Good Boy: confía en su Instinto - Por Jackie O.

Película de suspenso, donde su protagonista nos conmueve con su interpretación.

Todd está gravemente enfermo, pero está harto de medicamentos, visitas a emergencia y su sobreprotectora hermana. Así es que se va a una casa familiar en el bosque que está prácticamente abandonada, para estar solo con su perrito Indy. Pero su hermana lo llama a diario, está preocupada por su estado de salud y está constantemente pendiente de él, sabe que está enfermo y no quiere perderlo, y eso lo agradecemos nosotros como telespectadores.

Pero desde que entran al terreno familiar, Indy comienza a sentir que no están solos en el lugar.
Todd descansa, recorre el lugar y sigue descansando, pero su salud empeora, así como las presencias fantasmas. Ellos no están solos, hay una presencia que Indy siente, y que, a través de sus ojos, nosotros también vemos.

A medida que avanzan las horas y días, las presencias fantasmales se hacen más fuertes. Indy debe luchar a su manera de protegerse y también a su amo.
Indy es el protagonista, es su rostro, son sus expresiones, movimientos y ladridos los que nos conmueven, ya que de los pocos personajes que participan, casi no visualizamos con claridad sus rostros en algunos, son solo sus voces y cuerpos los que vemos desplazarse. Sus caras no son relevantes, ya que el protagonista es Indy y su entorno fantasmal.
Los primeros planos, y en especial los primerísimos planos, hacen que nos involucremos con este peludito. Se mueve sigiloso, inquieto, perturbado o tranquilo a veces. ¡Una actuación fenomenal!

Vemos todo a través de sus ojos, escuchamos a través de sus oídos, percibimos con su nariz. Sufrimos con él.

Lo que más me agrada de esta película es que nos da algo diferente a lo acostumbrado, es un suspenso y terror desde otro ángulo. Utilizando un ser precioso y que no dejará a nadie indiferente: un perro.

Para ser su primer trabajo cinematográfico, el director comenzó bien. Hemos visto trabajos con alto presupuesto y llenos de CGI que solo cumplen o menos, pero acá los efectos visuales son pocos, los personajes pocos, el presupuesto bajo y resultó algo bueno. No es excelente, pero vale la pena ver.
El director se tomó su tiempo en la realización de esta cinta, ya que es SU perro el protagonista y no lo quiso estresar. Por eso las tomas están hechas en varios meses. Y se nota, por la contextura de Indy.
Pero, aún así, sentí el estrés del perro; es que actúa muy bien.

En cuanto a su guion, textos muy poco, pero imágenes muchas que hablan por sí solas. El silencio habla.
Tratamos de interpretar a Indy que no quiere dejar a su amo, lo siente enfermo, pero quiere estar con él en todo momento. No entiende por qué sale, por qué no juega con él, pero aún así no lo quiere dejar solo. Porque además, siente que no están solos y su deber es protegerlo.
Puede ser metafórico todo lo que vemos, en no querer dejar ir y la lealtad hasta el final.

SPOILER: Y lo he dicho en mis redes: yo esta película no la iba a ver si el perrito moría. Pero no muere, aunque sí pasa muchos sustos.

Ficha técnica

Dirección: Ben Leonberg
Protagonistas: Larry Fessenden, Shane Jensen, Arielle Friedman
EEUU. 2025
Terror sobrenatural
72 minutos

El Padre del Año - Por Carlos Correa Acuña

Como comedia, quizá le falta un poquito más de gracia, y como drama, carece de la profundidad necesaria. Es extraño lo que sucede con esta cinta escrita por Hallie Meyers-Shyer, porque queda a medio camino. No se siente consolidada en ninguno de sus aspectos, no obstante tener un protagonista de lujo sobre el que recae el peso del relato.

Vamos por partes.

Andy Goodrich -Michael Keaton, en un papel que le sienta muy bien-, es dueño de una galería de arte por más de dos décadas. Una llamada a medianoche lo pone en alerta. Se trata de su esposa, quien le informa que se internará en un centro de rehabilitación por noventa días, por lo cual él deberá encargarse del cuidado de sus hijos gemelos de nueve años. Andy solo sabe trabajar, por tanto, esta situación lo descoloca totalmente. Literalmente, su vida queda “patas para arriba”.

En otra vereda, Grace -Mila Kunis-, hija del primer matrimonio de Andy, está esperando su primer hijo. Tampoco ve mucho a su padre, por similares razones, pero la situación está por cambiar. Andy le pide ayuda para sobrellevar el caos de enfrentarse a tareas cotidianas que nunca ha hecho.

Un tercer escenario es la galería. Por más empeño y dedicación, los artistas ya no generan los ingresos necesarios para pagar los costos. La deuda se agranda y las perspectivas no son buenas. Gastando más de lo que se recibe, no hay economía que resista, por tanto, el negocio va cuesta abajo y solo un buen contrato puede salvarles de la bancarrota.

“El Padre del Año”, un título que no se corresponde en absoluto con su denominación original, “Goodrich”, es un recorrido, una historia de vida. El protagonista es el centro del relato y todas las situaciones giran en torno a él. Andy Goodrich, trabajólico por décadas, ha descuidado sistemáticamente a sus familias, razón por la que ya arrastra dos rupturas matrimoniales. El tema es que la vida pasa la cuenta y son justamente sus hijos quienes se encargan de extender la boleta: los amorosos gemelos, inesperadamente a su cargo, y su hija mayor, en plena construcción de su propia familia.

La directora Hallie Meyers-Shyer saca partido de Michael Keaton pero no consigue avanzar demasiado con los personajes que lo acompañan. Existe cierta desconexión, a veces más evidente, a veces más sutil, entre las historias paralelas, tal vez producto de la forma en que aborda los roles secundarios. Tanto es así, que Mila Kunis se ve intermitente, entrando y saliendo de escena, a veces sin suficiente justificación dramática. Es cierto que cuando se produce continuidad, es decir, no cambiamos de escenario, se producen los mejores momentos -la caminata por el sendero de la colina o en la entrada de la clínica, por ejemplo-, pero eso no se extrapola al resto del metraje.

Comprendiendo que es una cinta cuya aspiración es mayormente entretener, al querer entrar en temas de fondo como el sentido de la vida y el equilibrio entre desarrollo profesional y cuidado de la familia, “Goodrich” no se decide totalmente. Es cierto que las prioridades, el aprendizaje, las nuevas oportunidades, la recomposición y la maduración están encima de la mesa, sin embargo carecen de desarrollo y por ello se sienten incompletas. Creo que el ritmo y la dispersión de temas impiden que se unan los puntos que conducirían a un cierre más sólido.

“Goodrich” funciona si no se tiene expectativas. En ese sentido, el título en español ayuda, pero lamentablemente es la misma película la que se hace trampa al intentar ir más allá de lo que puede realmente abarcar. Casi dos horas que se hacen un poco largas, aunque ver a Michael Keaton en forma -y a Mila Kunis, por cierto-, no deja de ser un buen panorama.

Ficha técnica

Título original: Goodrich
Año: 2024
Duración: 111 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: C2 Motion Picture Group, Gramercy Park Media, RainMaker Films, Stay Gold Features, CaliWood Pictures
Género: Drama. Comedia | Familia. Paternidad
Guion: Hallie Meyers-Shyer
Música: Christopher Willis
Fotografía: Jamie Ramsay
Reparto: Michael Keaton, Mila Kunis, Carmen Ejogo, Michael Urie, Kevin Pollak, Vivien Lyra Blair, Nico Hiraga, Danny Deferrari, Laura Benanti, Andie MacDowell
Dirección: Hallie Meyers-Shyer

kaye - Por Jackie O.

“Vivir y sobrevivir”

Sinopsis: La infancia de Yeka se quiebra tras la pérdida de su mejor amiga Nayi. En su búsqueda por entender lo sucedido, deberá confrontar verdades que cambiarán la percepción que tiene de su familia y del precario mundo que la rodea.

Segundo largometraje de este director, quien en su opera prima nos llevó a una realidad país que no se puede ignorar, como es la inmigración, en el buen trabajo “Perro Bomba”

Ahora nos trae otra realidad que, al parecer, nunca acaba: las tomas (personas que se apropian de un bien inmueble, que no les pertenece). De este tema se puede conversar mucho y cada quien tiene sus opiniones, por lo que nos centraremos en la película en sí.

La historia se cuenta principalmente bajo los ojos de los menores de edad. Yeka y Nayy, dos preadolescentes que son muy unidas, viven en una gran toma en Cartagena junto a sus familiares. Pasan sus días entre el colegio, los amigos y cantar en la micro, hasta que llega el hermano de Yeka de una gira. Él es cantante urbano y da un concierto a su gente de la toma. Y mientras están en la tocata, una “bala loca” le da a Nayi, muriendo. La madre de esta niña, quien las tenía a cargo esa noche, cae en una depresión brutal hacia los malos hábitos de la droga y la vagancia. Mientras, Yeka no sabe qué hacer. Su mundo cambia, se comienza a dar cuenta de cómo es su entorno realmente, sale abruptamente de su burbuja infantil para ver que en su hogar, la toma, hay tráfico de drogas, armas de fuego, prostitución, hay pobreza; que se refugian en la música urbana con el fin de salir de esa pobreza e ir con eso a la anhelada y mal enfocada opulencia. Esa es su realidad, es su mundo, y es visto todo normal.

Pero para ella las armas y la droga no son normales, tampoco la pobreza de no tener un hogar digno. Ahora lo ve. Su percepción de vida cambió de golpe. Viviendo ahora con su pena, trata de alguna forma de hacer cambios. Una niña que debe enfrentarse a un mundo de adultos.

La cinta toca temas relevantes a nivel país, como ya señalé: las tomas, en ese mismo contexto la pobreza, la falta de querer superarse de muchos, versus aquellos que buscan soluciones; la música urbana que está muy en boga hoy en día, en especial en las personas de escasos recursos y esa misma música que habla de temas de drogas, armas y violencia en sí, tomándolos como normales. Es una cultura aparte, donde se normaliza lo que no debe ser normal, pero es algo real y es parte del guion que nos trae el director, una crítica social.

Pero la ejecución, de forma estética, quedó por debajo de su predecesora pues, al igual que en la anterior, hubo participación de personas sin experiencia actoral. Acá se notó en muchos su falta de preparación en esa área, versus otros que fueron un poquito mejor. Con o sin experiencia actoral, uno puede encontrar buenos resultados, pero acá las actuaciones, en su mayoría, no logran conmover, por la falta de credibilidad.

La música es contagiosa, sin transformarse en un hit ni hacerte bailar en el momento, en donde el cantante urbano de la cinta es conocido (para quienes siguen la temática) y se llama Benji Gramitos. Él escribió temas especialmente para la película.

La puesta en escena es muy destacable ya que se rodó en la misma toma, siendo un trabajo de comunidad, donde la fotografía aportó a la trama con buenos enfoques. También la edición, para contar la historia, está bien realizada.

En cuanto al sonido, los silencios están bien efectuados, pero hubo muchos momentos en que no se entendía lo que hablaban los partícipes, sentí que se necesitaba un traductor para ir leyendo.

Una cinta sobre realidades que se deben discutir.

Ficha técnica

Dirección y guion: Juan Cáceres
Ficción/ Drama
86 minutos. 2025. Chile.
Elenco: Antonella Bravo, Vanyelina Muñoz, Pascale Rojas, Valentina Muñoz, Benjamín Gamboa, Marcela Salinas, Paula Dinamarca, Paola Lattus, Roberto Cayuqueo, Elsa Jeria

Good Boy: confía en su Instinto - Por Carlos Correa Acuña

Buena premisa aunque se diluye con la ejecución. Una lástima.

“Good Boy” es una película de terror algo diferente. Está narrada desde la perspectiva de Indy, un perro Nova Scotia Duck Tolling Retriever que es fiel y leal a su amo Todd -Shane Jensen-. Podemos observar esto desde el inicio, cuando un incidente de salud de Todd lo pone en alerta. A continuación, sin mayores explicaciones, nos remontamos a videos que retratan los primeros años de Indy, su crecimiento y un rasgo que pronto se vuelve característico: su gran preocupación y cariño.

La historia prosigue con el viaje de Indy y Todd desde la ciudad de Nueva York hasta la casa rural de su difunto abuelo ubicada al interior de un bosque, un lugar especial y aislado que no solo guarda recuerdos, sino también secretos. En ese sitio se desarrollará prácticamente toda la acción, en una casa aparentemente encantada, aunque en realidad parece que está habitada por oscuras presencias.

Ben Leonberg dirige este filme usando los recursos típicos del género. Sentimos y observamos la lluvia; la penumbra es constante y la falta de luz se vuelve un recurso recurrente. Desde el punto de vista de la filmación, abundan los planos cerrados y enfoques que están cien por ciento dedicados a Indy. Durante casi todo el metraje no hay rostros en cámara, solo cuerpos y siluetas, fotografiados en forma artística para destacar al único y gran protagonista.

La cámara de Leonberg juega también con planos amplios, fijos y muy luminosos, donde vemos a los protagonistas acercarse lentamente, o bien pasar de un lado a otro en la pantalla. Un acierto, porque produce un gran contraste, al punto de tener escenas -como una de las primeras, con el bosque de día- que se recuerdan claramente por su amplia contemplación y belleza. Acercamientos y alejamientos progresivos suman herramientas narrativas al tratamiento audiovisual de la película, aunque no aportan mucho a una trama que avanza muy lentamente.

La banda sonora a cargo de Sam Boase-Miller es quizá lo más interesante de este trabajo. Configurando pasajes aleatorios asignados básicamente a instrumentos de cuerda baja, el suspenso que se produce es inquietante. Por ejemplo, el timbre del contrabajo -con sonidos armónicos y notas largas-, ejerce un contrapunto interesante con los trémolos “in crescendo” de las otras cuerdas, cortados abruptamente por certeros golpes de arco, o bien desarrollando movimientos cromáticos ascendentes y descendentes en el grupo orquestal. ¡Todo un concierto!

Volvamos ahora a la cinta. Todd se muestra errático en su actuar. De ser alguien cercano a Indy, pasa a dejarlo de lado. ¿Qué está pasando? ¿Por qué ve repetitivamente esos videos de su abuelo, aparentemente sin ningún sentido? ¿Acaso también presiente algo?

La información en esta cinta se transmite a través de las llamadas telefónicas de Todd con su hermana, algunas fotos, los videos ya mencionados y, por cierto, las certeras miradas de Indy. Todo aquello es sugerente, porque las presencias que residen en la antigua casa son quizá recuerdos que están volviendo a la vida a través de diferentes dimensiones temporales.

Un párrafo para el protagonista: Indy. Es increíble la manera cómo actúa, la tranquilidad que expresa su mirada y la elegancia con que se mueve en cada toma. Parece hecho para este papel. Es más, tengo una hipótesis: muchas de las escenas que vemos en la película podrían haberse filmado antes del rodaje final, entregando elementos para elaborar el montaje final. Pero es solo una suposición, aunque basada en un hecho cierto: Indy es el perro de Leonberg y Kari Fischer, productora de la cinta, por tanto, todo lo que vemos es muy realista. Indy huele, siente, ve y sueña; realmente actúa para la cámara.

“Good Boy”, en solo 72 minutos, se va deshojando y se pierde hacia el final. Todos los méritos expuestos se reducen porque la historia no logra cuajar y la gran cantidad de insumos que se presentan confunde más. No obstante lo anterior, se trata de una película distinta, tal vez experimental, donde es posible apreciar el material trabajado a pesar de un desarrollo que resulta algo fallido. Veremos cómo acompaña la taquilla, pues de eso dependerá el futuro del bueno de Indy.

Ficha técnica

Título original: Good Boy
Año: 2025
Duración: 72 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: What's Wrong With Your Dog
Género: Terror. Thriller | Perros/Lobos. Sobrenatural. Cine independiente USA
Guion: Alex Cannon, Ben Leonberg
Música: Sam Boase-Miller
Reparto: Shane Jensen, Arielle Friedman, Larry Fessenden, Indy
Dirección: Ben Leonberg

Good Boy: confía en su Instinto - Por Juan Pablo Donoso

Novedoso suspenso paranormal, narrado desde la perspectiva de un perro capaz de percibir la presencia de siniestros fantasmas.

Compañero fiel de un amo solitario, gravemente enfermo, deben ocupar una vieja mansión deshabitada de antepasados fallecidos.

Historia de terror en que Indy - un Nova Scotia Retriever - deberá interactuar por instinto contra malvadas presencias espectrales.

Un drama de cómo nuestro compañero y protector más fiel presiente, sufre, y debe enfrentarse a un misterio esotérico que involucra a todas las especies.

Hay algo de experimental en esta nueva perspectiva del horror. ¿Existe también el pavor insólito en los animales? ¡Más aún si pueden detectarlo!

Fotografiada enteramente desde el ángulo de Indy. De los humanos casi todo es de cintura para abajo. Del amo solo escuchamos su voz, sus lamentos, y seguimos sus pasos.

El resto son los crujidos de la casa, los jadeos en oscuros rincones, las puertas que se abren solas, la espesura maloliente del aire en las habitaciones, los gemidos provenientes del subterráneo, y las criaturas invisibles tras los árboles del bosque.

Protagonizar con un perro requirió 400 días de cámara durante tres años. El esfuerzo valió la pena. La paleta visual logró excelente luz y sombra para crear la atmósfera de tensión y recelo.

La magnética - y a la vez inconsciente -presencia de Indy en pantalla nos remite al heroico vínculo humano/animal de las 7 inolvidables versiones japonesas de Hachiko (1987 al 2025).

Loable mérito del guionista y director Ben Leonberg quien, junto a su esposa la productora Kari Fischer, transmiten lo traumático que puede ser para un perro sentir que todo su mundo se derrumba sin entender por qué.

Hubiéramos deseado que los espectros fueran más etéreos que concretos. Es más aterradora la ambigüedad invisible de las presencias. Fenómeno sugerente que lograron Stanley Kubrick con El Resplandor y Ojos Bien Cerrados, y previamente Robert Wise con la Casa Embrujada (1963).

LÓBREGA HISTORIA DE AMOR CANINO, LEALTAD Y VÍNCULO QUE DESAFÍA A LAS CRIATURAS DE LA OSCURIDAD.

Ficha técnica

Título Original: Good Boy - 2025

Lealtad, terror EE.UU. - 1,12 hs. 

Fotografía: Wade Grebnoel 

Edición: Curtis Roberts 

Música: Sam Boase-Miller 

Diseño Prod.: Alison Diviney 

Guion: Alex Cannon, Ben Leonberg 

Actores: Indy (2l perro), Anya Krawcheck, Arielle Friedman Dirección: Ben Leonberg

Dahmer - Monstruo: la historia de Jeffrey Dahmer - Por Jackie O.

“El Caníbal de Milwaukee”

La miniserie relata la vida del asesino Jeffrey Dahmer y explora los diferentes motivos que probablemente lo llevaron a convertirse en uno de los asesinos en serie más famosos de los EEUU. A lo largo de la serie, se exploran vivencias de su infancia y adolescencia, influenciadas por un padre ausente y una madre drogadicta.

¿Cuán cierto es el ambiente familiar para definir tu negativa forma de ser? ¿Existe la intención del ser humano en pensar no seguir los malos hábitos de su hogar, por ser mejor persona? ¿Por qué un criminal hace lo que hace?

Esta y más preguntas nos surgirán en este tipo de trabajos cinematográficos.

"Monstruo", así llamaron al primer trabajo que comenzó creyendo sería el único, pero al ver el éxito, se le agregó el nombre del principal personaje, y así van hasta ahora tres temporadas, tres monstruos.

Son 10 capítulos para contarnos la vida, ficcionada por supuesto, del joven Jeffrey Dahmer. Entiéndase que la historia está basada en hechos reales, pero no es real todo lo que vemos, hay personajes inventados, otras situaciones exageradas, etc., todo con un fin publicitario. Esto mismo generó cierta controversia con familiares de las víctimas.

Lo que vemos en esta historia es a un pequeño Jeffrey que convive con su madre embarazada. Todos los días toma una serie de pastillas, está ida, notoriamente sus facultades mentales perturbadas; con un padre ausente, ya que siempre trabajaba, y a veces fuera de la ciudad, no viéndolo por días. Es un niño solitario, más aún cuando su hermanito nace, ya que la atención se va hacia él, sin contar las numerosas veces que su madre intenta suicidarse.

No tiene amigos en el colegio, no es buen alumno, es tímido, y sin atención de sus padres. ¿Qué futuro tiene?

Su padre trata en algún momento de hablarle sobre algún interés, que tenga un hobby, y al ver que le gusta la anatomía, intenta este padre, creyendo que hace lo mejor, en enseñarle a diseccionar animales. Tal vez creyó que con esto tendría a un futuro médico, pero no, le gustó la taxidermia y… ser asesino serial.

En esta serie vemos como Jeff crece siendo muy tímido, es homosexual y lo oculta, concurre a clubes gays donde varias de sus víctimas las capta ahí, los lleva a su hogar, los droga y procede a matarlos, ejerciendo también la necrofilia. Los detalles de los asesinatos no los describiré porque son brutales. Pero como esto es basado en hechos reales, los pueden googlear.

Estéticamente, está contada desde diversos ángulos la historia, diferentes personajes nos muestran su vivencia y empatizamos con ellos. Pero la actuación de Evan como Jeff es muy buena, nos conmueve su infancia solitaria, detestamos a sus padres, pero lo odiamos cuando crece. Realizó un buen estudio de personaje. El resto del elenco también estuvo muy bien escogido.

La puesta en escena está bien lograda, se supo ambientar las épocas 60, 70 y 80 que es donde ocurrieron los hechos principales.

El maquillaje muy bueno, con un vestuario acorde a la época, así como la banda sonora.

Buen guion, ya que retrata varios temas que, con el paso del tiempo, vemos que hay situaciones que no cambian: la discriminación racial y social. El poco manejo e intereses de las autoridades con los más marginados. Las malas relaciones parentales.

También trata temas como el odio, el perdón, la morbosidad de la prensa y de las personas en general, de la salud mental, las fallas del sistema.

En qué podría reparar es en su edición, con dos capítulos menos se cuenta lo mismo.

Es bueno conocer la historia de estos personajes para ver que la realidad supera la ficción, y ser una alerta para que las autoridades busquen métodos y, tal vez, frenar en parte la ola de delincuencia con bases más sólidas, cuando los padres a veces están alejados, desinteresados o sin las herramientas en educar a sus hijos.

Pero también es muy lamentable exponer estos relatos, por la revictimización de los familiares.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Protagonistas Evan Peters, Richard Jenkins, Molly Ringwald, Niecy Nash, Michael Learned, Penelope Ann Miller.
Creadores del programa: Ryan Murphy, Ian Brennan.
2022.
Varias nominaciones y premios, dentro de los cuales está el Globo de Oro para Evan Peter, y el Critics' Choice a Niecy Nash.

La Máquina: The Smashing Machine - Por Carlos Correa Acuña

Las peleas realistas, bien coreografiadas y filmadas muy de cerca, con música tensa y repetitiva, son el sello de esta película escrita y dirigida por Ben Safdie. Se trata de un biopic especial, la historia real del luchador Mark Kerr -Dwayne Johnson-, pionero de la UFC -Ultimate Fighting Championship-, un hombre con grandes aspiraciones deportivas y complejas relaciones personales.

La trama abarca pocos años, a fines de los noventa, y muestra a Kerr iniciando un ascenso que parece no tener techo, una creciente adicción a las drogas y un tortuoso noviazgo con su compañera de ruta, Dawn Staples, interpretada por Emily Blunt.

El suspenso se respira en el aire. Las peleas se suceden unas tras otras y las victorias no dejan lugar a dudas. ¿Quién detiene a Mark?, parecen preguntarse todos quienes le conocen y siguen. La sensación es que nadie posee esa capacidad; sin embargo un abrupto golpe vendrá de la mano de su primera derrota formal en la liga.

Dwayne Johnson brilla con su interpretación. Acostumbrados a ver al hombre rudo tras el fornido actor, el director Ben Safdie modifica nuestra perspectiva al mostrar a una persona vulnerable en su intimidad, llena de temores que se ocultan debajo de sus grandes músculos. Johnson sorprende. La construcción de su personaje parece no tener grietas; es cercana y creíble, dando cuenta de un trabajo exhaustivo y dedicado. Los cambios de personalidad del protagonista son, tal vez, lo que emerge con más fuerza y se refleja en sus confusiones públicas y en el desarrollo del romance tórrido con Dawn.

No llegamos a conocer las motivaciones principales de Mark Kerr. Pareciera que nada supera lo que siente en el cuadrilátero, por ello relega todo lo demás a lugares secundarios que no representan motivación alguna. Es probable que esa sea la causa de su adicción, que empeora día a día, y que le provoca euforia, tristeza, ira desmedida y un abatimiento generalizado.

Cuando sobreviene una crisis, la decisión de emprender un largo camino de rehabilitación es, tal vez, la única opción posible. Y hacia allá se enfoca Kerr, llevando a cabo una preparación ardua junto a Bas Rutten -que se interpreta a sí mismo-, y que culmina en una de las mejores secuencias mientras, de fondo, escuchamos “My Way”.

Ben Safdie filma con seguridad. Es capaz de combinar sin problemas la pirotecnia de las peleas con las escenas más íntimas. Es notable su trabajo con Johnson; sin embargo, resulta extraño el tratamiento que le da a los personajes secundarios y especialmente al rol de soporte de Emily Blunt. Mientras ella entra y sale de la pantalla y a veces está ausente por largos minutos, el director tampoco se detiene en el personaje de Mark Coleman -Ryan Bader-, gran amigo de Kerr, entrenador, compañero de combate y un verdadero cable a tierra. Un breve paso por la rutina familiar de Coleman no resulta suficiente para explicar su rol, que solo debemos imaginar y componer nosotros mismos.

“The Smashing Machine”, con sus dos horas de duración, tiene varios puntos a destacar. Primero, conocer la historia de un pionero en el deporte violento y brutal de las artes marciales mixtas; segundo, observar a Dwayne Johnson en un papel dramático que logra sortear con aplausos; y tercero, descubrir, un poco antes de los créditos, al verdadero Mark Kerr comprando en un supermercado, como una forma de poner en evidencia el excelente trabajo de recreación realizado y también reconocer en vida a un deportista que abrió el camino para el desarrollo de nuevas generaciones en el difícil y complejo mundo de las artes marciales mixtas.

Ficha técnica

Título original: The Smashing Machine
Año: 2025
Duración: 123 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: A24, Out for the Count, Seven Bucks Productions. Distribuidora: A24
Género: Drama | Biográfico. Wrestling/Lucha libre
Guion: Ben Safdie
Música: Nala Sinephro
Fotografía: Maceo Bishop
Reparto: Dwayne Johnson, Emily Blunt, Ryan Bader, Bajo Rutten, Oleksandr Usyk
Dirección: Ben Safdie

And Just Like That... El documental - Por Jackie O.

“Tras bambalinas”

Sinopsis: A finales de los 90, "Sexo en Nueva York" (1998-2004, Sex and the City) tomó por asalto la televisión con su perspectiva honesta e hilarante sobre el amor, las relaciones... y el sexo, ganando legiones de fans y devotas. Más de 20 años después, este documental ofrece una mirada única entre bastidores a la filmación de la serie secuela "And Just Like That...".

Sobre esta serie, ícono de los 90, películas y la serie secuela, la comenté en su momento y te dejo acá el enlace https://www.cinema3.cl/search?q=And+Just+Like+That...

Este es un documental sobre la serie, de cómo se realizaban sus ensayos, la conexión de sus personajes, de la ausencia de otros, y por supuesto, el vestuario.

No estanos ante un trabajo imperdible, sino de algo simple, más para los fans de la serie y los fashionistas, ya que la mayor parte se basa en la elección del vestuario, donde es fascinante inmiscuirse en ello y creo que debe ser igual para todos los trabajos cinematográficos, o casi todos. Cuál es la forma de buscar la prenda perfecta y sus accesorios para el rol que tiene cada personaje, y lo increíble que es, cuando solo por segundos o pocos minutos, usan esas prendas después de todo el trabajo de búsqueda que han realizado antes.

Se entrevista a directores, actores, fotógrafos, vestuaristas y a todos quienes participan en la serie. La relación entre ellos, cómo vivieron este reencuentro 20 años después, cómo afrontar la pandemia en las grabaciones y lo que sucede con los nuevos personajes versus los antiguos; un todo.

Interesante saber que no solo los que están frente a la pantalla aportan, sino que es un equipo más grande, y que son importantes.

Algo relajado para disfrutar una tarde.

Buena edición, grato de ver.

Disponible en HBO

Ficha técnica

Título original: And Just Like That... The Documentary
2022. 70 minutos
Dirección: Fabien Constant

La Máquina: the Smashing Machine - Por Juan Pablo Donoso

Es un “docudrama”. Es decir, un documental dramatizado. Y cumple con su objetivo.

Historia de Mark Kerr, el más eximio luchador, campeón deportivo en EE.UU., de la MMA, en su época más gloriosa de la UFC.

En 2002 hubo un excelente documental homónimo sobre este gladiador contemporáneo, dirigido por John Hyams, con sus verdaderos integrantes, y trozos de combates reales.

A diferencia de la tradicional lucha libre, el MMA significa Artes Marciales Mixtas: combate de contacto total que combina diversas disciplinas como boxeo, jiu-jitsu, lucha libre y muay thai. Hay que derrotar al oponente mezclando golpes y agarres, ya sea de pie o en el suelo.

A su vez, el UFC (Ultimate Fighting Championship) es la organización de artes marciales mixtas (MMA) más grande del mundo, que organiza peleas con los mejores luchadores del planeta. Desde 1993 ha evolucionado hasta convertirse en una de las plataformas más reconocidas, instaurando reglas y categorías de peso para asegurar la integridad de los peleadores.

Más que en un clásico relato deportivo, la dramatización se centra en la psiquis del héroe. Mientras va alcanzando la fama, Mark se enfrenta a una batalla mucho más difícil: la adicción. Viaje emocional y físico, que retrata los lados oscuros del éxito.

Aquí, la titánica batalla es de Kerr luchando contra sí mismo, sus debilidades y el tormento de sus propias metas: ser el mejor del mundo.

Expone la carga emocional y psicológica que llevan estos atletas.

Si antes conocíamos a Dwayne Johnson como “La Roca”, astro de lucha libre, y luego convertido en musculoso héroe solo en filmes de acción, con este rol nos depara una gran sorpresa: es muy buen actor. Desaparece tras el papel y encarna la vulnerabilidad.

Con un maquillaje menos reconocible, retrata la complejidad de un luchador dividido entre sus demonios internos y las batallas profesionales. Paradojal mezcla de hierro y cristal.

Aparte de la brutalidad de los deportes de combate, profundiza los sacrificios y la humanidad detrás de ellos.

El guionista (de Oppenheimer) y realizador Benny Safdie nos expone las agridulces relaciones de Kerr con su esposa y sus compañeros. Vemos el dolor en sus ojos, el colapso de un hombre imbatible en el ring, pero frágil en su propio hogar.

La actriz Emily Blunt (El Diablo viste a la Moda - 2006), como su esposa Dawn Staples, también merece nuestro aplauso. Ella alterna la solidaridad con el agotamiento, el desgaste emocional de vivir con alguien que puede destruirse a sí mismo con la misma rapidez con que destruye a sus oponentes. La química entre ellos es tierna, caótica y comprensible.

Destacamos la presencia actoral del luchador Ryan Bader como Coleman, amigo fiel y contrincante profesional.

En los créditos finales vemos al verdadero Mark Kerr, como es hoy día: estabilizado y en paz.

TESTIMONIO DE REDENCIÓN. DOCUDRAMA DE LO QUE OCURRE CUANDO NUESTRA IDENTIDAD DEPENDE SÓLO DEL TALENTO TRIUNFAL DE LA FUERZA FÍSICA.

Ficha técnica  

Título Original: La Máquina, the Smashing Machine -2025 

Docudrama, biografía, boxeo. EE.UU., Japón, Canadá - 2,03 hrs. 

Fotografía: Maceo Bishop 

Música: Nala Sinephro 

Diseño Prod.: James Chinlund

Actores: Dwayne Johnson, Emily Blunt, Ryan Bader 

Editor, guionista y director: Benny Safdie

La Venganza - Por Carlos Correa Acuña

La apertura no da muchas pistas, pero un sonido de alta definición anticipa lo que vendrá. Se trata de una prisión que tiene diferentes bloques distribuidos según la peligrosidad y las características de sus convictos. La rutina diaria adormece tanto a los guardias como a los reclusos. Uno que otro problema, clases para los internos y ejercicios de relajación, entre pausas, nada parece variar para Eva Hansen -Sidse Babett Knudsen-, acostumbrada a lidiar con sus múltiples funciones como una funcionaria más del recinto.

El escenario cambia cuando llega un nuevo prisionero, Mikkel -Sebastian Bull-, un asesino con un importante prontuario carcelario a cuestas que de inmediato es trasladado al área más peligrosa. Eva, que lo ha mirado en silencio y parece reconocerlo, pide ser trasladada al mismo sector. ¿Qué relación tienen? ¿Existe un pasado que une a estos dos personajes? ¿Hacia dónde se orientará esta historia entre dos personas encerradas, uno por los actos que cometió y la otra por el oficio que decidió ejercer?

Gustav Möller dirige un thriller sicológico que se va intensificando con el correr de los minutos. No resulta extenso, pero se torna cada vez más denso por los temas que el director va exponiendo en pantalla. Eva parece idealista a pesar de arrastrar un gran dolor. La justicia -o quizá la falta de ella- ha calado hondo en su alma, afectándola profundamente en su modo de ser. Möller se interna en terrenos pedregosos al introducir la figura de Mikkel en el camino de la protagonista. El resultado es un elaborado relato sobre la culpa, la venganza, el poder, el control, los límites morales. Finalmente, podríamos decir que es casi un estudio acerca de la ética del comportamiento.

“Vogter”, su título original, significa guardián, nombre interesante y bastante menos evidente que su denominación en inglés, “Sons” (hijos). Tal vez esto sea una nimiedad, pero los títulos nos ayudan a la comprensión de un filme cuando nos aproximamos a él. En este caso, titularla “La Venganza”, no solo se aleja de su original, sino que, además, imprime inmediatamente un sesgo a nuestra percepción.

El fondo de la película es tan interesante como su puesta en escena. ¿Existe posibilidad de salvación o de redención, o el destino está escrito en piedra? ¿Los impulsos pueden cegar la racionalidad? ¿Es posible medir las consecuencias de los actos cuando la emocionalidad pasa por encima de la razón? ¿Existe el perdón genuino o aquello es solo una utopía? La narración plantea muchas más preguntas que Gustav Möller deja abiertas para generar nuestras propias reflexiones.

Actuaciones sólidas, cargadas de realismo, pocos diálogos y mucha sensibilidad son lo que provoca una cámara cercana que presiona a los protagonistas permanentemente. Esos primeros planos no son casualidad, porque reducen los espacios y hacen que cobre importancia también lo que está fuera de cada cuadro. La iluminación cerrada, mayormente artificial en tonos grises y oscuros, da cuenta de un sistema carcelario en decadencia y de una moralidad que se diluye entre las manos. La atmósfera se torna irrespirable: oprime, agobia, conmueve.

100 minutos de metraje para una cinta que interpela y queda abierta a interpretaciones. La esperanza es lo último que se pierde, lo sabemos, pero a veces la luz al final del túnel es demasiado tenue como para ser percibida.

Ficha técnica

Título original: Vogter
Año: 2024
Duración: 100 minutos
País: Dinamarca
Compañías: Coproducción Dinamarca-Suecia; Nordisk Film, Radio (DR), SVT, Les Films du Losange
Género: Thriller. Drama | Drama carcelario
Guion: Emil Nygaard Albertsen, Gustav Möller
Música: Jon Ekstrand
Fotografía: Jasper Spanning
Reparto: Sidse Babett Knudsen, Sebastian Bull, Dar Salim, Marina Bouras
Dirección: Gustav Möller

La Culpa - Por Ana Josefa Silva

En @primevideolat

De Gustav Möller, el mismo director de la recién estrenada LA VENGANZA
85 Minutos de Suspenso

Hay que ser en extremo imaginativo y talentoso como para imprimir tanta tensión y nervio a una película que transcurre en unas oficinas más bien pequeñas y, más específicamente, enfocada en la cabeza del protagonista con los audífonos puestos.

En estos 85 minutos de suspenso, que no sueltan al espectador y que transcurren en tiempo real, tan solo en algunos escasos momentos la cámara se abre hacia las otras personas que están en esa habitación y poco más de un par de diálogos se producen entre ellos.

Todo lo demás se concentra en Asger Holm (un asombroso Jakob Cedergren), un oficial de policía que ha sido trasladado temporalmente a la Central de Emergencias (como el 911 de EE.UU.), donde, a contrapelo, cumple funciones como operador telefónico.

Hay más de una historia en este espacio impoluto y sofocante, pero no están exactamente allí.

Una parte está en la atormentada conciencia de Holm.

La otra comenzará a suceder allá afuera cuando el oficial coge el llamado de una mujer, Iben, que se escucha algo débil y cuyo tono enciende las alertas del ágil patrullero que es Asger.

No han pasado ni 10 minutos del filme.

Holm no tiene el control sobre lo que está ocurriendo en su vida y más bien es el destino el que se lo lleva por delante.

Sí: en un momento él tomó una decisión irreversible, no del todo pensada; y a lo que asistimos es a las consecuencias, en cascada, de aquello.

El espectador sabe tanto (o tan poco) como Holm, atrapado en sus audífonos, deduciendo lo que ocurre en torno a la dramática llamada de Iben. El rastreo computacional y la escasa información que la mujer proporciona le permite a este policía hábil ampliar “la escena”.

Todo lo que conocemos es aquello que llega a su teléfono (lo que a su vez comunica a la Comisaría) y lo que el oficial deduce que ocurre, que no necesariamente corresponde a la verdad o parte de ella.

Luego está aquello que ya ha sucedido, y que es el motivo por el cual un policía de acción está sentado en esa silla; y enseguida, lo que se avizora que acontecerá mañana, en unas horas más, cuando termine su turno a medianoche.

Cada trozo de realidad —el confuso presente de Iben, el reciente pasado de Holm, que está determinando su futuro— se va abriendo alternadamente a los ojos del espectador a través de escuetos diálogos y breves escenas, cuya intensidad va en un permanente in crescendo.

En su opera prima, Gustav Möller maneja con maestría y sobriedad los elementos de este thriller policial que ulteriormente se dibuja como lo que realmente es: una dolorosa tragedia que circula de ida y vuelta por la línea telefónica.

Cedergren responde con una actuación contenida que amenaza con explosionar a medida que avanza el metraje.

Holm está enfrentado a un grave problema que resolver, pero sobre todo, a una disquisición moral y una eventual redención que aflora al momento de hacer empatía con su desconocida interlocutora.

Nada termina siendo lo que parece, aunque siempre la información estuvo allí.

Es que cuando estamos ante hechos estremecedores, los seres humanos solemos sacar conclusiones apresuradas, gatilladas por la emoción y el impacto, sin reparar en que solo disponemos de retazos de verdad.

El de Möller es un guion brillante, de esos a los que no les sobra ni les falta nada: cada giro calza como puzzle. Y su trabajo en la dirección, extraordinario.

No querrán ni parpadear: seguro una información relevante se les escapará.

Ficha técnica

The Guilty / Den skyldige
Dirección: Gustav Möller
Reparto: Jakob Cedergren, Jessica Dinnage, Omar Shargawi, Johan Olsen.
Dinamarca, 2018.
Duración: 85 min.

La Venganza - Por Jackie O.

“Heridas”

Eva es una funcionaria de prisiones que cumple las normas, hasta que llega el momento en que debe enfrentarse al dilema de su vida, cuando un joven de su pasado es trasladado a la prisión donde trabaja.

Eva nos muestra su rutina diaria en el trabajo como funcionaria de una prisión de hombres (gendarme en Chile), pero ella está en el módulo de los menos violentos. Con ellos tiene cercanía, los cuida, comparte una clase de meditación, les ayuda a estudiar, etc. Es como una madre y se ha ganado su respeto. Ella cree en la reinserción social, los protege y quiere que se superen. Es buena funcionaria, se lleva bien con todos sus colegas, aunque es poco sociable, se ve casi siempre seria, solo preocupada de su trabajo. Hasta que llega el día en que todo cambia, cuando ve que llega un nuevo grupo de interno, dentro de los cuales está Mikkel, un joven hostil y que va directo al módulo de los más peligrosos.

Ahí el mundo de Eva se cae. Ya estaba en un lugar tenso y asfixiante como una cárcel, pero dentro de todo cómoda, pero la llegada de este joven la descoloca y no sabemos por qué. Queremos pistas, hasta que encontramos una.

Eva pide ser cambiada al módulo de Mikkel. Ahí las reglas son otras, el lugar es rudo y por ende no se puede confiar en nadie. Y ella muestra su lado oscuro, ese reprimido, escondido por años y que desata contra Mikkel, quien es un joven rebelde, peligroso y manipulador.

¿Eva, de ser protagonista pasa a ser una antagonista?

Estamos ante una película que nos muestra un mundo asfixiante como es una penitenciaria (cárcel), los peligros que en ella abundan y también los momentos de superación para la tan anhelada reinserción social. Un mundo lleno de estrés, con interminables turnos, y riesgos en ambos lados.

Tiene una premisa muy interesante y llena de misterio, con temas muy relevantes como la justicia, la redención, el poder, madres tristes, la venganza personal, los límites del perdón al otro y a uno mismo. Pero su guion decae a medida que avanza la trama. Su primera parte, llena de misterio, se diluye cuando sabemos todo, sintiendo que avanza y termina sin fuerza. Algo sucede con el ritmo.

Luego de ver su gran opera prima (Den skyldige) este director se aleja de aquella tensión que nos provocó de principio a fin, aunque toca algo similar: un lugar de trabajo tensional, con situaciones psicológicas a veces descontroladas. Que es muy bueno, pero acá el ritmo cambia repentinamente.

La puesta en escena está bien, ya que se filmó en una cárcel de Copenhague, ahora sin uso. Pero se ven muchas falencias en el manejo de procedimientos dentro de ella por parte de los funcionarios. Hay incongruencias que se desarrollan en un lugar hiper vigilado (creo ser muy estricta en ello en las cintas, por conocer del tema)

Los movimientos y tomas de cámaras son muy buenas, ya que nos reflejan, o por lo menos así se siente, las actitudes de nuestros protagonistas (rejas alineadas a una silueta, tomas borrosas, miradas, etc.)

Las actuaciones son muy buenas; tenemos dos generaciones: Eva, una mujer madura llena de pena y odio, versus un joven que tiene un descontrol de sus impulsos que lo lleva a la miseria.

Ambos no tienen, tal vez, un futuro. Se sumergen cada vez más en sus demonios internos. Dependerá de ellos si quieren seguir en el mismo camino.

Es resumen es una buena película, por su temática que es muy interesante. Es objeto de análisis de diferentes aristas de la vida misma.

Ficha técnica

Título original: Vogter (Internacionalmente se ha promocionado con el título de “Sons”)
Director: Gustav Möller
Guion: Gustav Möller y Emil Nygaard Albertsen
Dinamarca /Suecia
Thriller dramático
100 minutos. 2024
Reparto:
Sidse Babett Knudsen: Eva
Sebastian Bull: Mikkel
Marina Bouras : Helle, madre de Mikkel
Olaf Johannessen : director de la prisión
Jacob Lohmann : El sacerdote

Muerte a la Medianoche - Por Juan Pablo Donoso

Fastuosa producción llena de pequeñas y grandes intrigas entre prepotentes aristócratas, secretarios ambiciosos y variados miembros de la servidumbre.

Es, sin duda, la matriz de laureados filmes y teleseries posteriores como Downton Abbey (2010), Upstairs, Downstairs (versiones hasta 2012) - Lo que Queda Del Día (1993)- Howards End (1992) y la huella indeleble de Agatha Christie, entre otras.

Ambientada en una antigua mansión de campo inglesa, de la familia McCordle, donde se celebra una partida de caza de fin de semana con distinguidos invitados.

Pléyade de famosos actores ingleses y norteamericanos. Quien los reconozca, aunque sea parcialmente, disfrutará viéndolos interpretar a cada uno de los muchos sospechosos de esta sofisticada tragicomedia costumbrista policial de los años 30 en Inglaterra.

Con elegancia y talento nos ilustra esa fina línea que divide las estructuras sociales amo/sirviente; y con qué frecuencia se traspasa. Nos recuerda que las convenciones son solo un juego de disfraces y máscaras, y que por debajo somos todos iguales.

Robert Altman utiliza el misterio del crimen solo como pretexto para desnudar la miseria humana, y ridiculizar la jerarquía de clases. Los deslices sexuales secretos entre patronas y subalternos serán mantenidos bajo discreto sigilo.

Al rodaje se invitó como expertos a viejas criadas, amas de llaves, mayordomos y cocineras para que autentificaran el comportamiento y reacciones que debían adoptar los actores.

Gota a gota se va revelando - más que la identidad del asesino - la hipócrita intimidad de toda esa galería de rimbombantes individuos.

De cada uno se vislumbra la punta del iceberg de sus arcanos orígenes. En las teleseries posteriores fue, justamente ese aspecto, lo que desarrollaron para deleite de los millones de espectadores en el mundo.

Pintoresca presencia de Bob Balaban como el homosexual productor de cine estadounidense - quien fue co-autor de tan compleja maraña argumental - junto al director Robert Altman.

Retrato muy aproximado a la realidad que denuncia.

Al comienzo resulta difícil de seguir. Las relaciones y sub-tramas parecieran tener poca ligazón entre sí. Pero de este enmarañado tejido inicial emerge el fondo trascendente del relato.

Recomendamos evitar devanarse por comprender todo de inmediato. Bastará disfrutar de las breves interacciones para constatar cómo adquiere luz al final.

Se mantiene a la altura de otras de Altman como Nashville (1975), Vidas Cruzadas (1993) y M*A*S*H (1970) en su destreza para entretejer conflictos sin perder la médula del relato.

Sutil tragicomedia de costumbres, motivos y relaciones dentro de un orden social decadente

Visible en YouTube

PARA IRLA DESENTRAÑANDO CON CALMA Y DISFRUTAR DE UN ELEGANTE PANORAMA EXTERNO, EN CONTRASTE CON UN MISERO MUNDO INDIVIDUAL. 

2001: Oscar: Mejor guion original. 7 nominaciones 2001: Globos de Oro: Mejor director. 5 nominaciones 2001: 2 premios BAFTA: Mejor film británico y diseño de vestuario. 9 nominaciones 2001: Premios César: Nominada a mejor película europea 2001: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor director, actriz sec. y guion. 5 nominaciones 2001: Asociación de Críticos de Los Angeles: Nominada a mejor dirección y actriz.

Ficha técnica

Título Original: Gosford Park

2001 - Tragicomedia social, crimen, misterio EE.UU., Inglaterra, Italia - 2,17 hrs. 

Fotografía: Andrew Dunn 

Edición: Tim Squyres 

Música: Patrick Doyle 

Diseño Prod.: Stephen Altman 

Guion: Julian Fellowes, Robert Altman, Bob Balaban 

Actores: Maggie Smith, Helen Mirren, Michael Gambon 

Director: Robert Altman

La Hermanastra Fea - Por Carlos Correa Acuña

¡Sorpresa! Cuando esperábamos una nueva película de terror, una más del género, emerge una cinta que va bastante más allá. Primero, se trata de un terror diferente y que aparece catalogado como “body horror”; segundo, lo que vemos en pantalla es solo una parte de lo que encierra tras sus capas; y tercero, no abusa de ninguno de los elementos sobre los que está construida. ¿De qué se trata, entonces, “La hermanastra fea”?

Como introducción, una música especial -variaciones sobre una escala pentatónica elaborada con toques expresionistas- entrega algunas pistas sobre lo que vendrá a continuación. Al volverse más clásica, la armonía acompaña a tres personajes femeninos, una madre con sus dos hijas, en su llegada a un enorme Castillo con el objetivo que Rebekka -Ane Dahl Torp-, ya viuda, se case con otro viudo, Otto -Ralph Carlsson-, dueño del lugar y padre de la hermosa Agnes -Thea Sofie Loch Næss-.

Un incidente en la noche de bodas -no haré spoiler- permite revelar la verdad: el matrimonio, por ambas partes, era solo por dinero. Él pensaba que ella tenía; ella pensaba que él tenía. Ni lo uno ni lo otro. Ambas familias estaban en bancarota. Lo que sucede es tan abrupto que a Rebekka no le queda otra opción que hacerse cargo del lugar junto a sus poco agraciadas hijas Elvira -Lea Myren-, y Alma -Flo Fagerli-, quienes deben convivir a la fuerza con su nueva hermanastra.

La invitación a un baile ofrecido por el Príncipe Julián -Isac Calmroth-, a concretarse en cuatro lunas llenas, da inicio a las acciones. Elvira siempre ha soñado con el príncipe, lee sus escritos y está perdidamente enamorada de él. Pero, ¿Julián se fijará en ella, siendo una joven simpática pero alejada de los cánones de belleza tradicionales? Rebekka, conocedora de las aspiraciones de su hija, decide intervenir, para cambiar la fisonomía de Elvira con rudimentarias operaciones plásticas para corregir su nariz y otros aspectos de su rostro. Además, le entrega un huevo con una larva que, si lo ingiere -asegura-, todo lo que ella coma será devorado en su interior y así no tendrá más problemas de gordura.

Sobre la preparación para el baile transcurre la mayoría de la película y no seguiré adelantando la trama para que no pierdan la novedad del descubrimiento.

Vamos al análisis. La directora noruega Emilie Blichfeldt hace su debut escribiendo y dirigiendo esta historia. Se trata de un inicio promisorio, porque es capaz de guiar un relato con inspiración en el famoso cuento de “La Cenicienta”, aportando una mirada completa y totalmente diferente al clásico que conocemos, pero que, sin embargo, se acerca más al estilo particular de estas historias originalmente no concebidas para niños.

La ambientación y los decorados son estupendos. Nos sumergimos en el lugar, en cada habitación y en cada espacio, con una iluminación que permite observar solo algunos elementos, obligándonos a imaginar el resto. La banda sonora de John Erik Kaada y Vilde Tuv sorprende a cada momento, con una partitura incidental que cambia permanentemente y que, además, mezcla música actual y música electrónica, con algunas piezas clásicas muy bien escogidas. Coloración perfecta para los solos de arpa y un efecto especial con esos “glissandi” de los timbales, que provocan tanta tensión como la presión que se ejerce por momentos sobre sus parches.

Esta cinta transcurre en permanente preparación. Esperamos siempre: media hora, una hora, una hora y media y seguimos esperando. Algo viene, no sabemos qué, pero viene. Sin duda, se trata de mucho más suspenso que terror, aunque las escenas más crudas sean aquellas de las intervenciones plásticas y algunas mutilaciones de gran realismo.

Las actuaciones aportan gran credibilidad a la historia. Cada personaje está muy bien desarrollado, incluso los secundarios, que con muy pocos elementos dan a conocer el vasto interior de cada uno. Se nota la dirección de actores, pues la ubicación de cada uno en su espacio de tiempo permite que nada sature y que tampoco queden cabos sueltos, salvo los que la propia directora quiere destacar y mantener.

Emilie Blichfeldt plantea una feroz denuncia en esta cinta. Es cierto que es un tema que hemos visto otras veces y que tiene que ver con los cánones de belleza, la frustración que provoca en quienes no pueden alcanzarlos y el camino que algunas personas recorren para poder llegar a ellos. En este sentido, las transformaciones que tiene el personaje de Elvira son notables, no solo en el plano físico, sino también en el emocional. Hay muchas escenas en que la actriz Lea Myren está sola en pantalla, sin diálogos, actuando solo con sus gestos y miradas. La forma de transmitir su calvario interior es, por momentos, desgarradora, demuestra excelentes recursos expresivos con el mínimo de recursos a su disposición. Lo mismo sucede con otros personajes, cada uno bien ubicado en su cuadro, creando un círculo virtuoso que se complementa y se potencia durante todo el metraje.

“Den stygge stesøsteren” no es del todo explícita y eso se agradece. Vemos abusos, desamparos, ilusiones y frustraciones que, a pesar de ambientarse en una época pasada, resultan tremendamente actuales y con ello “atemporales”. El grito de la directora es transversal: la destrucción interna que provoca una transformación externa, simplemente no es medible, ni siquiera cuantificable. La vuelta de tuerca al relato tradicional de “La Cenicienta” resulta aún más apropiado, porque invita a reflexionar en profundidad sobre los verdaderos alcances de las apariencias y lo difícil que resulta rescatar lo realmente importante: la intimidad y el interior de las personas.

Casi dos horas más que interesantes: una grata sorpresa. Véanla, no se van a arrepentir.

Ficha técnica

Título original: Den stygge stesøsteren
Año: 2025
Duración: 110 minutos
País: Noruega
Compañías: Coproducción Noruega-Dinamarca-Rumanía-Polonia; MER Film, Lava Films, Motor, Zentropa International Sweden
Género: Terror | Gore. Body Horror. Comedia de terror
Guion: Emilie Blichfeldt
Música: John Erik Kaada, Vilde Tuv
Fotografía: Marcel Zyskind
Reparto: Lea Myren, Thea Sofie Loch Næss, Ane Dahl Torp, Flo Fagerli, Isac Calmroth [sv], Malte Gårdinger
Dirección: Emilie Blichfeldt

Tron Ares - Por Jackie O.

Es la tercera película de la saga "TRON". Ahora cuenta la historia de Ares, un programa altamente sofisticado que es enviado desde el mundo digital al mundo real, en una misión peligrosa.

En 1982 apareció esta película tomando el boom de los video juegos, ambientada en 1976, donde conocemos al joven Flynn, un destacado creador del video juego “Space Paranoids”, donde la mega industria ENCOM lo había despedido, y Ed Dillinger se queda con su creación para subir de cargo. Así que Flynn intenta piratear Encom, creando el programa llamado CLU, donde su ex novia junto a Alan Bradley lo ayudan, ya que ellos saben que ENCOM no es muy correcta como empresa, y Alan, creador del programa TRON, junto a Flynn, ingresan a la red. Así comienza la aventura cibernética donde conocemos al segundo al mando,  “Sark”, que se enfrenta a estos usuarios y programas. En el año 2010 llega la secuela, donde el protagonista es el hijo de Flynn, Kevin, también un experto programador que no se toma nada muy en serio. La cinta cuenta la historia 25 años después de la primera. Kevin al investigar la desaparición de su padre cae en un universo paralelo cibernético, ya conocido, donde los programas y usuarios nuevamente se enfrentan y vemos que los programas no son tan fríos, sino que nacen los sentimientos y entendemos la “permanencia”, esa llavecita creada para que los programas sean seres vivos. (Ambas películas las encuentras en Disney Plus)

Ya tenemos un resumen con nombres que se deben tener en cuenta para embarcarnos en esta nueva aventura de Tron 3 o Tron Ares.

ENCOM brilla con su tecnología, estando a la cabeza el nieto de Ed Dilliger, Julian, un joven ambicioso e inescrupuloso quien crea el programa ARES, una alta tecnología deslumbrando con que esta inteligencia artificial estará al alcance de la mano en nuestro mundo, listo como soldado. Pero oculta un problema con su programa a los inversionistas y su madre trata que siga un buen camino pero no, la ambición es más poderosa para la mente brillante del joven Dillinger.

Pero en otro punto del planeta tenemos a la genio de la tecnología Eva Kim, quien busca terminar el trabajo de su hermana, y bajo el manto de su ídolo Flynn, consigue la formula de “la permanencia”, pero las hermanas Kim lo hicieron con fines humanitarios. Julian quiere dicha fórmula, pero para fines no humanitarios. Así surge la cacería que le ordena a Ares hacia Kim, pero Ares comienza a cuestionar, algo que ya venía haciendo desde hace un rato, preguntando “los porqué de las cosas”, cuál Frankenstein, en vez de obedecer como el programa Atenea. Ares se convierte en prófugo por sus sentimientos, algo que no sabe entender aún.

Estamos ante una cinta de ciencia ficción con tintes Isekai, que no abusó tanto de los efectos visuales como me imaginé, aunque sí los hay y muchos, por lo que hay que apreciarla en la pantalla más grande que encuentres, porque es una experiencia visual fascinante. Tiene una fotografía bella; movimientos de cámaras en todos los ángulos la hacen ver fenomenal, tomas aéreas geniales y con un vestuario muy bonito.

Pero mantiene un guion débil, nada profundo, nos lleva a una pelea entre mortales (usuarios) y programas, sin un corte realmente interesante. Entonces… algo pasa que no logramos conectar profundamente con esta historia, se siente algo superficial, incorporan chistes que no funcionan, conversaciones que no tienen sentido a veces. Y la historia de Ares no la desarrollan bien con su desconexión virtual.

Las actuaciones, aunque mantienen bien marcados sus roles y son un gran elenco, no todos convencen, donde lamentablemente a la gran Gillian Anderson no la aprovechan del todo. Se siente desperdiciada.

La banda sonora es muy buena, para escucharla una y otra vez. NIN supo incorporarla bien en la trama (aunque igual extraño a Daft Punk). Pareciera que vemos un video clip que podría ser nominado en futuros festivales.

La cinta se la juega principalmente en lo visual, dejando de lado el guion, no se complica en ello.

Respecto a la narración en general, vemos los avances de la tecnología y la sociedad en sí, en cuanto a depender mucho de ella y cuan riesgosa puede ser. También sobre el impacto económico, ambiental y dilemas éticos en pos del avance.

Por eso, estamos ante una cinta que la disfrutaremos mucho en cine por su puesta en escena, pero después quedará ahí, como una más.

Los nostálgicos disfrutarán un cameo rápido (foto) antes de terminar la cinta, que enciende una alarma muy agradable.

Y ojo, que tiene una escena entre créditos muy buena, dándonos un rayo de luz de que vendrá algo bueno.

Ficha técnica

Dirección: Joachim Rønning
Guion Jesse Wigutow y Jack Thorne
Música Nine Inch Nails
Fotografía Jeff Cronenweth
Protagonistas Jared Leto, Greta Lee, Jodie Turner-Smith, Evan Peters, Cameron Monaghan, Sarah Desjardins, Hasan Minhaj, Arturo Castro.
2025. 155 minutos.

La Hermanastra Fea - Por Jackie O.

“eternamente bella bella…”

Ambientada en el siglo XIX en Europa Central, nos presenta a Elvira, una joven poco agraciada que lucha por competir con su bella hermanastra Agnes, en un reino donde la belleza es un negocio despiadado.

Cuando se habla de Cenicienta, todas las mentes se remontan al cuento que tío Disney nos llevó a la pantalla en 1950, con un vivieron felices por siempre, y así bellas historias en adelante se sumaron. Pero Cenicienta se remonta muchos años atrás, más atrás de los Hermanos Grimm o de Charles Perrault, y con un no tan felices por siempre. Entonces, ¿qué nos trae esta directora?

Nos trae un tema atemporal, un tema que nunca se dejará de discutir, pero esta vez presentado de una forma que nos hará remecer: la apariencia física en su peor escenario.

Rebekka está por casarse con un supuesto millonario. Es una mujer fría y ambiciosa con dos hijas, Elvira y Alma, la primera de 17 años lista para ser presentada en sociedad, y la cual está enamorada del Príncipe de ese reino; y en cuanto a Alma, es una preadolescente que no le interesa nada del mundo superficial. Al llegar a una enorme casa, las recibe su novio, un anciano hombre con una joven hija llamada Agnes. Luego del matrimonio, este sujeto muere, dejando a Rebekka con tres niñas y nada de dinero, solo deudas que se comenzarán a cobrar, por lo que esta madrastra debe idear un plan para que el dinero llegue. La fortuna golpea su puerta cuando se anuncia un baile en el palacio para que todas las doncellas concurran; de ahí saldrá la esposa del príncipe y ocurrirá en varios meses, dando chance para que las jovencitas se preparen.

Y cuando digo “preparen”, es literal. Rebekka ve en su hija Elvira un boleto de salida de la pobreza por lo que comienza a invertir en ella. La mira y la encuentra poco agraciada llevándola donde un médico cirujano para que la hermosee. Sus prácticas son desastrosas, por decir lo menos, antihigiénico, sin delicadeza y menos pudor cuando comienza a tratar físicamente a la jovencita. Mientras, su hermana menor, Alma, mira con horror, y piensa “esto se viene para mí pronto”. Pero la pobre Elvira también es inscrita en una academia de señoritas, quienes son tan crueles como la madre.

Estéticamente la cinta es brutal en cuanto al mensaje que nos deja, con un guion crudo y una puesta en escena que nos hace estremecer.

Existen muchos avances en la actualidad, creemos ser más civilizados, pero, ¿qué tan civilizados? ¿Cuán importante es la apariencia física? Vemos certámenes de belleza no solo de adultos sino que de infantes, videos en las redes sobre una manoseada perfección, donde estándares de belleza son exigidos por todos, llevando a una crisis que puede detonar en algo catastrófico, como es la salud mental.

Y sí, no se habla del cuerpo ajeno, pero esta película expone tajantemente el tema, ¿Qué es la perfección? ¿Somos tan imperfectos que nos odiamos al mirarnos al espejo? ¿Por qué las menores de edad se sexualizan cada vez más, con el fin de verse deseadas? Porque las redes sociales así lo exigen. La fama, la exposición, la belleza externa importa más que la belleza interna, algo ya casi poético.

¿Por qué nos preocupa la apariencia de otros? Se critica y se llega a las burlas creando monstruos.

La belleza física es un tema muy potente, que los adultos debemos enfrentar con delicadeza con los menores. Es más, nosotros como adultos tener cuidado con lo mismo hacia nuestros pares.

Pero, si quien debe protegerte te expone, te humilla y no te valora, ¿qué se puede esperar en otros? Solo una luz de esperanza y tal vez, hasta un milagro… y ¿si no llega?

Elvira ve esa esperanza en su hermana Alma, quien más centrada, y como un príncipe valiente puede rescatarla.

Mientras Elvira, Cenicienta, intenta vivir con su hermosura un felices por siempre, con el amor verdadero o con un amor de escape.

Vivimos en una sociedad frívola, donde la envidia, la baja autoestima y la cosificación no terminarán.

Porque es mejor aprender a valorar la belleza interna, que es un aura mágica.

Película que recomiendo para mayores de edad por ser del subgénero de horror corporal, y la existencia de escenas de sexo explícitas, aunque poquísimas, y las que encontré innecesarias.

Buenas actuaciones, excelente puesta en escena, buen vestuario y maquillaje.

Estamos ante una inteligente oda a la falsedad.

Ficha técnica

Título original: Den stygge stesøsteren, The Ugly Stepsister
Dirección y guion: Emilie Blichfeldt
Música: John Erik Kaada
Fotografía: Marcel Zyskind
Protagonistas: Lea Myren, Thea Sofie Loch Næss, Ane Dahl Torp, Flo Fagerli, Isac Calmroth, Malte Gårdinger.
Noruega. 2025. 105 minutos.

La Hermanastra Fea - Por Juan Pablo Donoso

Versión descarnada de las motivaciones que subyacen bajo el clásico cuento infantil de la Cenicienta de los Hnos. Grimm.

Escrita, dirigida e interpretada por mujeres que exponen con impudicia las corrientes internas de sus naturalezas femeninas. Allí donde conviven los impulsos más sublimes con los más abyectos, con ausencia absoluta de factores éticos y racionales.

Palmaria diferencia entre la complejidad de la psiquis femenina con los lineales y toscos instintos masculinos.

Etapa del despertar sexual de las muchachas en contraste con la lubricidad de hombres mayores ante la vibración primaveral de mujercitas recién púberes.

Niñas donde conviven las sueños de poesía y romanticismo con el despertar del erotismo, doblegándose curiosas ante la majestuosa ostentación fálica de los hombres… quienes serán más tarde desechables para ellas cuando hayan cumplido su rol utilitario de reproducción y de proveedores.

¡Cuánto se aleja este relato de las versiones edulcoradas de los cuentos infantiles literarios, o de Disney, de las verdaderas raíces emotivas, uterinas e irracionales del comportamiento femenino cuando la vida las pone ante dilemas críticos, cuyos ejemplos abundan desde el Antiguo Testamento hasta nuestros días!

Descarnada mezcla entre impulsos de ternura y crueldad que conviven - sin remordimiento de conciencia - en el corazón de las mujeres.

Motivaciones expuestas con brutal claridad para explicar sus comportamientos.

Qué lejos está la Cenicienta misma de ser la inocente e impoluta víctima de las circunstancias. En ella también habitan - y con fuerza - los mismos instintos, ajenos a cualquier idealización maniquea.

Combinando comedia y pavor, es una versión atrevida e inesperada del cuento clásico visto a través de los ojos de Elvira, la hermanastra mayor de Cenicienta. Compite con ella en un reino donde la belleza es un negocio brutal. Recurrirá a medidas de automutilación extremas para cautivar al Príncipe, en un desquiciado afán de perfección física.

Mas, quién desata y mueve los hilos de esta tragedia ancestral es la madrastra. Es ella quien logra sus objetivos sexuales, de poder y egoísmo voluptuoso.

Una madrastra capaz de manipular ambivalencias lesbianas y salaces con tal de conseguir lo mejor para sus cachorras, que necesitan sobrevivir en una selva de hombres burdos e ingenuos, solo obedientes a sus impulsos de caza y eyaculación primitiva.

Y en contraste con ella, emerge Alma, la hermanita menor de Elvira quien, ante la catástrofe, se hará cargo de rescatar los escombros de piedad y redención para la familia.

Por más inteligentes que sean algunas mujeres, se comportan a veces de formas inexpugnables para nosotros los hombres. Tanto que ni ellas mismas se comprenden.

Solo nos queda amarlas, protegerlas y rendirnos a su telúrico poder, que les da el privilegio de gestarnos en su vientre e, incluso, decidir si parirnos o negar nuestra llegada al mundo por medio del aborto. Estamos entregados, sin remedio, a las tormentas de su misteriosa naturaleza interior. De ahí puede surgir lo más abyecto y lo más sublime para el destino de la humanidad.

Bellísima puesta en escena, tanto por los decorados y vestuarios como por las hermosas secuencias de danza.

Cada actriz fue magistralmente escogida.

La breve escena al final de los créditos fundamenta nuestras reflexiones.

BELLA, CRUDA Y DOLOROSA INMERSIÓN EN EL MISTERIOSO MUNDO ÍNTIMO DEL GÉNERO FEMENINO. ES MUCHO MÁS QUE UN FILME DE MASOQUISMO CORPORAL. CONMOVEDORA Y PROVOCATIVA.

Ficha técnica

Título Original: The Ugly Stepsister

2025 Fábula, esperpento, masoquismo Noruega, Dinamarca, Rumanía, Polonia, Suecia - 1,50 hrs.

Fotografía: Marcel Zyskind 

Edición: Olivia Neergaard-Holm 

Música: John Erik Kaada, Vilde Tuv 

Diseño Prod.: Sabine Hviid, Klaudia Klimka-Bartczak 

Actores: Ane Dahl Torp, Flo Fagerli, Lea Myren 

Guionista y directora: Emilie Blichfeldt

El club del crimen de los jueves - Por Carlos Correa Acuña

Cuatro jubilados con claras habilidades para resolver misterios -una exespía (Helen Mirren), un exlíder sindical (Pierce Brosnan), un agudo psiquiatra (Ben Kingsley) y una inquieta enfermera (Celia Imrie)- se reúnen cada jueves en su residencia para adultos mayores para investigar algunos casos sin resolver. Cuando se descubre un asesinato en su condominio, el hasta entonces pasatiempo se convierte en algo real, por lo que deberán enfrentar secretos, imprevistos y una red de mentiras que solo su experiencia y sabiduría podrían desentrañar.

El director Chris Columbus filma un guion escrito por Katy Brand y Suzanne Heathcote, el que está basado en la novela del 2020 de Richard Osman. La estética funciona como catalizador: los escenarios de esta “residencia” bien los querría cualquiera para pasar sus últimos años.

La trama, por momentos, se torna espesa y compleja. Muchos nombres, varios personajes que no aparecen y relaciones ambiguas no contribuyen demasiado a la fluidez del relato. Tampoco ayuda la duración, se hace larga la espera de aquellos descubrimientos importantes que recién aparecen pasada la mitad del metraje.

¿Lo mejor? El elenco. Un lujo de actores. Con una soltura envidiable y una energía a toda prueba, Mirren, Brosnan, Kingsley e Imrie sostienen la película de comienzo a fin. Su aporte es enorme en cuanto a carisma, química, carácter y credibilidad, aunque lo que suceda en pantalla pierda cierta efectividad. Solo por la presencia de estos cuatro protagonistas -y Jonathan Pryce como Stephen, el marido de Elizabeth-, vale la pena ver la película. Sin embargo, todo eso despierta más expectativas de las que puede realmente ofrecer.

“The Thursday Murder Club” entretiene, por cierto, a pesar de que no provoque carcajadas ni tampoco sea memorable por mucho tiempo. Al parecer, no tiene más aspiraciones que proporcionar una tarde o noche recreativa, pero mi sensación es que el material podría haber sido mejor aprovechado, teniendo en cuenta la calidad de sus protagonistas.

No nos sorprendería que se anunciara una segunda parte. La audiencia y las visualizaciones tienen la palabra.

Ficha técnica

Título original: The Thursday Murder Club
Año: 2025
Duración: 118 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Amblin Entertainment, Jennifer Todd Pictures, Maiden Voyage, Netflix. Distribuidora: Netflix
Género: Comedia. Intriga | Crimen. Vejez / Madurez
Guion: Katy Brand, Suzanne Heathcote. Libro: Richard Osman
Música: Thomas Newman
Fotografía: Don Burgess
Reparto: Helen Mirren, Pierce Brosnan, Ben Kingsley, Celia Imrie
Dirección: Chris Columbus

El Último Amor de Mr. Morgan - Por Juan Pablo Donoso

Encrucijada de tres almas solitarias quienes, por amor, lograron definir sus destinos.

Aunque tiene la atmósfera parisina, y el latido melancólico de aquel clásico AMOUR dirigido por Michael Haneke (2012), con J.L.Trintignant y Emmanuelle Riva, hay aquí luces de esperanza que la hacen menos trágica.

Esta vez la directora alemana Sandra Bettelbeck nos introduce con delicadeza en el mundo de un octogenario profesor de filosofía estadounidense (Michael Caine) quien, al enviudar de su adorada esposa francesa, siente que su existencia perdió sentido y solo le resta seguirla por medio del suicidio.

En la oquedad de sus últimos días, conoce por casualidad en un tranvía a Pauline, una muchacha muy joven (Clemence Poesy), profesora de baile popular a personas mayores quien, al verlo triste y solitario, insiste en invitarlo a su academia.

Nacerá, gradualmente, entre ellos un vínculo como de abuelo con su nieta. Su presencia y tierna femineidad le iluminarán en parte la vida. Pero como son mundos y generaciones tan distintos, la nostalgia volverá a deprimir al anciano Matthew acercándolo una vez más a la muerte.

El riesgo de su partida obliga que desde Estados Unidos viajen a despedirlo su hijo Miles y su hija Karen, ambos casados y distanciados física y afectivamente de su padre. Aunque lo disimulan, solo les importa la herencia.

Cuando ven que ya recupera la salud, les molesta la cercanía y esmero con que la joven Pauline vela por él. Como sospechan que podría ser una cazafortuna, el hijo (Justin Kirk), pronto a divorciarse en EE.UU., permanece en París para vigilarlos más de cerca.

Estos tres son los personajes centrales del relato. Cada uno es un solitario en su respectivo universo. De la relación agresiva entre padre e hijo será testigo la muchacha. Y, a su vez, al anciano le tocará presenciar la pedregosa, pero a la vez inevitable atracción que surge entre Miles y Pauline.

Como es habitual con muchos filmes franceses de los últimos tiempos, la trama exterior es menos estridente que las sutiles relaciones, y los procesos de maduración de sus personajes.

La evolución respetuosa de los sentimientos, con bellísimas tomas de los barrios de Paris, unidos a la honestidad serena de las actuaciones, nos recuerdan la fragilidad de las emociones cuando son humildes y sinceras.

Pauline: ¿Por qué dejaste de amar la vida?

Matthew: Nadie ama la vida. Amas los lugares, los animales, la gente, los recuerdos, la comida, la literatura, la música. Y a veces conoces a alguien que necesita todo tu amor. Y si pierdes a esa persona, sientes que todo lo demás también se perdió.

Visible en YouTube o en Cine-Arte de Galería Patricia Ready.

UN FILME HERMOSO, SABIO Y DELICADO. MAS QUE REBELARSE CONTRA LO INEVITABLE, NOS ACONSEJA RETRIBUIR CON LA PUREZA DEL CORAZÓN.

Ficha técnica

Título Original: Mr. Morgan's Last Love

2013 Romance maduro, drama Alemania, Francia, EE.UU., Bélgica - 1,55 hrs. 

Fotografía: Michael Bertl 

Edición: Christoph Strothjohann 

Música: Hans Zimmer 

Diseño Prod.: Stanislas Reydellet 

Novela: Francoise Dorner 

Actores: Michael Caine, Clemence Poesy, Justin Kirk 

Guionista y directora: Sandra Bettelbeck

El Loto Blanco, temporada 3 - Por Jackie O.

“Los millonarios también lloran”

Las tres temporadas comienzan igual: con una muerte, sin mostrar quién es, ni quién lo realizó. Por lo que ahí retrocedemos para saber cómo se llegó a ese fatídico día.

Esta temporada se ambienta en el ya conocido hotel de lujo. Ahora su sucursal está en Tailandia, por lo que tenemos a un nuevo elenco de huéspedes y personal (pero se repiten dos secundarios de las temporadas pasadas).

¿Quiénes son nuestros huéspedes principales y dónde las historias tendrán su enfoque?

Una familia totalmente desconectada de la realidad, con un papá empresario financiero, pilar económico de esta familia y una mamá arribista, miradora en menos, que no trabaja. Tres hijos: un veinteañero seductor, con mucha fijación en lo sexual, una veinteañera que busca algo en su vida que cree que está en esa isla, y un adolescente que quiere satisfacer a todos sin identidad propia. Seguimos con un trío de amigas de infancia, ya cuarentonas y estupendas, una de ellas actriz reconocida y quien paga el viaje, otra pasa por un divorcio, y la tercera con una vida diferente a lo que sus amigas recordaban. Seguimos con una pareja que mantiene una diferencia de edad, él tiene mal carácter con un pasado traumático, y ella es una joven extrovertida que lo ama.

Todos ellos se conocerán y, de alguna forma, entablarán conexión, así como con otros habitantes de la zona y por supuesto, con los empleados del hotel.

Es una semana que interactúan, se divierten, descansan y también se desatan problemas. Porque los vamos conociendo, así sabemos qué esconden, qué traman, quiénes son bajo esa careta de perfeccionismo que aparentan, donde nuevamente nos gritan que el dinero no hace la felicidad, y que los ricos también lloran. Además, conoceremos la historia de los empleados y dueños del hotel. Por ejemplo, un guardia que tiene una base moral y espiritual muy definida, que nos recuerda a personas con las que nos hemos topado que recalcan su “moralidad, supuestamente inquebrantable”, y que tajantemente dicen “no cambiaré, mis bases morales son así y no transo, etc.” Y qué bueno que sean así, pero el ser humano cambia, y no es malo cambiar, porque las circunstancia de la vida golpean a veces, y este guardia nos demuestra que aunque sea para agradar a otra persona, él cambia; sucede también si existe un estado de calamidad, el ser humano puede cambiar porque debe sobrevivir. Solamente no seamos estrictos con nosotros o el resto.

También conocemos a personas que aprovechan su trabajo, sea para una satisfacción personal del momento o cometer delitos, y otros que buscan oportunidades para avanzar como sea. Así vamos conociendo muchas historias.

Esta serie muestra a una sociedad, tal vez de forma exagerada y satírica, pero nos dice “!hey! existe gente así”, tratemos de no caer en lo malo, pero tampoco nos creamos moralmente superiores.

Estéticamente, esta tercera temporada comenzó muy lenta a diferencia de sus antecesoras. Sí sentí en momentos pereza de seguir viéndola, pero me animé y fue mejorando su ritmo a medida que avanza en capítulos, aunque costó. Su puesta en escena es muy buena, ya que muestra parajes hermosos haciendo una grata y bella fotografía. Vestuario muy acorde a cada personalidad, con una banda sonora buena y la introducción también.

Vale la pena ver las 3 temporadas de esta serie. Se ven muchos temas para conversar en el ámbito social, cultural y emocional, como la espiritualidad, muchos secretos que se guardan, el autodescubrimiento y la venganza, todo dentro de la sátira característica del estilo de esta serie. Y también hay temas humanos y espirituales que van surgiendo y que hay que destacar, porque hay que mantener todo lo que sea bueno para nosotros y quienes nos rodean.

Disponible en HBO.

Ficha técnica

The White Lotus
Creador Mike White
Protagonizada por Leslie Bibb, Carrie Coon, Walton Goggins, Sarah Catherine Hook, Jason Isaacs
Lalisa Manobal, Michelle Monaghan, Sam Nivola, Lek Patravadi, Parker Posey, Patrick Schwarzenegger, Scott Glenn
8 episodios. 2025

Mikaela - Por Carlos Correa aAcuña

La historia parte de una premisa simple pero eficaz: una tormenta de nieve paraliza España en vísperas del día de los Reyes Magos, y el caos de una autopista colapsada se convierte en el escenario perfecto para un atraco audaz y muy peligroso. Entre el humo, el hielo y los disparos, aparece Leo -Antonio Resines-, un policía agobiado por todo. A su lado, surge inesperadamente una joven -Natalia Azahara-, y juntos deben enfrentar una carrera frenética contra el tiempo, la nieve y una banda decidida a hacerse con un suculento botín. ¿Es esta una simple película de acción o hay algo más bajo la fría superficie? Veamos.

El comienzo es desolador. La nevazón no para, la nieve se acumula y el frío lo congela todo. Un hombre mayor quiere comprar un teléfono pero no sabe nada de las diferentes opciones y la infinidad de modelos disponibles; una familia, algo disfuncional, está por dejar un hotel y emprender un viaje; y una joven mujer llega a su puesto de trabajo en una oficina que vigila el tráfico de las carreteras. Tres escenarios, tres historias, tres momentos, en apariencia desconectados, que se unen debido al corte de carreteras que ha ocasionado una tormenta infernal.

Después de este devastador comienzo, aparece el título de la película, que juega como pivote entre el nombre de la tormenta y el de una de sus protagonistas. El director, Daniel Calparsoro, con indudable oficio, nos introduce en un clima árido de tensión creciente. Para ello se basa en el fenómeno climático como telón de fondo para introducir descripciones de personalidades y escenarios que pasan desde motivaciones e historias personales de sus protagonistas hasta, incluso, inferir una posible búsqueda de redención del personaje más veterano.

Como marca de agua -o de nieve, mejor dicho-, el director cambia constantemente el foco de los protagonismos en cada escena. Tanto es así, que algunas secuencias se perciben sin resoluciones adecuadas, logrando confundir a la audiencia con un desarrollo habitado por personajes secundarios tratados en forma liviana y con poca sustancia.

Hasta acá, poco para “Mikaela”, que sí destaca en lo parafernálico y apocalíptico del escenario que envuelve la acción. La película entretiene, sí. Son 90 minutos que pasan rápido y que, al menos, tienen el mérito que continuemos atentos para saber cómo termina.

En fin, una cinta fácilmente olvidable para pasar el rato y sin mayores pretensiones.

Ficha técnica

Título original: Mikaela
Año: 2025
Duración: 90 minutos
País: España
Compañías: AP6 La Película, Atresmedia Cine, Atlantia Media Producciones, Ikiru Films, La Terraza Films
Género: Thriller. Acción | Robos & Atracos
Guion: Arturo Ruiz
Música: Carlos Jean
Fotografía: Tommie Ferreras
Reparto: Antonio Resines, Natalia Azahara, Roger Casamajor, Pavel Antón, Cristina Kovani, Adriana Torrebejano, Javier Albalá, Patricia Vico
Dirección: Daniel Calparsoro