “los demás”.

El director Len Wiseman conduce la historia con pulso temerario. No sé si hay más muertos por minuto o más peleas por segundo. Sería todo un desafío hacer una estadística, porque las matanzas abundan por doquier y los combates son casi un ballet incidental, con música, vestimenta y ornamentación especial. Todo brilla, porque las secuencias resultan bastante reales y tal vez lo único que nos dice que esto es un montaje radica en la gran cantidad de violencia explícita que no decae en ningún tramo de la película.

“From the World of John Wick: Ballerina” es todo lo que uno espera de una cinta de este tipo: efectos especiales alucinantes, peleas épicas y castigos progresivos que alcanzan el clímax en su momento oportuno. A veces es como estar dentro de un videojuego, donde tenemos que preocuparnos de cuidar cada costado y no desconcentrarnos en ningún momento. Tal vez esa es la clave para soportar algo que de otra manera lo rechazaríamos de buenas a primeras: sabemos que todo es mentira, e incluso algunas situaciones nos provocan más risas que sorpresas.

“Bailarina” también es estupenda desde la producción y desde el concepto cinematográfico al que se adscribe. Todo funciona como reloj. La edición es pulida y hasta la música, un aspecto no demasiado presente o destacado, aporta lo suyo para conseguir el objetivo final. Es cierto, salimos alterados del cine pero con la conciencia de haber presenciado una película que cumple con lo que promete, y me atrevo a decir, incluso más de lo esperado. No por nada, ya se escuchan rumores de una segunda parte, por supuesto con Ana de Armas encabezando el elenco. ¿Y si en una de esas se produce un enlace con Ethan Hawke? Tal vez es puro chisme y prensa rosa, pero ¿quién no dice que es algo que podría suceder?

Si le gustan estas películas y no es de piel sensible, vaya a verla al cine. No se arrepentirá, porque, de verdad, esta nueva entrega del mundo de John Wick viene muy buena.

Ficha técnica

Título original: From the World of John Wick: Ballerina
Año: 2025
Duración: 125 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Thunder Road Pictures, Lionsgate, 87Eleven Entertainment, Summit Entertainment. Distribuidora: Lionsgate
Género: Acción. Thriller | Venganza. Spin-off
Guion: Shay Hatten. Personajes: Derek Kolstad
Música: Tyler Bates, Joel J. Richard
Fotografía: Romain Lacourbas
Reparto: Ana de Armas, Anjelica Huston, Gabriel Byrne, Lanza Reddick, Norman Reedus, Ian McShane, Keanu Reeves
Dirección: Len Wiseman

M3GAN - Por Ana Josefa Silva

En @netflixlat

(Ojo: M3GAN 2.0 se estrena el 26 de junio)

Muy buena mezcla de thriller de suspenso, terror y humor.

Y sí, se han hecho montón de películas de muñecas poseídas por espíritus malignos.

Pero precisamente lo que tiene M3GAN es que no recurre al innombrable para poner al centro un juguete que termina siendo escalofriante: ¡para eso tenemos suficiente tecnología!

Gemma (Allison Williams, Get Out), una brillante ingeniera de robótica, diseñadora tech, está concentrada junto a sus colegas en la súper empresa de juguetes electrónicos para la que trabaja, pensando en un invento que los haga remontar frente a la competencia.

Una llamada urgente la hace volar a Ontario: su hermana junto a su marido han muerto en un accidente de auto y debe hacerse cargo de su pequeña sobrina, Cady, de 8 años.

Una vez en casa, un lugar donde todo es manejado por I.A., no sabe cómo compatibilizar su repentino rol de madre con las exigencias de su empresa. Pero justo gracias a un comentario dicho al pasar por su compungida sobrina redescubre el proyecto con que se graduó: un robot que tiene en casa cubierto y medio abandonado.

Con esa idea de base, ella y sus colegas crean a M3GAN, una muñeca programada con elaborados y cuidadosos sistemas que incluyen percepción de emociones y capacidad de evolución.

Está diseñada para proteger a su dueña. Así, mientras terminan con su período beta (de prueba) M3GAN se convierte en la amiga, niñera y acompañante de Cady.

El director maneja con tal destreza el suspenso que la intensidad creciente pasa inadvertida. Y no abandona el humor hasta que el asunto se pone castaño oscuro. Antes de la hora, uno ya ha pegado su primer salto en el asiento.

Este Frankenstein bello, de larga melena rubia y de aspecto infantil es siglo XXI: fíjese no más hasta qué punto nuestros inventos (ahora y siempre) se nos escapan de control, aún si se trata de un avezado grupo de ingenieros de robótica.

Ese último primer plano de la escena final, perfecto.

Ficha técnica

M3GAN Dirección: Gerard Johnstone
Guion: Akela Cooper. Historia: Akela Cooper, James Wan
Música: Anthony Willis
Fotografía: Peter McCaffrey, Simon Raby
Reparto: Allison Williams, Violet McGraw, Ronny Chieng, Brian Jordan
Alvarez, Jen Van Epps, Arlo Green, Michael Saccente, Amie Donald
EE.UU., 2022
Duración: 102 min.

Una Luz Negra - Por Jackie O.

“Vacío”

Sinopsis: Jorge se obsesiona al descubrir que tiene el mismo nombre que un joven que murió. Indagando, descubre que también comparten una evidente semejanza física. A Josefina, la madre del joven, el encuentro con este hombre le despierta un fantasma que creía dormido.

Cinta sobre las extrañas coincidencias, la muerte, el duelo y la soledad.

Nos encontramos ante una película muy experimental, con un ritmo lento, encuadres fuera de foco y poco diálogo, lo cual no es malo si se sabe manejar bien, ya que cintas así hemos visto muchas y son maravillosas varias de ellas. Pero acá, hace que el espectador busque desesperadamente dónde va este relato, ya que nunca arranca del todo. Su ejecución, lamentablemente, no supo del todo abordar el tema que nos plantea en su muy interesante premisa - una mujer que hace cuatro años perdió a su hijo al cual no olvida, y encuentra a un sujeto que se parece a él, y éste se obsesiona con el tema comenzando a indagar -. Y no hablo de la obviedad, pues muchas cintas nos han deslumbrado con solo detalles.

Acá, los silencios de los partícipes no ayudan, la música está fuera de lugar, hay diálogos que no aportan en nada y secundarios que no contribuyen al relato.

Una película que pudo haber sido un gran drama o una buena cinta de suspenso, pero creo que se perdió. Porque la idea de la pérdida, del duelo, de esas extrañas coincidencias de la vida al encontrar a alguien parecido al difundo, es para haberle sacado “punta” al relato.

Pero no todo está perdido. Sus dos protagonistas, que son espectaculares, lo dan todo, en especial con sus gestos. Muy bueno que el mismo hijo del actor, en la realidad, sea ese doble, porque el parecido es bastante. Asimismo, los efectos de sonido que aportan en ciertos momentos, hacen que la casa sea el tercer protagonista con ese vacío de la soledad.

La idea está, solo falta concentrarse en abordarla bien y que no sea un vacío para el espectador.

Ficha técnica

Dirigida y guion: Alberto Hayden
Elenco: Patricia Rivadeneira, Francisco Pérez-Bannen.
Dirección de fotografía: Matías Baeza
Montaje: Alberto Hayden y José Luis Torres Leiva
77 minutos 

Chile. 2024