El Contador 2 - Por Juan Pablo Donoso

Aunque las secuelas de acción rara vez superan al original, esta resultó buena y sugerente.

Solo al final recurrió al típico clímax de “a chaucha el muerto” con múltiples matanzas y ametralladoras. Una lástima porque pudo hallar una culminación más refinada como fue el desarrollo de su trama.

Tan inteligente como la primera (2016), nos presenta dos niveles de lectura. El primero, y más fácil, es de mucha violencia y una clara dicotomía entre los malos/malos y los justicieros anti-héroes. Para el espectador común hasta se adereza con momentos de humor.

Sin embargo, subyace una tesis más provocativa. Incursiona en áreas de la moral y la patología psicológica. Nos sugiere que cuando la perversidad se hace tan poderosa, y casi invencible, solo queda recurrir a criaturas con mentes limitadas para vencer los obstáculos sin cargos de conciencia.

Ante una desalmada conspiración criminal, y de difícil solución, la Subdirectora del Tesoro de EE.UU. Marybeth Medina (Cynthia Addai-Robinson), recurre a Christian Wolff (Ben Affleck), un contador autista con gran talento para descifrar enigmas policiales.

Pero este caso es tan complejo que Christian debe solicitar la colaboración de su hermano Brax (Jon Bernthal), autista también y talentoso sicario amoral.

Con estupenda y muy ágil edición se irán internando en las entretelas de la siniestra maraña de delitos. A pesar de la complejidad de la trama - y de los muchos personajes que van apareciendo - se mantiene la claridad del conflicto.

El tema de fondo tiene que ver con la evaluación critica de las mentes limitadas. Porque más allá de los actos justicieros de ambos hermanos, está la figura de una madre que sobrevivió a la masacre de su familia, y cuyo trauma psíquico la transformó también en una máquina vengativa sin escrúpulos (Daniella Pineda).

Los mejores diálogos son aquellos en que los hermanos conversan, con pleno surrealismo, en su lenguaje autista. La lúdica inocencia de Brax nos impide condenar el salvajismo de sus actos.

MUY ENTRETENIDA. NOS MANTIENE ATENTOS A LOS GIROS INESPERADOS. INOCENCIA PATOLÓGICA VERSUS PERVERSIDAD DESPIADADA.

Ficha técnica

Título Original: The Accountant 2

2025 Crimen, acción, autismo EE.UU. 2,03 hrs. 

Fotografía: Seamus McGarvey 

Edición: Richard Pearson 

Música: Bryce Dessner 

Director de Arte: Christopher Brown 

Guion: Bill Dubuque Actores: Ben Affleck, Jon Bernthal, Cynthia Addai-Robinson 

Director: Gavin O´Connor

La Leyenda de Ochi - Por Juan Pablo Donoso

Un simple y educativo cuento de hadas contemporáneo ambientado en los Montes Cárpatos.

Su tema central es la Reconciliación: de los vínculos familiares, y de los humanos con la naturaleza.

La fantasía la aportan unas pequeñas criaturas silvestres llamados Ochis, mezcla de ositos coalas y del duende Yoda de la Guerra de las Galaxias.

Sobre las cumbres deslumbrantes de los Cárpatos, la cadena montañosa más larga de Europa después de los Alpes, existe la leyenda de que los Ochis son monstruos muy peligrosos, y que deben se aniquilados por los humanos.

El padre de la adolescente Yuri (Helena Singel), es un rústico montañés llamado Maxim (Willem Dafoe) quien, vestido de vikingo, recluta niños varones huérfanos para crear con ellos un ejército de exterminio.

Su esposa, Dasha (Emily Watson), lo abandonó años atrás dejándolo a cargo de la hijita, para recluirse como curandera, ermitaña y desgreñada.

Cuando la pequeña Yuri rescata y sana a un cachorrito Ochi, atrapado en una trampa, descubre que puede comunicarse con él hablándole en su mismo lenguaje de chillidos.

Intentará, sin avisarle a su padre ni a los jóvenes reclutas, devolverlo en secreto a su hogar en las cuevas de origen.

El rastreo de la niña por las montañas, su refugio en la covacha de la madre, y la entrañable amistad con el cachorrito constituyen el argumento del filme.

Maravillosa fotografía de los paisajes, admirable tecnología para dar vida a Ochi y a los miembros de su familia, todo ello sustentado en el oficio actoral del veterano Dafoe, en la rudeza externa de la madre, pero en la ternura de sus ojos, y en la natural ingenuidad de la joven actriz alemana Helena Singel (Systemsprenger -Trastorno Explosivo, 2019) hacen de este filme un relato aventurero con más ternura que violencia y peligros.

Loable primer largometraje del guionista y director Isaiah Saxon, quien supo combinar buenos actores, con hermosa realización, y destreza de efectos especiales.

GRATO FILME PARA TODA LA FAMILIA, CON UN HERMOSO MENSAJE DE FONDO Y CON REMEMORANZAS DEL INOLVIDABLE E.T.

Ficha técnica  

Título Original: The Legend of Ochi

2025 Fantasía, aventuras
EE.UU., Finlandia, Reino Unido - 1,36 hrs. 

Fotografía: Evan Prosofsky 

Edición: Paul Rogers 

Música: David Longstreth 

Diseño Prod.: Jason Kisvarday 

Actores: Helena Zengel, Willem Dafoe, Emily Watson 

Guionista y director: Isaiah Saxon

Cónclave - Por Jackie O.

"Seres humanos imperfectos, como cualquiera"

Basada en la novela homónima de Robert Harris, publicada en 2016.

El Papa ha fallecido, no solo el mundo católico se ve consternado, sino que el planeta completo, pues es una figura pública de relevancia. Y ahora, ahora debe seguirse un ritual ancestral, pues las normas para la elección del Papa se han desarrollado a lo largo de casi dos milenios.

Habiendo visto esta cinta en su casi estreno, no había escrito de ella, pero esta semana falleció el Papa Francisco y el tema del proceso de elección es el tema actual; todas las miradas, de creyentes y no, están en ello. Y esta película está siendo actualmente revista o vista por primera vez por algunos y ha tenido la mayor audiencia actual. Porque, ¿es como muestra la cinta la elección Papal?
De acuerdo a estudiosos y expertos en el tema, es casi parecido.

Pero no nademos en esas aguas y vamos a la película protagonizada por un genial Ralph Fiennes como el cardenal Thomas Lawrence, quien lleva el peso de la cinta, acompañado por un gran elenco que sirve de soporte de forma excepcional.

Nuestro protagonista ha sido elegido como el encargado de realizar el presente "ritual", todo es ceremonioso, las puertas se cierran y los candidatos están listos. De la fe que se profesa, pasamos a la política despiadada, a los rumores de pasillos negativos con el fin de desacreditar al contrincante. ¿Dónde queda el compañerismo y amor al prójimo? El poder es cambio. Cuando hay elecciones, y no solo en cómo esta cinta, sino que en la vida real, se escuchará "no me interesa el cargo, lo hago por un bien mayor", "no cambiaré", etc. La intención está y se cree, pero siempre hay cambios. La muestra está acá; quien no quería se siente ofendido cuando pierde votos, y quien va teniendo, aunque sea un voto, se siente, quiera o no, animado.

No nos engañemos, el poder es ansiado. La atención es necesaria.

Vemos cómo estos hombres de fe, cuidados por un grupo de monjas, deambulan por los pasillos en horas de la madrugada o en escalas no transitables para no ser vistos y armar sus piezas en este puzle de intrigas. ¿Qué le conviene a la humanidad? ¿Qué es lo relevante para la fe? Pareciera que eso no importara, solo quien tendrá decisiones definitorias para su bienestar o para un grupo reducido. ¿Dónde está el amor al prójimo? Insisto.

El Cardenal Thomas está preocupado, su postura es delicada, ya que es quien debe ordenar y apaciguar cualquier situación que ocurra dentro de esas paredes, donde la desesperación, desacreditación e ira van apareciendo. Y todo empeora cuando aparece el cardenal Vincent Benitez.

El elenco de esta cinta es fenomenal, nos presenta a personas imperfectas que luchan, algunos, con su fe. Un guion tenso, denso, estructurado y con un gran giro final. La puesta en escena es fenomenal. El diseño de vestuario y la banda sonora maravillosas. Tiene unos planos abiertos y cerrados espectaculares.

Una gran película, imperdible y que todos deberían ver.

Disponible en Amazon Prime y en arriendo Google Play.

Ficha técnica

Dirección: Edward Berger
Música: Hauschka
Fotografía: Stéphane Fontaine
Montaje: Nick Emerson
2024. 120 minutos.
Género: Suspenso, drama y misterio
Protagonista: Ralph Fiennes, John Lithgow, Stanley Tucci, Isabella Rossellini, Lucian Msamati

La Leyenda de Ochi - Por Jackie O.

“Convivir y respetar”

La película cuenta la historia de Yuri, una joven que vive en una aldea apartada de la ciudad y teme a los “Ochi”, seres solitarios que habitan el bosque. Pero tras encontrar un bebé Ochi abandonado, Yuri decide embarcarse en una aventura para devolverlo a su familia.

Yuri vive con su padre y un adolescente adoptado por él, y rodeada de otros siete muchachitos que sirven de soldaditos de su loco padre, quien cuenta historias terribles de unos seres que viven en lo alto del bosque. Su padre los odia, sale de cacería con su hija y estos soldaditos cada vez que puede, está loco, su fanatismo, entre religioso y guerrero, lo lleva por la divagación enfermiza. Y en una de esas cacerías destruye parte de la naturaleza, una abominación que nos hace pensar que el ser humano es el mayor depredador.

En dicha cacería, la joven Yuri se topa con un bebé Ochi y entre el natural temor hacía ese ser y el deber que nace de su corazón, lo salva y decide llevarlo a su hogar.

Al enterarse su padre de que algo pasa con su hija, señala que fue raptada para así azuzar a sus pequeños guerrilleros e ir tras ella, desatándose una aventura entre el odio del padre y el amor que nace de la joven hacia la naturaleza.

Una hermosa cinta de fantasía pero que me cuesta recomendarla a infantes, ya que tiene tintes oscuros e inquietantes en momentos, por lo que va dirigida más a preadolescentes que puedan entender, junto a sus padres, la magia que conlleva esa oscuridad en ciertas situaciones.

Esta historia me transportó a las viejas cintas ochenteras donde se contaban muchos cuentos con seres de fantasía, como ET, Los Goonies, o La historia sin fin, que, existiendo seres extraños, aún así, nos evocaban cierta ternura por la narrativa.

La banda sonora empleada es momentos es densa, siniestra tal vez, pero acorde.

El guion es simple, lento para contarnos una bonita historia, donde la espera para su final valió la pena. Eso sí, no desarrolla a los personajes secundarios, ya que el hecho que vemos se efectúa en pocos días y nos enfocamos solo en los protagonistas. Tal vez nos preguntemos por qué estos menores acompañan al sujeto loco, pero en realidad no es tan importante, ya que algo nos cuenta y es suficiente, no necesitamos más, entre otras preguntas que puedan salir al paso.

Primer Largometraje del director y va bien encaminado. Destaco su creatividad visual que lo caracteriza en sus trabajos. Se aprovechó estancias naturales y se jugó mucho con los efectos prácticos que realmente son maravillosos y dan una gran lección de que no todo debe ser digitalmente. Se utilizan efectos prácticos como títeres, animatrónica, también animación por computadora y matte painting (creación de fondos). La criatura principal, Ochi, es una marioneta operada por siete actores.

El rodaje comenzó en Rumania. Algunas escenas de la película se rodaron en Transilvania, en las montañas Apuseni, en el lago Bâlea y en la carretera Transfăgărășan.

Los protagonistas, padre e hija, ya conocidos en trabajos anteriores, proyectan mucho en sus movimientos sin si quiera, a veces, tener que hablar. Un profesionalismo que encanta. Buen elenco en general.

Cinta sobre el cuidado de la naturaleza, no invadir espacios. De aceptar, o entender a quienes son diferentes. De perdonar y perdonarse.

Ficha técnica

The Legend of Ochi
Director y guionista: Isaiah Saxon
EEUU. 96 minutos.
Música: David Longstreth
Fotografía: Evan Prosofsky
Protagonistas: Helena Zengel, Finn Wolfhard, Emily Watson, Willem Dafoe

Pecadores - Por Carlos Correa Acuña

Desde una sencilla premisa, el productor, guionista y director Ryan Coogler construye una historia singular. Se trata de dos hermanos gemelos, Smoke y Stack, carismáticamente interpretados por Michael B. Jordan, quienes regresan a su pueblo natal provenientes de Chicago. Corre el año 1932 y ambos están cansados de sus vidas. Quieren dejar atrás un pasado que solo les ha traído problemas, con la esperanza de recuperar el tiempo perdido, gracias a la experiencia adquirida con los años.

Dinero tienen, eso no es inconveniente. Y la planificación está muy bien estructurada: reconvertirán un viejo aserradero en una cantina, en un lugar de encuentro que la comunidad necesita para liberarse de las ataduras de una época difícil e inestable. El tema es que, a la diferencia entre negros y blancos, cada vez más presente especialmente en el sur de Estados Unidos, se suma un problema adicional e inesperado que amenaza con destruir la tranquilidad del lugar y la vida de sus habitantes.

Lo primero que llama la atención de esta cinta es su nítida filmación. Verla en pantalla IMAX es un lujo, porque podemos apreciar la combinación de varias cámaras especiales que permiten alternar diferentes relaciones de aspecto a lo largo del metraje. La fotografía de Autumn Durald resalta pequeños detalles y además subraya, a través de diferentes encuadres, la belleza de una zona rural y las típicas construcciones norteamericanas de las primeras décadas del Siglo XX.

Podemos dividir la película en al menos tres partes estructurales. La primera, de unos 45 minutos, permite que conozcamos la historia a través de sus personajes. Las diferentes ramificaciones se presentan a medida que los gemelos van recolectando gente para que trabaje con ellos en la futura cantina. Destacan Sammie Moore -Miles Caton-, el primo menor, promisorio músico y cantante de blues; Delta Slim -Delroy Lindo-, virtuoso del piano y la armónica; y Annie -Wunmi Mosaku-, mujer fuerte e interés amoroso de uno de los hermanos.

En la segunda sección entran en escena los vampiros y la cinta decide fusionar estilos. Imágenes contemporáneas se intercalan durante la multitudinaria fiesta inaugural, componiendo metáforas para un ritual que poco a poco se quema y se desintegra. En esta parte sobresale la música compuesta por Ludwig Göransson, sobre todo gracias a sus variaciones y diferentes aportes al relato.

La última parada despliega todas los elementos narrativos. A la feroz batalla campal se le suman cruces de géneros y la sensación de que estamos dentro de una licuadora multitemática capaz de concentrar todo lo que hemos visto por separado anteriormente. Los continuos cambios de formato de pantalla se acrecientan y el ritmo vertiginoso no da tregua hasta el final.

“Sinners” es una propuesta diferente que no se compromete con un estilo particular. Es un thriller de terror con presencia sobrenatural, pero no deja de lado el drama y tampoco ese componente social esencial de los Estados Unidos de los años 30. Michael B. Jordan, en estado de gracia, hace un doble papel estupendo al lograr diferenciar sutilmente a los gemelos no solo con gestos, sino principalmente respecto a sus personalidades. El resto del elenco es sólido en sus actuaciones, brindando un soporte vital para que esta incursión del director Ryan Coogler resulte extraña y satisfactoria al mismo tiempo.

¡Ojo, no se vayan antes de los créditos porque hay dos escenas posteriores!

Ficha técnica

Título original: Sinners
Año: 2025
Duración: 137 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Proximity, Warner Bros.. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Terror. Thriller. Drama | Sobrenatural. Vampiros
Guion: Ryan Coogler
Música: Ludwig Göransson
Fotografía: Autumn Durald
Reparto: Michael B. Jordan, Hailee Steinfeld, Miles Caton, Jack O'Connell, Wunmi Mosaku, Jayme Lawson, Omar Miller, Li Jun Li, Delroy Lindo
Dirección: Ryan Coogler

Mientras Dormías - Por Jackie O.

"Cuando menos lo esperas"

Lucy trabaja en la estación de trenes, es soltera, no tiene familia y vive sola con un gato. Trabaja los días que nadie quiere hacerlo, a regañadientes, porque no tiene nada que hacer en su vida y suspira en secreto por un guapo y elegante viajero que diariamente toma el tren, llamado Peter Callaghan.

 
Pero en vísperas de Navidad, Lucy salva a Peter cuando este es empujado a las vías del tren y queda en coma; en el hospital, se arma un enredo cuando una enfermera dice que Lucy es la prometida. Y obvio, en este tipo de películas, ella no sabe qué decir y se enreda cuando decir ese tipo de verdades es fácil de aclarar en el instante; pero bueno, debe ser así o si no, no hay película. Al llegar la familia, todos encuentran raro que ella sea su prometida, no es el estilo de mujer de Peter, pero la aceptan y Lucy está fascinada con dicha familia, ese calor hogareño y la sensación de unión le encanta. Pero hay un miembro de la familia que sabe la verdad, y nada dice ¿Por qué?
El problema se genera cuando el hermano de Peter, Jack, comienza a enamorarse de Lucy, y ella a sentirse confundida. Pero todo empeora cuando Peter despierta del coma.

Esta es una cinta que, aunque mantiene engaños que pueden aclararse de inmediato y verse como negativos, estos no perjudican sino que, curiosamente, abren puertas. Conoces otra forma de vida, te hacen reevaluarte tu vida y aceptarla como es, te abres a la verdad del fondo del corazón lo que te llevará a lugares insospechados.

Decir la verdad desde un comienzo debe ser la base para todo, porque la vida no siempre resulta como se planea.

Cinta muy amena en su forma. Un guión simple, cursi, pero efectivo y con un gran elenco.

Disponible en Disney.

Ficha técnica

While You Were Sleeping
1995 ‧ Romance/Melodrama ‧ 1h 43m
Dirección: Jon Turteltaub
Protagonista: Sandra Bullock, Bill Pullman, Peter Gallagher, Peter Boyle, Jack Warden, Glynis Johns

El Día en que la Tierra Explotó: una película de los Looney Tunes - Por Carlos Correa Acuña

Luego de un error en la fábrica de chicles desencadenado por un complot alienígena para controlar a la humanidad, Porky y Lucas se ven involucrados en el centro mismo del caos. Sin experiencia, sin plan y con muy poca tolerancia entre ellos, se convierten en los improbables héroes de una aventura intergaláctica cuya misión es salvar la Tierra… o al menos tratar de no destruirla más en el proceso.

Echábamos de menos a estos personajes luego de tantos años fuera de la programación habitual. Relegados a un nostálgico recuerdo, este regreso a la gran pantalla les devuelve el protagonismo que nunca debieron perder. Basadas en un humor tan especial como absurdo, es necesario mantener vivas estas caricaturas no como piezas de museo sino como lo que son: animaciones permanentes para los niños y un buen refresco para todos los adultos que llevamos un niño en nuestro interior.

Por sobre el caos y la comedia, esta vertiginosa película logra transmitir valores como la amistad, la perseverancia y lo importante que es aceptar las diferencias entre las personas. A través de los tropiezos de Porky y la locura de Lucas, podemos darnos cuenta de que no es necesario alcanzar la perfección para actuar con bondad, que los errores son naturales en los procesos de aprendizaje y que incluso los más inseguros pueden ser valientes cuando protegen lo que valoran.

Todos los mensajes anteriores, expresados entre risas y coloridas aventuras, resultan muy importantes para la formación emocional de los más pequeños, pues enseñan que los verdaderos héroes se nutren de la empatía, el trabajo en equipo y la decisión de no rendirse jamás.

Ficha técnica

Título original: The Day the Earth Blew Up: A Looney Tunes Movie
Año: 2024
Duración: 91 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Warner Bros. Animation. Distribuidora: Ketchup Entertainment
Género: Animación. Comedia. Ciencia ficción. Aventuras | Extraterrestres. Looney Tunes
Guion: Kevin Costello
Música: Joshua Moshier
Fotografía: Animación
Dirección: Peter Browngardt

Drop: Amenaza Anónima - Por Carlos Correa Acuña

“Drop”, el título original de esta película, hace referencia al envío de información de un dispositivo electrónico a otro. Herramientas como las que entrega “AirDrop” en el ecosistema Apple, o “Drop”, una función asociada al navegador “Edge”, permiten que podamos recibir mensajes de un teléfono desconocido, si estamos dentro de un radio reducido y no tenemos configurados los parámetros de seguridad adecuados. ¿Qué tiene que ver con la película, entonces? Veamos.

Violet Gates -Meghann Fahy-, madre soltera y viuda, hace mucho que no tiene citas románticas; sin embargo, decide aceptar una invitación a comer por parte de Henry Campbell -Brandon Sklenar-, en lo que sería su primera incursión en un ámbito que estaba abandonado en su vida luego de la traumática experiencia vivida con su expareja. De hecho, la cinta comienza con un episodio muy violento y luego deriva al oficio de Violet, que consiste en ayudar a personas que han sido abusadas.

Apenas llega al restaurante, Violet comienza a recibir estas “gotas” de un desconocido. Por supuesto, las ignora al comienzo, pero la curiosidad la hace aceptar uno de los envíos y se da cuenta inmediatamente de que está en problemas. La cena con Henry no va bien porque ella no se despega de su teléfono. La excusa es que su hijo está a cargo de su hermana y eso la preocupa enormemente; sin embargo, el pánico de Violet radica en que el misterioso sujeto no solo la tiene totalmente vigilada a ella. También posee el control de su casa y, para dejarla tranquila, debe seguir paso a paso una serie de indicaciones que comprometen directamente a quien acaba de conocer.

El guion escrito por Jillian Jacobs y Christopher Roach acierta en al menos dos ámbitos esenciales. El primero es la dependencia que tenemos de los teléfonos celulares y la necesidad de estar conectados permanentemente. Es cierto, nos facilita enormemente la vida, pero también impone una barrera difícil de romper en ocasiones en que es necesario dejarlos a un lado o apagarlos, pues se requiere conexión personal directa. El segundo aspecto es que el argumento logra sostener la tensión por más de dos tercios del metraje usando muy pocos elementos y en un solo ambiente, es decir, usando solo el restaurante como escenario principal.

Meghann Fahy y Brandon Sklenar logran complementar sus papeles. Ella no esconde su inseguridad, pero quiere avanzar y vencer los miedos que la han perseguido en el último tiempo. Él, sensible y comprensivo, quiere darle espacio; sin embargo, percibe que algo no anda bien, aunque no es capaz de darse cuenta de la gravedad de la situación. Por cierto, hay más personas en la escena y todas son sospechosas. Nosotros mismos vamos pasando de uno a otro, tratando de descubrir quién es responsable del vil chantaje al que está siendo sometida la protagonista.

“Drop”, al que le sumaron “Amenaza Anónima” al título en español, es una película que funciona bien. El director Christopher Landon logra el propósito de traspasarnos el nerviosismo y la tensión con la que Violet enfrenta una situación límite que pone en peligro la vida de su hijo. Ella, aún entre la espada y la pared, no está dispuesta a todo y trata, en todo momento, de encontrar una salida que le permita recuperar el control de la situación. Aunque durante el desarrollo la película se alarga más de lo recomendable, los trepidantes minutos finales, que parecen sacados de otra cinta, entregan esa cuota de acción y adrenalina necesaria para cerrar correctamente un thriller que resulta más interesante de lo que parece.

Ficha técnica

Título original: Drop
Año: 2025
Duración: 100 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Blumhouse Productions, Platinum Dunes, Wild Atlantic Pictures. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Thriller. Intriga. Terror
Guion: Jillian Jacobs, Christopher Roach
Música: Bear McCreary
Fotografía: Marc Spicer
Reparto: Meghann Fahy, Brandon Sklenar, Violett Beane, Jeffery Self
Dirección: Christopher Landon

El Viejo Roble - Por Jackie O.

"Si comen juntos, permanecen juntos"

Migrar es un tema complejo. Salir de su país por necesidad económica, huir por la guerra, etc. Dejar su tierra, raíces, esencia, familia, todo. Y llegar a un lugar donde no eres aceptado, es peor. 

La historia nos lleva con un grupo de inmigrantes Sirios que llegan a un pueblito casi desaparecido en Inglaterra. El disgusto de muchos habitantes hace que se generen altercados y divisiones, pero también existen aquellos que ayudan.

Dentro de esos habitantes está T.J., un viudo y solitario dueño del único pub que va quedando, dentro de los poquísimos espacios públicos para los habitantes, lugar que se vuelve tenso pero también donde va a nacer una lección de humanidad.

La cinta es una maravillosa visión de esperanza, amor, comunidad, del sentido de pertenencia y sobre las personas, que aunque sean imperfectas, las hay buenas. Historia de gente común y corriente, que tienen altos y bajos, pero que unidos pueden ser resistentes cuando se habla con el corazón, aunque existan seres que no acepten las diferencias.

El director nos habla nuevamente de humanidad.

Ficha técnica

The Old Oak
Director: Ken Loach
2023. 1h 53 minutos 
Drama
Guión: Paul Laverty
Premios: Premio del Público UBS (Festival de Cine de Locarno en Piazza Grande)

El Viejo Roble - Por Carlos Correa Acuña

“The Old Oak” es el nombre del último bar en funcionamiento en un pueblo del condado de Durham, en el noreste de Inglaterra. Tal como la “K” final de su cartel, que se resiste a mantenerse derecha, el lugar está siendo abandonado por sus habitantes debido al cierre de la actividad minera y la consiguiente falta de oportunidades. El pequeño pub se ha transformado en el refugio obligado de aquellos parroquianos mayores que añoran el pasado y ven con preocupación el futuro. Como hay muchas casas disponibles por el desalojo de la zona, para algunas personas eso significa la muerte en vida, pero, para otras, es un faro de esperanza confirmado por la masiva llegada de refugiados sirios.

Sabemos que la migración es uno de los fenómenos más complejos del mundo actual. La resistencia es enorme dentro de las comunidades y quienes deciden migrar tienen cada vez más dificultades para concretar sus anhelos. La película no se reduce a ello pero sin duda es el tema central del metraje. El guion de Paul Laverty lo introduce directamente, desde el primer minuto, con la llegada de un bus a la ciudad. Sin embargo, acto seguido sutilmente lo aleja, centrando la trama en las personas y en sus respectivas historias.

Tommy Joe "TJ" Ballantyne -Dave Turner-, es el dueño del bar, y Yara -Ebla Mari-, es la recién llegada a una casa de la zona. Yara viene junto a su familia, se dedica a la fotografía y nada más bajar del bus obtiene la peor recepción imaginable: le rompen su cámara. Allí está gran parte de su vida, pero no en fotografías ni tampoco en un aspecto material. Pronto sabremos que la máquina tiene una connotación más profunda que conlleva afectos, emociones y profundas raíces.

TJ es amistoso con Yara pero debe mantener distancia porque sus clientes están abiertamente en contra de los recién llegados. No obstante aquello, colabora con la joven reparando su cámara en un lugar especializado y con sus propios recursos. Un gesto de nobleza espontáneo y desinteresado que tendrá alcances inesperados.

Ken Loach, de 87 años al momento del estreno de este filme en el Festival de Cine de Cannes del año 2023, construye una historia que no presenta un conflicto central que conduzca a un punto de inflexión. Por el contrario, su estilo es progresar paralelamente con varios hilos narrativos complementarios, imprimiendo una tensión subterránea que siempre es perceptible en forma leve pero constante.

“El Viejo Roble” habla de comunidad, de resiliencia y de fraternidad. Cuando emerge la buena voluntad, todo obstáculo puede ser salvado porque la unión de las partes es mucho más fuerte que cualquier interés individual. ¿Se puede acoger y entregar nuevas oportunidades o el egoísmo termina por imponerse? Nadie dice que sea sencillo el tratamiento político y social de los migrantes. Cada caso es diferente y por supuesto, entre ellos, hay un mundo de diferencia, pero es un tema que hay que enfrentar sin prejuicios y decididamente.

“Pueblo chico, infierno grande”, reza el dicho y es muy cierto, pero ejemplos como los que nos muestra esta cinta, aunque sea una ficción, ennoblecen y refuerzan la naturaleza social del ser humano. ¡Enhorabuena!

Ficha técnica

Título original: The Old Oak
Año: 2023
Duración: 113 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Francia; Sixteen Films, Why Not Productions. Distribuidora: Front Row Filmed Entertainment
Género: Drama | Racismo. Inmigración. Drama social
Guion: Paul Laverty
Música: George Fenton
Fotografía: Robbie Ryan
Reparto: Dave Turner, Ebla Mari, Claire Rodgerson, Trevor Fox
Dirección: Ken Loach

Pecadores - Por Juan Pablo Donoso

¡Alucinante fábula musical; multifacética, alegórica y siniestra!

Sangrienta apoteosis afroamericana, de ritmo enloquecido y sexo, concentrados casi en un solo día en Mississippi de 1932, e infestada con miembros asesinos del Ku Klux Klan.

¿Qué desastre espiritual puede alcanzar la música negra - en especial los blues - cuando se aleja de Dios para cantarle al Demonio y sus placeres?

Evidente inspiración en la parábola del Hijo Pródigo. Un joven, cuyo destino era ser predicador, impulsado por su vocación trovadora, abandona la iglesia de la cual su padre era el Pastor para lanzarse al mundo llevando solo su guitarra.

Es apadrinado por un par de gemelos delincuentes - Smoke y Stak - que regresan millonarios al terruño natal desde Chicago, con el propósito de instalar un casino exclusivo para alegrar s los negros de su comunidad.

Serán implacables en lograr su propósito empresarial. Pero pronto descubrirán que hay una fuerza malévola, de otro mundo, peor y soterrada, esperándolos para brindarles una dantesca bienvenida.

Paroxismo cuyo rango oscila entre la pobreza de los negros campesinos, los ritos de superstición y erotismo, hasta culminar con una orgía de vampirismo que solo se compara con la sangrienta bacanal de DESDE EL CREPÚSCULO AL AMANECER (1996) de Robert Rodríguez, con guion y presencia de Quentin Tarantino entre otras estrellas famosas.

El joven director Ryan Coogler’s (Creed - Pantera Negra) crea una épica aterradora y, a la vez, irresistible. Escenarios envolventes, música bella y contagiosa, electrizantes escenas de euforia. Sugiere siglos de historia étnica, abuso e impotencia. Lo hace con profundidad, pasión y poesía musical.

Su actor preferido - Michael B. Jordan - es quien interpreta aquí el rol de ambos gemelos dándoles una admirable dimensión bivalente.

Estupendos diálogos y actuaciones. Toca metáforas de racismo y temas de valor sobrenatural. Es interesante peguntarse, ¿qué simboliza el vampirismo aquí, en esta película?

Selecta galería de personajes diversos, todos cargados de doloroso pasado. ¿Quiénes son los verdaderos “pecadores”?

Véala en IMAX si puede, y quédese durante los créditos finales porque trae nuevas luces, aún más intrigantes.

GIGANTESCA EPOPEYA RACIAL, CON MUCHOS NIVELES DE LECTURA, QUE POR MEDIO DEL VAMPIRISMO NOS INTERNA EN LOS RINCONES DEL INFIERNO. IMPACTANTE. UNA GRAN PELÍCULA.

Ficha técnica

Título Original: Sinners

2025 Terror gótico sobrenatural, suspenso EE.UU. - 2,11 hrs. 

Fotografía: Autumn Durald Arkapaw 

Edición: Michael P. Shawver 

Música: Ludwig Göransson 

Diseño Prod.: Hannah Beachler Actores:Michael B. Jordan, Heilee Steinfekld, Miles Caton 

Guionista y director: Ryan Coogler

El Día que la Tierra Explotó: una película de los Looney Tunes - Por Jackie O.

Looney Tunes es una franquicia de dibujos animados de la compañía Warner Bros., que comenzó en los cines oficialmente en 1930 con el cortometraje Sinkin' in the Bathtub. Desde 1940 hasta 1969, la serie Looney Tunes fue la más popular en las salas de cine. Y escuchar "The Merry-Go-Round Broke Down", hacía correr a mirar la pantalla y de ahí nadie se movía. Me incluyo.

Dibujos animados de ayer, hoy y siempre, que por alguna razón desaparecieron de la pantalla en el 2014 más o menos. La nueva generación se perdió estas maravillas, a menos que hermanos mayores, tíos o padres los revivieran.

Pero ahora es la oportunidad. Porky y Lucas se unen para darnos una nostálgica satisfacción cuando nos cuentan una historia, su historia, o al menos sirve de base para crear una nueva narración: Ambos se criaron juntos cuando fueron adoptados por el granjero Juan, quien les dejó su casa al morir y les hizo prometer que la cuidarían y que estarían unidos.
Pero estos loquillos, ¿podrán cumplir su promesa?

Un día se dieron cuenta que accidentalmente su casa está en aprietos y deben juntar dinero; pero cómo, si nunca han trabajado. Ahí comienzan divertidas situaciones, hasta que llegan a un trabajo donde podrán juntar el dinero que necesitan. Ese dato se los da una hermosa cerdita llamada Petunia y que Porky no saca de su mente desde que la vio.

En su nuevo trabajo, la fabrica de chicles, descubren que algo anda mal con las personas, se han convertido en zombies al comer ese dulce, y Lucas con Porky no descansarán hasta descubrir quién ha hecho eso junto a la inteligente Petunia.

Locuras van y vienen, donde las personalidades de nuestros amigos son las mismas que recordamos con nostalgia. Vemos la unión entre ellos, pero además van aprendiendo a confiar y a crecer juntos.
El guión no solo se queda con ese pasado nostálgico, sino que le agrega y se ríe de la actualidad.
La animación 2D es nítida y muy satisfactoria, que la hace visualmente agradable.

Una historia loca y divertida para disfrutar en familia.

Ficha técnica

The Day the Earth Blew Up: A Looney Tunes Movie.
2024 ‧ Familia/Ciencia ficción ‧ 1h 31m
Dirección: Pete Browngardt
Personajes:
Eric Bauza como Pato Lucas y Porky
Candi Milo como Petunia y Anciana
Peter MacNicol como El Invasor
Fred Tatasciore como Granjero Jim y Científico

Isla Negra - Por Juan Pablo Donoso

Pudo ser una buena película de suspenso, con un par de ideas sugerentes, aprovechando actores con oficio.

Fotografía, iluminación, ambientación y edición = excelentes

Música con acertada premonición de peligro y bien matizada.

Actuaciones profesionales solventes que dan lo mejor de sus personajes.

Lo único lamentable, el guion.

Aunque la situación crítica ha sido explotada desde hace más de 75 años en cine, teatro y TV, con una buena motivación y siguiendo una estricta lógica narrativa habría logrado suspenso. Pero lo que comienza bien va revelando inconsistencias obvias, las que se acumulan hasta alargar sin necesidad el relato. Al parecer, el guionista - obnubilado por la forma y por exceso de mensajes - ignoró cómo darle una resolución dramática eficaz.

“Por muy verdadera que sea una situación, como drama se arruina si luce inverosímil”. ( Aristóteles, La Poética).

Antes y durante la emergencia los personajes tuvieron muchas oportunidades de escapar o pedir ayuda, pero el guionista se los impidió para seguir con la trama aunque fuera forzada.

Los pormenores eróticos y divergencias de la pareja habitante de la casa en Isla Negra están sobre dimensionados. Con ello le restaron tiempo e intensidad al verdadero conflicto del filme, como es la presión invasiva de los extraños.

Los giros bipolares del personaje masculino (Alfredo Castro) solo confunden, sobran y desvían del drama central.

Parecen 2 historias paralelas que casi nunca se integran. Hay largas secuencias dialogadas, que podrían provenir de una escena teatral improvisada.

Todo ello le resta tensión al drama central… si es que la extorsión de los invasores era el conflicto medular (¿?)

Aunque se plantea un afán reivindicatorio de la tierra ancestral, las reiteradas escenas del anciano moribundo (José Sosa) nos desvían una vez más de la premisa …si es que la hay.

Por último, cuando creemos que el ascenso progresivo de la trama apunta a un clímax, este se diluye y desemboca en una resolución blanda y ambigua. “¡Aquí nunca pasó nada importante!”

En suma, demasiadas ideas distintas, solo dichas y mal ensambladas. para un relato que pudo tener suspenso emotivo, basado en una hipótesis étnica seria, con víctimas dolorosamente afectadas.

TRATARON DE DECIR MUCHAS COSAS SACRIFICANDO EL IMPACTO CENTRAL DE LA CIRCUNSTANCIA. BUENA REALIZACIÓN SOBRE UN GUION DEFECTUOSO Y FORZADO

Ficha técnica

2024 - Extorsión, romance neurótico Chile - 1,45 hrs. 

Fotografía: Sergio Armstrong 

Edición: Nicolás Venegas Moscoso 

Música: Miranda y Tobar 

Actores: Alfredo Castro, Paulina Urrutia, José Soza 

Guionista y Director: Jorge Riquelme Serrano

El Viejo Roble - Por Juan Pablo Donoso

Emocionante por la fuerza de los sentimientos más simples y esenciales.

Un poderoso llamado a la compasión y a la solidaridad en un mundo dividido.

Plantea la difícil convivencia entre familias de un antiguo pueblo minero y los refugiados sirios.

Tratamiento cinematográfico tan realista que a ratos bordea el documental.

Pivoteada en torno al Viejo Roble, último pub (cantina/bar) de un pueblito en el condado de Durham, al noreste de Inglaterra. Sus antiguos habitantes lo abandonan al clausurar las minas. Las casas vacías son baratas y están disponibles. Un lugar ideal para los inmigrantes sin hogar.

Expone el trato feroz que recibieron algunos refugiados sirios en su país, pero también muestra el otro lado: los aldeanos ex mineros de carbón cruelmente olvidados por la política económica de Thatcher.

Ambos bandos - sirios e ingleses - necesitan de un nuevo comienzo. Habrá que construir un puente humano, hacer un trato, renovar habitaciones y compartir sus comidas. En medio del desprecio por los foráneos deberá nacer, con gran esfuerzo, una nueva comunidad de inevitable convivencia.

Se abren brechas culturales, se cuestionan viejas tradiciones de ambos lados, se dificulta la vida de quienes perdieron a sus seres queridos. Son familias desarraigadas que tratan de encontrar un lugar en el mundo.

Hay escenas que brillan con intensidad. Los actores son locales y sus luchas fueron verdaderas. Sería mentira verlos actuando una historia ficticia basada en su propia experiencia.

Narrada desde el punto de vista de TJ Ballantyne (Dave Turner), dueño del El Viejo Roble. Al enviudar, solo su perrita Marra le devolvió el coraje para seguir viviendo.

Las actuaciones de Turner y Ebla Mari (quien encarna a Yara, la inteligente muchacha siria quien como fotógrafa contribuyó a derribar muros de prejuicios) son notables en transparencia emotiva.

Bellas secuencias (turísticas) de Yara comparando la preservación histórica de la Catedral de Durham con las ruinas en que los Assad tienen a Siria. ¡Al pueblo sirio solo le queda la Esperanza!

Una vez más aflora la madurez del realizador Ken Loach (Yo, Daniel Blake, 2016) para tratar dilemas sociales inspirados en personajes de la vida real.

Nos demuestra cómo los pequeños gestos de empatía cotidiana son más poderosos que las palabras.

“Esto no es caridad sino solidaridad, pues los que comen juntos, permanecen juntos”.

Hablada en inglés y árabe con subtítulos en castellano.

MILAGRO DE RECONCILIACIÓN QUE SURGE DE LAS ALMAS MÁS SIMPLES Y DESVALIDAS. PRODIGIO DE SUTILEZA Y SENSIBILIDAD.

Ficha técnica

Título Original: The Old Oak

2023 Drama psicológico y social 

Reino Unido, Francia, Bélgica -1,53 hrs. 

Fotografía: Robbie Ryan 

Edición: Jonathan Morris 

Música: George Fenton 

Diseño Prod.:Fergus Clegg Guion: Paul Laverty 

Actores: Dave Turner, Ebla Mari, Claire Roderdson 

Director: Ken Loach (Lazos de Familia (2019)

Isla Negra - Por Carlos Correa Acuña

Preciosas imágenes de apertura. ¡Qué lindo lugar! Hermosas tomas de la playa con el mar bañando la costa y las olas rompiendo en la arena. Se respira la brisa marina. Todo es serenidad y calma.

Isla Negra es una localidad especial, un oasis en medio del litoral central de Chile. El acceso a la playa no es fácil; solo algunos sectores específicos lo permiten. En sus estrechas calles no se puede estacionar; solo se permite tránsito peatonal.

Volviendo al filme, es la música la que alerta que se romperá la paz del lugar. Es interesante, provoca un suspenso contenido, de esos que anticipan que algo va a suceder. Cerca de un roquerío se instalan tres personas, clavan una bandera; han decidido quedarse allí. Hasta ese momento, las imágenes solo son contemplativas, aunque el contraste queda inmediatamente de manifiesto, porque en la gran casa costera se encuentran dos adultos, Carmen -Paulina Urrutia-, y Guillermo -Alfredo Castro-, quienes disfrutan un romance de fin de semana, viviendo intensamente lo cotidiano; trote matinal, ducha, desayuno, cariño, amor, relajo…

El escenario cambia cuando las personas que estaban en la playa llegan a la casa a pedir ayuda. Marcela -Marcela Salinas-, Jacob -Gastón Salgado- y Miguel -José Soza-, no hacen más que remarcar las diferencias radicales que existen entre la vulnerabilidad exterior y la comodidad interior. Diferencias irreductibles, insalvables, que detonan el conflicto; no hay vuelta atrás.

El guionista y director Jorge Riquelme Serrano construye un drama político social desarrollado entre cuatro paredes pero con implicancias mayores. La rutina se representa bien y también el enfrentamiento verbal. La mezcla de las imágenes exteriores del lugar contrastan con las dificultades extremas que se viven en el interior.

Los estereotipos dominan la construcción de los personajes. Guillermo es el cuico, un tipo de una inmejorable situación económica que mira hacia abajo todo lo que le rodea. Es el dueño, el gerente, quien tiene la última palabra respecto a un proyecto inmobiliario que se construye muy cerca de la residencia. Carmen es su asistente y quien lidera la obra en terreno. Están juntos en esa casa, pero aquello es circunstancial. Guillermo es el patrón. Los demás, Carmen incluida, solo subalternos. Es extraña la relación que tienen ambos pero luego la entenderemos. Hay recelo, dudas, algo pasa con esta pareja. Guillermo es de temperamento variable, un carácter cambiante e irritable. Justamente en un pésimo momento, al medio de una fuerte discusión, se produce la llegada inoportuna de los visitantes. Son humildes pero firmes. Tienen una crisis, sí, pero la situación va mucho más allá.

El relato de Riquelme plantea una disyuntiva social y moral importante. La situación es incómoda e insostenible. Las descalificaciones abundan, las dudas, la culpa, el desagrado, la tensión y la violencia verbal -y también física-, aumentan progresivamente, sin embargo, el metraje se extiende sin una justificación clara.

Los diálogos son interesantes. Hay guion y también una cuota de improvisación. Es creíble, pero al mismo tiempo resulta un poco forzado. Por momentos, estamos ante una pieza teatral o una obra de cámara que reúne a los actores al interior de un pequeño espacio que logra ampliarse a través de las palabras.

Las demandas son explícitas. Tienen que ver con el arraigo, con el avance de las construcciones y con lo que estas arrasan en nombre del progreso, aparte de las sustantivas ganancias económicas. ¿La solucion? Devolver las tierras y compensar con dinero. ¿Es eso, o hay algo más?

La violencia sigue aumentando y las imágenes superpuestas dejan mucho más claras las diferentes capas que contiene la historia. Hay filtros que funcionan como cuestionamientos. No se visualiza la salida, tampoco la forma en que Riquelme concluirá la cinta.

“Isla Negra” es una obra cuya premisa resulta mucho más interesante que su desarrollo y foco conclusivo. Tal vez la intención de abarcar mucho le juega en contra. Al ritmo irregular, se suma la intermitencia narrativa. Parece que la temática se escurriera de las manos. El final, abrupto e improbable, no se corresponde con la construcción anterior. Algo falta, tal vez un mejor cierre, una conclusión más acorde con su alto nivel de producción.

Ficha técnica

Título original: Isla Negra
Año: 2024
Duración: 105 minutos
País: Chile
Compañías: Laberinto Films. Distribuidora: Laberinto Films
Género: Drama
Guion: Jorge Riquelme Serrano
Música: Miranda y Tobar
Fotografía: Sergio Armstrong
Reparto: Alfredo Castro, Paulina Urrutia, Marcela Salinas, Gastón Salgado, José Soza
Dirección: Jorge Riquelme Serrano

La Influencer Divina - Por Jackie O.

“El sentido de la influencia”

Película que nos cuenta sobre la vida de apariencias que lleva una joven que pasa a conocer abruptamente el verdadero significado de “influencia”.

Una historia sobre el crecimiento espiritual.

Olivia es una influencer, alguien que le encantan las redes sociales, tiene miles de miles de seguidores, gran pasión por la apariencia y de mostrarse llena de filtros viviendo la buena vida. Eso lo hace su trabajo y le va bien. Es de familia acomodada y, aunque vive sola, sus padres la subsidian económicamente, por lo que ella vive el momento, no ahorra, está llena de gastos que pagan la mayoría sus padres, quienes son una pareja muy cristiana que deciden que es el momento de darle una lección de vida a su hija que, a pesar de ser una buena mujer, no ve más allá de su realidad y debe ya mirar a su alrededor. Junto con eso, y por un error involuntario, Olivia es despedida de su trabajo, siendo curiosamente un problema encontrar otro empleo. Sus padres le avisan que dejarán de pagarle el arriendo de su departamento y que debe buscar un trabajo, debe solventarse sola, hasta que llega un aviso de desalojo.

Con algunos tropiezos en el camino, llega a colaborar en un albergue no de muy buena gana, pero la necesidad, y con mucho pesar, debe vivir en dicho lugar donde conocerá amistades, el amor y, principalmente, se conocerá a sí misma.

Buscando una dirección en su vida, los trabajadores y voluntarios del albergue que son muy cristianos, le hablan de cómo encontraron a Dios en medio de las dificultades que vivían en sus vidas y fueron rescatados espiritualmente. Ella no cree en la religión, pero más que eso, no se había puesto a pensar en ello hasta ahora.

En sus momentos de angustia, debe buscar a Dios para que la guie, pero no sabe cómo entender sus señales ni qué hacer de su vida.

Una cinta que no ataca el trabajo o la vida de una persona que se autodenomina “influencer”, tampoco a las redes sociales, sino que las encamina por el sendero de identificar cuál es la influencia que le doy a la vida, a mi vida y a la de los demás. De cómo se puede influenciar en el otro de forma positiva, con actos y dichos que sean un aporte al entorno, que quienes te estén viendo o escuchando se sientan a gusto y cómodos.

Porque para ayudar a otros, un simple gesto hace grandes cambios. Eso mismo, engrandece nuestro espíritu.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Divine Inluencer
Dirección: Shari Rigby
Guionistas: Susannah Eldridge, Claire Yorita Lee, Suzanne Niles
Elenco: Jesse Metcalfe, Lara Silva, Debra Stipe, Jason Burkey.
2023. EEUU
1 hora 45 minutos.

Tierras Perdidas - Por Carlos Correa Acuña

El mundo ha sido devastado. Los pocos sobrevivientes viven en una sola ciudad, un vestigio de lo que alguna vez fue la humanidad. La reina del lugar -Amara Okereke-, solo quiere encontrar la felicidad. Desesperada y ansiosa, le pide a la bruja Gray Alys -Milla Jovovich-, que vaya a las Tierras Perdidas y encuentre un poder mágico que transforme a una persona en hombre lobo. El viaje de Alys, una aventura acompañada de un cazador llamado Boyce -Dave Bautista-, no será fácil. Los peligros acechan, las criaturas y monstruos abundan y las consecuencias de cada acto pueden ser mortales. ¿Lograrán cumplir su misión?

Basada en el relato de George R. R. Martin, esta cinta dirigida por Paul W.S. Anderson se centra en un viaje lleno de persecuciones y enfrentamientos. La búsqueda es lo permanente, pero ¿tiene algún sentido? Con una estética de pocos colores, mayormente gamas cromáticas en sepia y grises, la película es oscura para retratar un inframundo muy bien representado por la construcción de entornos antinaturales. Las peleas parecen ser los ejes conductores, y las coreografías las muestran bien, aunque abusando de los efectos especiales y mucha cámara lenta a lo “Matrix”.

En cuanto al relato, todo se trata de poder. Hay una iglesia, o un culto, que destaca por su tiranía y opresión hacia un pueblo sometido. Los actos de rebeldía se pagan caro, pero la búsqueda de libertad conduce inexorablemente a una poderosa rebelión. Clásico, sin mayor novedad, salvo por una presentación estética que no resulta suficiente.

Ante una historia con escaso sustento, el fuerte debería centrarse en los personajes, pero tampoco sucede. Dave Bautista y Milla Jovovich se ven deslucidos en sus roles, rígidos, como si tuvieran una camisa de fuerza. La belleza de ella y la fortaleza de él no les basta para destacar, menos aún considerando que el guion avanza de forma insustancial, sin ritmo y con muy poca unidad.

Es verdad, “In the Lost Lands” no es mi estilo y, tal vez por eso, no me provoca mayor curiosidad. Pero una cosa es que a uno le guste o no, y otra diferente es que la propuesta logre ser interesante. Acá, como decía un buen amigo, no es lo uno ni lo otro, sino todo lo contrario. Enrevesado como lo lee, contradictorio y de suma cero. Sin embargo, usted puede tener una opinión radicalmente distinta a la mía porque así es el cine, subjetivo e interpretable.

Ficha técnica

Título original: In the Lost Lands
Año: 2025
Duración: 101 minutos
País: Alemania
Compañías: Coproducción Alemania-Estados Unidos; Constantin Film, Dream Bros. Entertainment, Rusalka Film
Género: Acción. Aventuras. Fantástico | Hombres lobo
Guion: Constantin Werner, Paul W.S. Anderson. Historia: George R.R. Martin
Música: Paul Haslinger
Fotografía: Glen MacPherson
Reparto: Dave Bautista, Milla Jovovich, Arly Jover
Dirección: Paul W.S. Anderson

Materia Oscura - Por Jackie O.

“El gato de Schrödinger”

Sinopsis: Un físico de Chicago llamado Jason Dessen es secuestrado una noche por una persona que oculta su rostro tras una máscara blanca. Tras ser drogado, despierta en una versión alternativa de su vida. Su esposa y su hijo ya no están, y las personas cercanas a él no lo reconocen. Esto le obliga a luchar para volver a su vida y evitar que la versión alternativa de sí mismo, el hombre tras la máscara blanca, dañe a su familia.

Historias sobre multiversos están muy de moda desde hace mucho, pero últimamente más. Para algunos puede resultar confuso este tipo de dinámica, pero esta historia está bien contada, aunque sí, hay momentos en que no se puede pestañear para no perderse detallitos, por lo que fanáticos de la ciencia ficción estarán encantados.

A veces, hay profesiones que quieren ir más allá de la norma con el fin, tal vez, del reconocimiento mundial tan ansiado, ganar un premio, ser nombrados como el primero que…, etc, y eso conlleva a la enfermedad, obsesión o un crimen.

Jason, al tener mucha información científica, navega por aguas profundas del conocimiento, encontrando o creyendo encontrar respuestas a multiversos inimaginables, pero eso lo llevará a alejarse de su ser y ponerse en peligro.

Estamos ante una historia científica que ahonda en el conflicto interno de preguntarse si la decisión que se tomó fue o no la correcta, si perseguir esa obsesión o disfrutar lo que tengo en el aquí y ahora, es mejor, ya que cada acción que realizamos, cada decisión que tomamos, tiene una consecuencia en el universo que se está viviendo, como también en los otros universos paralelos (dicen…)

Interesante, sobre todo en la psicología, el psicoanálisis y la física cuántica, que, sin ser profesionales del área, hace que te involucres sin problema; pero esa dinámica hace que la serie sea para adultos.

Buenas actuaciones, fotografía y edición.

En cuanto a su guion, pudo ser mejor, ya que tal vez su final abrupto no haya dejado conforme a la audiencia. Pero, se dice, viene una segunda temporada que podría aclarar lo que consideren se quedó en el tintero.

Disponible en AppleTV.

Ficha técnica

Título original: Dark Matter
Género: Drama · Suspenso · Ciencia ficción
Creado por Blake Crouch
Basado en Dark Matter de Blake Crouch
Protagonistas: Joel Edgerton · Jennifer Connelly · Alice Braga · Jimmi Simpson · Oakes Fegley · Dayo Okeniyi
2024 

50 minutos
9 capítulos. EEUU

El Amateur: Operación Venganza - Por Carlos Correa Acuña

Charles Heller -Rami Malek-, vive tranquilo. Casado con Sarah Horowitz -Rachel Brosnahan-, disfruta la vida familiar en su casa en las afueras de Langley, Virginia. Su trabajo es sereno y metódico. En el interior de un profundo subterráneo, se encarga de descifrar complejos archivos codificados que son parte de la información más confidencial que posee su empleador, la CIA. Es tanta su obsesión que sigue intentando acceder a archivos que se resisten a ser revelados, hasta que descubre uno que podría ser solo la punta de un iceberg.

Cuando su esposa viaja a Londres por cinco días, se desata una tormenta. Un atentado terrorista termina con una toma de rehenes y una víctima fatal: Sarah. La situación es desconcertante. Charles logra reunir información y pruebas del crimen. Localiza a los autores e incluso sabe perfectamente quién de ellos apretó el gatillo. El círculo se cierra; sin embargo, su jefe no quiere que él avance en ninguna de las líneas investigativas, que abandone y les deje la tarea a ellos: los especialistas.

La decepción cubre al protagonista. Quiere que los autores del crimen de su mujer paguen, y caro. Una venganza con todas sus letras y en mayúscula. Convencido de que puede hacerlo por sus propios medios, pide ser entrenado como agente de campo. Se lo permiten, pero es una trampa; sin embargo, lo que sus superiores no intuyen es que Charles va mucho más adelantado que ellos en todo sentido.

Entretenida de principio a fin, “The Amateur” no juega con especulaciones. Por el contrario, desarrolla cada etapa en el tiempo justo. Esa característica le da ritmo y agilidad, porque siempre estamos en movimiento y además saltando de una ciudad a otra en cuestión de minutos.

Rami Malek, con una marcada aura de su emblemática “Mr. Robot”, encarna a un personaje especial, de pocas palabras, introvertido, pero brillante en su forma de razonar y ejecutar planes de acción. Podríamos decir que tiene los mismos rasgos, la misma cara, el mismo patrón, es verdad; sin embargo, Malek se las arregla para configurar a un protagonista creíble, sin habilidades especiales, pero que se convierte en un héroe espontáneo movido por el amor y su propio sentido de justicia.

Laurence Fishburne, Holt McCallany, Caitríona Balfe y Julianne Nicholson apuntan papeles secundarios con un buen desarrollo, pues, sin estar mucho tiempo expuestos, sabemos qué puntos calzan para aliviar la pesada carga del personaje principal, sobre quien recae la responsabilidad de sostener un relato de más de dos horas de duración.

James Hawes imprime buen ritmo a una cinta clásica de espionaje que se viste con elementos actuales y pone de relieve las responsabilidades y lealtades al interior de una agencia que debería tener la transparencia como política fundamental. Cuando una oveja se descarrila al interior de una organización y la corrupción es un verdadero caldo de cultivo, la solución no siempre viene de las altas esferas. A veces, y por motivos diferentes, hace falta que una persona anónima, una más dentro de toda la multitud, pueda destapar aquello que incluso a los más influyentes resulta vedado. El tema es que no necesariamente el fin justifica los medios, pero eso es tema para otro análisis.

“El Amateur: Operación Venganza” funciona y muy bien. Es todo lo que le pido a una película de este género para ver en pantalla gigante: buena fotografía, lugares diferentes, viajes, persecuciones, escenas de acción y hartas dosis de adrenalina. Rami Malek, también como productor, se las trae. ¿Quién nos dice que, en una de esas, no se aproxime una saga de Charlie Heller o algo así, habiendo tanto archivo por decodificar con encubrimientos al más alto nivel? Cualquier coincidencia con la realidad es nada más que eso. ¿Coincidencia?

Ficha técnica

Título original: The Amateur
Año: 2025
Duración: 123 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: 20th Century Studios, Fox 2000 Pictures, Hutch Parker Entertainment, Seed Productions. Distribuidora: 20th Century Studios
Género: Thriller. Acción | Venganza. Espionaje
Guion: Ken Nolan, Gary Spinelli. Novela: Robert Littell
Música: Volker Bertelmann
Fotografía: Martin Ruhe
Reparto: Rami Malek, Rachel Brosnahan, Caitríona Balfe, Jon Bernthal, Michael Stuhlbarg, Holt McCallany, Laurence Fishburne
Dirección: James Hawes

El Amateur, Operación Venganza - Por Juan Pablo Donoso

Mucha acción, espionaje, y aventuras por diversos países.

Un hombre pacífico pero dolido y muy inteligente, nos mantendrá entretenidos durante 2 horas con desafíos a lo James Bond, Jason Bourne y su poco de Misión Imposible.

Cuando a Chales Heller (Remy Malek), diestro criptógrafo de la CIA, unos terroristas le matan a la esposa en Londres, se las ingenia para que sus autoridades le permitan salir al mundo a matar a los delincuentes utilizando más su astucia y conocimientos de computación, que armas, vehículos y subterfugios eróticos.

Fue atinada la elección de Remy Malek (Freddie Mercury en Bohemian Rhapsody) como frágil e inepto vengador (amateur). Sus grandes ojos, contextura delgada y poco glamorosa nos permiten - a diferencia de los típicos superhéroes mencionados - empatizar con su duelo y su coraje para jugárselo todo aún a riesgo de su propia vida.

El encanto del filme radica en cómo va detectando la ubicación de cada una de los victimarios (mujeres y hombres) en diferentes países, y de cómo se las ingenia para escalar hasta el líder máximo y culminar su misión cuasi-suicida.

Es la vulnerabilidad del héroe - quien entrenado por un maestro exterminador (el legendario Lawrence Fishburne) -la que nos permite admirar cómo la fuerza del amor activa la inteligencia más que las destrezas del combate físico. o de la sagacidad para seducir mujeres peligrosas.

La inestabilidad emotiva del protagonista, unida a las frugales intervenciones de personajes secundarios nos hacen pensar a ratos que solo está soñando. Pero la escena final - con el regalo de su esposa - nos aclara que por fin logró la paz espiritual que anhelaba.

Si bien el ascenso progresivo del guion nos mantiene interesados, echamos de menos el gran combate final con que culminan las clásicas películas de acción, violencia y espionaje.

La voz que va relatando los pensamientos de Heller es de Scott Brick, uno de los más solicitados narradores estadounidenses, con más de 600 audiolibros a su haber.

La expresión de los ojos de Malek se nos queda grabada en la memoria.

IINTELIGENTE AVENTURA DE SUSPENSO Y ACCIÓN CON UN PROTAGONISTA CARISMÁTICO POR LA VULNERABILIDAD QUE TRANSMITE.

Ficha técnica     

Título Original: The Amateur

2025 Acción, espionaje EE.UU. 2,03 hrs. 

Fotografía: Martin Ruhe 

Edición: Jonathan Amos 

Música: Volker Bertelmann 

Diseño Prod.: Maria Djurkovic 

Guion: Robert Littell, Ken Nolan, Gary Spinelli 

Actores: Remy Malek, Laurence Fishburne, Julianne Nicholson 

Director: James Hawes

La Niña de mis Ojos - Por Juan Pablo Donoso

Candorosa historia coreana de amor adolescente. Juguetona y alegre. Prolija realización.

¿Cuánto demorarán - en medio de las chacotas escolares - en madurar y darse cuenta que se aman, y que son el uno para el otro?

Sobre esa interrogante navega el discurso cinematográfico.

Inspirada en la novela The Apple in the Eye, título que significa la importancia mutua que unos tienen para otros. Son los reales afectos ocultos bajo las trivialidades del diario acontecer.

Tratamiento minimalista: lleno de pequeños incidentes cotidianos al ritmo alocado de jóvenes de educación secundaria.

Graciosa sucesión de anécdotas y bromas pesadas, muy bien editadas y con actuaciones gratamente espontáneas.

El tema central son las diferencias en los tiempos de maduración entre hombres y mujeres. Ellas lo hacen más temprano.

La médula dramática, en un relato tan lúdico, es la lenta revelación de un amor de pareja que permaneció incubado durante mucho tiempo.

La muchacha Seon-ah, encarnada por la primeriza Kim Da- hyum es un acierto indiscutible: talentosa y sutil en matices de emoción. Buena química con el joven galán Jung Jinyoung, quien acusa los desniveles entre el niño que es aún y el hombre adulto que va apareciendo. Y la lejana amenaza de los infaltables rivales.

El guionista y director Cho Young-Myoung aportó la variedad justa de personajes secundarios para mantener la atmósfera festiva en torno a sentimientos de amor difusos. Ausencia absoluta de recursos eróticos. Habrían restado pureza al fenómeno poético del amor naciente.

Aunque la anécdota es vital y sencilla, carece de cierta ilación. Hay algo trunco en el devenir de la trama, como si le hubieran cortado escenas que enlazan la continuidad.

En la montaña rusa de carcajadas y tristezas pasajeras nos evocan el mensaje de que, a veces, las cosas son distintas a como uno quisiera.

Es la tercera versión luego de la taiwanesa de 2011, y la japonesa de 2018.

VERSIÓN LIGERA DE COMEDIA ROMÁNTICA. CAPTURA CON ENCANTO LA ETERNA MAGIA DEL PRIMER AMOR.

Ficha técnica

Título Original: Geu sijeol, uriga johahaetdeon sonyeo
2024 Tragicomedia, adolescencia, romance
Corea del Sur - 1,41 hrs.
Fotografía; Hong Jae-Sik
Edición: Kim Man-geun
Música: Lee Jong-Myoung
Diseño Prod.: Jung Sung-Kyun
Guion: Giddens Ko, Cho Young-Myoung
Actores: Jung Jinyoung, Kim Da-Hyun, Demian
Director: Cho Young-Myoung

El Amateur: Operación Venganza - Por Jackie O.

“Búsqueda implacable”

El director James Hawes, conocido por sus trabajos televisivos donde le gusta mantener cierta tensión, como Black Mirror, Doctor Who, Raised by Wolves, Slow Horses, The Alienist y The Suspicions of Mr. Whicher, entre otros trabajos, nos trae un thriller basado en la novela “The Amateur” del escritor Robert Littell, sobre un hombre que quiere vengar la muerte de su mujer, la que ya fue llevada a la pantalla el año 1981 por Charles Jarrott.

Charlie Heller es un introvertido experto en descifrar códigos, analizar datos y todo lo que tiene que ver con tecnología. Él trabaja para la CIA, es un “cerebrito”. Su vida se desarrolla sin contratiempos, está felizmente casado con Sarah. Pero un día ella sale de viaje, como en otras ocasiones pues su trabajo lo requiere, pero este viaje ya no será lo mismo; estando en un Congreso en Londres, unos terroristas se toman el lugar y ella se transforma en rehén siendo asesinada. El dolor invade a Charlie, su forma de ser lo descoloca ante esta situación de tragedia. Su destreza intelectual la transforma en obsesión, recopilando una serie de antecedentes de los atacantes que presenta a sus superiores.

Pero su dolor se acrecienta más al ver la pasividad de sus jefes por lo que Charlie los amenaza. Su ágil mente ha encontrado datos que perjudican a algunos mandamases. Entonces el trato es que Charlie pide ser entrenado como agente de campo, quiere ser un asesino, para lo cual le asignan al mejor en el área, Robert Henderson, quien, estando en su entrenamiento, le hace ver su real falta de capacidad para los fines que desea. Al ver que todo está en su contra, sale solo en busca de los responsables del asesinato de su esposa recorriendo varias locaciones (Londres, París, Marsella, Madrid, Estambul, entre otras ciudades), porque se da cuenta que no necesita ser un hábil en armas o peleas. Tiene algo mejor: su mente.

Películas sobre espionaje o venganza ya hemos visto muchas, por lo que cada propuesta nueva debe tener su cuota mayor para impactar. En sus dos horas de duración, lo que encontré mucho para la propuesta, lo interesante fue que no estamos ante un sujeto que de la noche a la mañana se transforma en un experto en artes marciales o un sabelotodo en armas, y se agradece ya que habría sido de lo más predecible. Estamos ante un sujeto que intentó ser un arma mortal, pero su carácter lo centró en la realidad, en que debe explotar sus habilidades y no otras formas que no podrá desarrollar aunque le ponga todo el empeño. Y eso debe ser algo que todos debemos rescatar. No siempre tendremos las habilidades que queramos, o puede que si trabajamos en ellas, tal vez las adquiramos, pero no siempre sucede. Debemos buscar en lo que sí somos buenos y explotarlo al máximo, y es en lo que nuestro protagonista se enfoca.

El guion es bueno, sin ser impresionante, pero faltó más tensión. Aunque no desarrolla el duelo ni las implicancias morales que conlleva una venganza, sí sabe mantener el interés del espectador. Además que tiene una pizca de humor muy bien incorporada que ayuda a la trama.

Las actuaciones buenas, sin destacar a ninguno aunque es un gran reparto. Y la edición fue correcta.

Sí destacó bastante la fotografía, en vista de que tenemos muchas tomas nocturnas que se ven bastante bien, con postales muy interesantes en planos amplios y más cerrados. Y una banda sonora muy acorde a lo que se nos presenta.

Buena película, no deslumbrante por supuesto, para ver y entretenernos en streaming, la cual perfectamente se puede convertir en una saga.

Ficha técnica

Dirección: James Hawes
Guion: Ken Nolan y Gary Spinelli
Fotografía: Martin Ruhe
Montaje: Jonathan Amos
Protagonistas: Rami Malek, Adrian Martinez, Rachel Brosnahan, Caitriona Balfe, Laurence Fishburne, Holt McCallany
2025. 123 minutos.

La Niña de mis Ojos - Por Carlos Correa Acuña

Basada en la novela semiautobiográfica del autor taiwanés Giddens Ko, esta película es un remake del filme taiwanés de 2011. La historia sigue a Jin-woo (Jung Jin-young), quien comparte con sus compañeros de clase la fascinación por Seon-ah (Dahyun), una joven atractiva que atrae la atención de todos.

Este trabajo retrata con precisión la adolescencia y sus altibajos. Situada en Corea del Sur, muestra la cultura juvenil y los contextos que rodean a un grupo de estudiantes de secundaria. Los problemas son comunes y los desafíos, innumerables. Cada personaje posee características marcadas que representan diferentes personalidades e intereses.

El viaje comienza mostrando las rutinas diarias de hombres y mujeres, para luego centrarse en el eje de la acción: Seon-ah. Todos giran en torno a la hermosa joven, pero Jin-woo no parece tan interesado. Eso marca la diferencia, pues es la bondad lo que llama la atención de Seon-ah. Ella es aplicada, mientras que Jin-woo es todo lo contrario: espontáneo, aunque un poco perdido, sin saber muy bien qué es lo que quiere hacer en el futuro. Son tan distintos como polos opuestos; tal vez es eso lo que finalmente les resulta atractivo.

La cinta explora lo cotidiano de las relaciones juveniles. El tratamiento está muy influenciado por el estilo norteamericano, ya que se repiten sketches y algunas situaciones que hemos visto en varias oportunidades. Además, en una clara muestra de desafío personal, cuando Jin-woo comienza a estudiar, mejora su rendimiento. Motivado por la compañía de Seon-ah, él logra preparar las materias junto a ella.

Otros temores surgen en el camino; los jóvenes se van descubriendo a través de los juegos. El examen de ingreso a la universidad es decisivo, marca el futuro, siendo una decisión crucial. El objetivo es continuar los estudios, idealmente en Seúl, pero las cosas no siempre resultan como se sueñan.

El guion escrito por Giddens Ko y el director debutante, Cho Young-Myoung, añade una capa que permite alivianar situaciones difíciles y complejas mientras presenta un relato sobre el amor cuando parece inalcanzable. ¿Cómo alguien, aparentemente fuera de nuestro alcance, puede fijarse en nosotros? Puede parecer una utopía, pero los caminos son misteriosos y las respuestas no siempre coinciden con lo que se espera.

“You Are the Apple of My Eye”, de 101 minutos de duración, aborda con humor los vínculos juveniles, la influencia del primer amor y la vida con sus múltiples destinos.

Ficha técnica

Título original: Geu Sijeol, Uriga Johahaetdeon Sonyeo
Año: 2024
Duración: 101 minutos
País: Corea del Sur
Compañías: Distribuidora: K-Movie Entertainment, Paris Filmes
Género: Comedia. Drama. Romance | Adolescencia. Colegios & Universidad. Remake
Guion: Giddens Ko, Cho Young-Myoung
Fotografía: Hong Jae-Sik
Reparto: Jung Jin-young, Dahyun, Son Jeong-hyuk, Kim Yo-han, Lee Min-goo
Dirección: Cho Young-Myoung 

Pandemonium - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: Nathan se considera a sí mismo un hombre normal. Un buen día despierta en una montaña helada, sin recordar cómo ha llegado hasta allí. Conforme prosiga en su inquietante e imaginativo descenso a los infiernos, conocerá a personas que le obligarán a replantearse la percepción que tiene de sí mismo y de su vida hasta ese momento.

Dirigida por Quarxx -Alexandre Claudin-, esta película francesa del año 2023 presenta una apertura interesante. Nathan -Arben Bajraktaraj-, el protagonista, despierta en medio de una carretera. Se encuentra totalmente descolocado; parece haber sobrevivido a un accidente fatal, pero no recuerda absolutamente nada. Lentamente, en compañía de otro hombre y una pequeña niña, va tomando conciencia de que el trance que vive es bastante diferente a la realidad que percibe.

Indudablemente atmosférico y con una narración distribuida en diversas secciones, este drama psicológico de terror aborda temas como la culpa, el castigo y la redención. Con un particular estilo, el director nos invita a un viaje por el inframundo, un lugar tan desconocido como tenebroso, donde las historias pasadas se funden y fluyen hacia una eternidad inimaginable.

El cuidado de la filmación es uno de los puntos altos del trabajo. Asimismo, las actuaciones dan cuenta de la angustia real de sus personajes, una sensación de abandono no solo física, sino, sobre todo, de espíritu. Los relatos, individuales pero también entrelazados, parecen estar fragmentados. De hecho, una lectura rápida podría dividir esta película en tres capítulos y un epílogo. Sin embargo, al concluir, son aquellos signos de unidad los que conforman el arco final.

Interesante propuesta para el género, con matices metafísicos que la distancian del horror tradicional. Envolvente y sutil por momentos, en otros revela la naturaleza enferma del ser humano y sus trágicas consecuencias. Con temas que llaman a la reflexión, este filme se arriesga con uno de los grandes misterios de la humanidad: lo que existe -o no existe- más allá de la muerte.

Ficha técnica

Título original: Pandemonium
Año: 2023
Duración: 90 minutos
País: Francia
Compañías: Transgressive
Género: Terror | Drama psicológico
Guion: Quarxx
Música: Benjamin Leray
Fotografía: Didier Daubeach, Hugo Poisson, Colin Wandersman
Reparto: Arben Bajraktaraj, Ophélia Kolb, Manon Maindivide, Sidwell Weber, Hugo Dillon, Carl Laforêt
Dirección: Quarxx

Bernadette - Por Juan Pablo Donoso

Amena y elegante fantasía político/biográfica (lo advierten al comienzo del filme), donde se destacan las actuaciones, los toques de humor, y una ágil edición.

Explora los desafíos que enfrentan algunas mujeres en la política y el difícil equilibrio entre la vida personal y la imagen pública.

Con evidente inclinación izquierdista satiriza los roles y expectativas de género, además de los efectos corrosivos del poder y la ambición.

Deja en claro - al igual que Lady D - la prominencia que Bernadette Thérèse Marie Chodron de Courcel - esposa del Presidente Jacques Chirac, tuvo en la vida pública de Francia.

Contribuyó eficazmente al ascenso de su marido a la primera magistratura. Pero humillada por los abusos protocolares, y la vanidad de su esposo, consiguió salir de las sombras y abrirse paso con su propia imagen ante el país. Gracias a su intuición fue exitosa en todo a pesar de las cortapisas que los políticos le tendían.

Se retrata a Bernadette como feminista, y una de las políticas más astutas y manipuladoras del largo gobierno conservador francés. Como paradoja, apoyó a Sarkozy más de lo que su marido hubiera deseado.

En verdad Jacques Chirac nunca descuidó la anorexia de su hija Laurence; y tampoco su otra hija, Claude, fue un florerito superficial.

La legendaria Catherine Deneuve (81 años) ahora nos deleita como Bernadette. Asume con madurez aquel periodo de la historia, y protagoniza lúdicamente un guion ingenioso e irónico.

Los chispazos de humor, unidos a la solvencia de Deneuve y al histrionismo de los actores enriquecen la fábula política. Logradas caracterizaciones de Denis Podalydès como el acomplejado asesor de la Primera Dama, y de Michel Vuillermoz como un desgarbado Presidente Chirac.

Un coro muy vistoso - de jóvenes y muchachas encabezados por un contratenor - a la manera del clásico Coro griego, aparece caprichosamente, en cualquier escenario, para explicar musicalmente lo que va motivando a los personajes

Privilegiando el encanto de sus actores pudo indagar un poco más hondo en las implicancias políticas, pero la directora Lea Domenach optó por la fluidez del relato.

Sarcasmo adecuado para públicos mayores, admiradores de Chirac, de Catherine Deneuve, y/o seguidores de la política francesa.

ELEGANTE Y AMENA SÁTIRA POLÍTICA QUE PROVOCA IRÓNICAS REFLEXIONES

Ficha técnica

Título Original: Bernadette

2023 Biografía, historia, sátira Francia - 1,32 hrs. 

Fotografía: Elin Kirschfink 

Edición: Christel Dewynter 

Música: Anne-Sophie Versnaeyen 

Dirección de Arte: Jean-Marc Tran Tan Ba 

Guion: Clemence Dargent, Lea Domenach 

Actores: Catherine Deneuve, Denis Podalydes, Michel Vuillermoz 

Dirección: Lea Domenach

Bernadette - Por Jackie O.

“De las sombras a primera plana”

Basada en hechos reales pero rodeada de ficción, nos cuenta la vida política como Primera Dama de Bernadette Chirac.

De cómo una mujer de tercera edad, de estilo anticuado, carácter no muy ameno con el resto, pasa a transformarse en una figura mediática muy influyente en Francia.

Bernadette fue criada muy convencionalmente, siempre tras su marido, de perfil bajo y apoyándolo en todo. También le gustaba la política y postuló como concejal quedando en su momento, pero cuando su marido Jacques Chirac postula a la presidencia en 1995, todo cambia. El rol de ella se vuelca a acompañarlo sin cuestionar nada, pero con una visión política muy aguda que nadie toma en cuenta. Una de sus hijas es la principal asesora comunicacional de su padre, y cuando es electo presidente, y ante las múltiples críticas a Bernadette de no ser “prudente”, le consiguen un asesor personal. Ella acepta de mala gana, es Mickey (apodo que ella le coloca despectivamente). Bernard, es un hombre correcto y que se convierte en su mejor amigo, él le da ese empujón que ella necesitaba para encontrarse como mujer, y por sobre todo, como persona. De perder el miedo, de no dejarse pisotear no solo por su marido, sino que por todos. Y mostrar su valía.

Así que, como una tortuguita va despacito moldeándose, y muy recatadamente se venga de aquellos que la vilipendiaron, resultando situaciones graciosas que amenizan la narrativa que podría haber sido más trágica.

Estéticamente el tono comedia que se le da a este drama está muy bien equilibrado, pues, de situaciones complejas como un mal matrimonio, donde existe infidelidad y denostación, se camufla en tono irónico la venganza y amor propio que se utiliza para salir a flote.

Catherine Deneuve, más bella que el personaje original, y personificando a una mujer casi 15 años menor, lo hace espectacular. Sabe darnos momentos de gracia, elegancia y de tristeza. Mantiene un refinamiento de primera dama natural.

La dirección es correcta, no se arriesga y juega con la sátira política. El caricaturizar a personajes, incluso al presidente, no hace que nos desviemos de lo que el guion nos quiere plantear. Esto es, una película femenina sin ser feminista; una cinta de empoderamiento femenino, sin caer en el escándalo y la violencia para hacerse notar. De esposa ignorada por su esposo, a ser el pilar fundamental y respetada. De que se puede emerger cuando hay voluntad, y si hay una mano amiga que te apoya, mejor.

La frase “detrás de un hombre hay una gran mujer”, acá te demuestra que ella ES la estratega, pero relegada por su marido, su familia y esos asesores políticos odiosos y machistas. Que antes de mencionar esa frase mejor pensarlo bien, pues tal vez sea el hombre quien debe quedarse tras la mujer, o mejor aún, estar juntos, uno al lado del otro. Pero los egos…

Una mujer que no es muy conocida en la actualidad, que vivió a la sombra de su marido un político ambicioso, mujeriego y duro. Se agradece que esta joven cineasta la traiga a la palestra, con esta, su historia, que aunque no es biográfica, sí cuenta detalles de su vida, y que, aunque sea con un tono de comedia, más con coro góspel que puede que no guste a todos, es ideal para ver por adultos en familia, ya que, como señalé, de situaciones incómodas nos la muestra en un tono ligero sin ofenderla, ya que nos retrata a un ser humano que salió adelante.

Ficha técnica

Dirigida por Léa Domenach
Guión de Léa Domenach, Clémence Dargent
Cinematografía: Elin Kirschfink
Editada por Christel Dewynter
Música: Anne-Sophie Versnaeyen
2023. Francia. 95 minutos.
Catherine Deneuve: Bernadette Chirac
Denis Podalydès: Bernard Niquet
Michel Vuillermoz: Jacques Chirac
Sara Giraudeau: Claude Chirac
Laurent Stocker: Nicolas Sarkozy
François Vincentelli: Dominique de Villepin