El Esquema Fenicio - Por Carlos Correa Acuña

Wes Anderson no deja de sorprender. Aunque regrese con fórmulas conocidas, sus característicos trazos de originalidad se abren paso a lo largo de un metraje que se hace pesado a pesar de no alcanzar las dos horas de duración.

La historia se centra en Zsa-zsa Korda -Benicio del Toro-, un magnate europeo sin escrúpulos decidido a llevar a cabo un plan para hacerse aún más rico. Son varios pasos los que debe dar. Y con cuidado, porque intenta ser destronado por un consorcio comercial que no escatima recursos para hacerle la vida imposible, incluso al punto de querer asesinarlo a como dé lugar.

Korda sale airoso, por los pelos, de muchísimos incidentes, pero esto debe parar. Por eso convoca a su hija Liesl -Mia Threapleton-, una hermana novicia, para que lo apoye en el negocio y lo acompañe para poner en orden todos sus asuntos. Este es el plan, basado en un esquema Fenicio: ir paso a paso, punto a punto, concertando reuniones con su red de intermediarios e inversores clandestinos para cubrir el déficit provocado por la hostilidad del turbio consorcio rival.

¡Qué decir! Anderson es Anderson. Su estética es tan reconocible como particular y esta entrega no se escapa en absoluto. Desde la primera escena hasta la última, cada cuadro, cada movimiento de cámara y cada escenario construido es perfectamente asociable al mundo Anderson, sin dejar duda alguna.

Con Benicio del Toro a la cabeza, el elenco es realmente un lujo. A Mia Threapleton, Michael Cera, Riz Ahmed, Tom Hanks, Bryan Cranston, Mathieu Amalric, Richard Ayoade, Jeffrey Wright, Scarlett Johansson y Benedict Cumberbatch, cualquiera los quisiera en un rol protagónico. Anderson se permite usarlos como secundarios sin perder esencia, aunque, a mi modo de ver, algunos de ellos están bastante desaprovechados.

La trama entretiene pero no deslumbra. La división por capítulos, otro sello Anderson, permite progresar en el entendimiento de un guion que aparenta ser más complicado de lo que verdaderamente es. Las vueltas no son tantas, y las sorpresas se inclinan más por lo excéntrico que por los enredos que habitualmente propone el director.

La música, otro apartado que no es trivial en la filmografía de este carismático director, está en manos de Alexandre Desplat. Y acá hay un buen paño que cortar, porque Desplat se basa en obras de Igor Stravinsky para componer la banda sonora, utilizando motivos y secciones completas que refrendan al exitoso compositor del ballet “El Pájaro de Fuego”. Es más, son esas seis notas iniciales de la mencionada obra, las que constituyen el tema central de la película, un guiño interesante al libreto, pero más que eso. Desplat desarrolla toda una serie de variaciones sobre esa misteriosa introducción de la cuerda baja que anticipa todo lo que está por venir. Ademas, la irrupción de “Cuadros de una exposición”, de Modesto Mussorgsky, en versión orquestada por Maurice Ravel, entrega otro toque particular, quizá entregando un rol especial a una partitura que se aparta del estilo habitual de Desplat, pero que ayuda a la construcción de los cuadros plásticos.

“The Phoenician Scheme” no representa necesariamente un avance en la obra del prolífico autor de “El gran hotel Budapest”. Considero que más bien es una consolidación de sus últimos trabajos, puliendo una paleta de colores que se transforman en marca registrada y entregando la responsabilidad de la construcción a varios de sus actores favoritos.

Estamos ante una buena elección, un cine diferente, disruptivo y en cierta manera incómodo. Implica compromiso y atención, porque los detalles son muchísimos y fundamentales para entender no una historia lineal, sino un concepto mucho más elaborado y eminentemente estético.

Una última observación: es mejor no llevar muchas expectativas porque es fácil sentir algo de decepción. Para combatir eso, es mejor ir liviano de pensamiento y abierto a las sorpresas, porque, de que las hay, las hay.

Ficha técnica

Título original: The Phoenician Scheme
Año: 2025
Duración: 101 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Alemania; Indian Paintbrush, American Empirical Pictures, Studio Babelsberg. Distribuidora: Focus Features
Género: Comedia. Intriga. Drama | Espionaje. Monjas
Guion: Wes Anderson. Historia: Wes Anderson, Roman Coppola
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Bruno Delbonnel
Reparto: Benicio del Toro, Mia Threapleton, Michael Cera, Riz Ahmed, Tom Hanks, Bryan Cranston, Mathieu Amalric, Richard Ayoade, Jeffrey Wright, Scarlett Johansson, Benedict Cumberbatch, Rupert Friend, Esperanza Davis
Dirección: Wes Anderson

Una Luz Negra - Por Carlos Correa Acuña

Un largo plano de entrada. Silencio. Josefina -Patricia Rivadeneira-, ingresa a la casa. Sonido. Sugiere algo: una pista, una intención, un anuncio.

Jorge -Francisco Pérez-Bannen-, aguarda en el salón. Algo casual, una coincidencia, una búsqueda en internet. Su nombre coincide exactamente con el del hijo de Josefina. Ella lo confirma. Habría tenido 24 años; murió hace cuatro. ¡Hasta se parecen físicamente al revisar las fotos! ¿Habrá un hilo común? ¿Serán historias entrelazadas? Todo es misterioso.

Esta ópera prima de Alberto Hayden comienza con dos puntos altos: una clara intención de enfoques y una iluminación tenue y delicada. Las imágenes van progresando con el correr de los minutos y se intercalan con videos tomados desde un celular en movimiento. Se combinan y alternan de forma fluida; no sabemos su procedencia pero la imaginamos. El resto es cotidiano, muy cotidiano: un carrete de Jorge y su señora con una pareja de amigos; la casa vacía de Josefina; la oficina de Jorge; el deambular de Josefina.

¿Dónde va “Una Luz Negra”? O mejor dicho, ¿dónde quiere ir, qué busca, qué comunica? Las secuencias parecen inconclusas, solo breves pinceladas; nada se concreta, privilegia la introspección.

Un ejemplo. La secuencia central de la película, pasados sus treinta minutos, es extensa y silenciosa. Solo están los dos protagonistas. ¿Qué es lo que sucede allí? Es un encuentro, pero con cuadros largos y tomas estáticas. ¿Cuál es el sentido? Es muy difícil seguir una historia con tantos minutos sin diálogos, música o sonido.

El cineasta debutante y su equipo apelan constantemente a la capacidad interpretativa del espectador. Bajo mi perspectiva, presenciamos diferentes formas de representar la pérdida, de llevar el duelo. Josefina por su hijo; Jorge por su vida. Y es aquí donde surge una confusión. ¿Cuál es la historia? ¿La de ella o la de él? ¿La de ambos, o la del hijo que ya no está?

La película se divide. Primera parte, Jorge; segunda parte, Josefina. Y en el último tercio aparece la hija mayor, que ya no vive con ella, pero que la acompaña de vez en cuando. El incidente con los arrendatarios de su madre es solo anecdótico. ¿Aporta a la historia, o es más bien un cable a tierra de los problemas mundanos que tenemos que asumir tras una irreparable ausencia?

Quisiera insistir en la manera con que Alberto Hayden y Matias Baeza manejan su material. Eligen bien los planos, encuadran correctamente, intencionan las miradas y generan ambientes con iluminación detallista y cuidada. Pero, ¿qué quieren decir, qué quieren transmitir? Las metáforas no son sencillas y las imágenes propuestas resultan aún más difusas. En ese trayecto, la película pierde fuerza, se estira, promete, pero no llega a un puerto. Se basa en espacios y movimientos rodeados de silencio: recuerdo, ensoñación, presencia, espíritu.

Patricia Rivadeneira y Francisco Pérez-Bannen representan correctamente lo enigmático de sus personajes. Se expresan en la intimidad como entes diferentes y complementarios, pero chocan con un guion que funciona como una camisa de fuerza. Pasada la hora de metraje parece acercarse el final, sin embargo tal vez la cinta no está preparada para concluir. La melancolía se apodera de la pantalla. Incluso es posible observar al menos cuatro finales. ¿Será este? No. ¿Es este otro? Tampoco. Está bien, todo es interpretable y creo que los realizadores desean que la cinta continúe desarrollándose en nosotros. Cuidado con eso. Es posible, por cierto, pero podría convertirse en otra película, completamente distinta y, quizá, aún más difícil de interpretar.

Ficha técnica

Título original: Una luz negra
Año: 2024
Duración: 77 minutos
País: Chile
Compañías: Brisa Films S.A
Género: Drama
Guion: Alberto Hayden
Música: Iván Wyszogrod
Fotografía: Matias Baeza
Reparto: Patricia Rivadeneira, Francisco Pérez-Bannen, Vicente Pérez, Antonia Bannen, Manuela Oyarzún
Dirección: Alberto Hayden

Bailarina - Por Jackie O.

“Destreza, acción y poder”

La saga John Wick no para, y seguirá deslumbrándonos por muchos años más.

Recuerdo haberlo mencionado en un video que realicé en su momento sobre John Wick, donde dije que puede darnos mucho más, incluidos spin off (historias de personajes que van apareciendo, o que se pueden ir inventando)

En este caso, estamos ante la historia de Eve Macarro, quien no aparece en ninguna saga, pero sí se menciona su lugar de origen, la Ruska Roma, por lo que fue muy bien incorporada su historia, y nada forzada.

Cuando hablamos de sagas, es porque hay que ver todo lo que incluya la historia acá: cuatro películas de JW y una miniserie “The Continetal”, para ir entendiendo quién, cómo y cuándo. Porque cada vez que aparece una cinta, se menciona algo del pasado. Pero en este caso, si no quieres ver todo de la saga, con que veas la película 3 de John Wick está bien para comenzar, porque Bailarina ocurre entre la película 3 y 4. Pero si no vez ni siquiera esa película, tampoco te perderás en la historia de Eve, propiamente tal.

Eve es una pequeña que vivía con su padre, quien pertenecía a una “banda” o “secta” de matones, quienes tenían como misión eliminar a quién deserta y llevarse a sus hijos pequeños, de tenerlos, para entrenarlos como asesinos seriales. Pero Eve logra escapar de esta secta, pero no de algo similar que le esperaba en la banda de los Ruska Roma, quienes tienen de fachada un teatro de ballet. (De ahí nacen sus Bailarinas, y jóvenes temerarios)

Eve crece como bailarina, como asesina y escuchando las historias del Baba Yaga. Ya mayor de edad, y en una de sus misiones, Eve descubre algo, algo que nunca olvidó, una marca de los asesinos de su padre y hará de todo para llegar a su cabecilla. Pero es advertida por su directora de no desatar una guerra de bandas. Pero Eve guarda una sed de venganza y no parará. Pero, ¿alguien logrará detenerla?

Estamos ante una cinta que no para en la acción, peleas cuerpo a cuerpo, con diversas armas letales y las mejores coreografías, vamos deleitándonos con una historia de venganza y muertes al por mayor.

El guion es bueno, nos sumerge en la historia de una niña huérfana que crece sin amor y con odio en su ser, pero mantiene una cierta base de cordura que es una pelea interna del día a día, donde esa cordura y poder sanar heridas de rabia no la dejan en paz; veremos acá si sabe usar esa sensatez o su rabia le costará la vida, ya que su cabeza tiene precio, por lo que tenemos a una nueva heroína o alguien que desaparecerá y fue un gusto conocerla.

El montaje estuvo bueno, así como la banda sonora, vestuario y maquillaje.

Las coreografías muy bien efectuadas, en su mayoría, ya que en algún momento se notaban algo mecanizadas.

Genial el elenco, aunque Norman Reedus tiene un rol muy mínimo que encontré no se le sacó el partido adecuado. Maravillosa la intervención de Lance Reddick, la que fue la última de su carrera.

El antagonista, gran actor Gabriel Byrne, faltó demostrar más maldad o respeto, algo que en pocos encuadres sí lo realizó Angelica Houston.

Ana de Armas la hemos visto realizar diversos roles y acá demuestra una gran destreza, siendo una actriz a la cual deben seguir usando en papeles de acción (una especie de nueva Mila Jovovich, Charlize Theron, Michelle Rodriguez, Kate Beckinsale, etc.)

Esta es una cinta de acción y violencia que no te deja pestañear. Y debido a eso, es que no la recomendaría a menores de 15 años.

Por más Keanu Reeves en el futuro, o alguna otra buena trama de su franquicia.

Ficha técnica

Dirección: Len Wiseman
Guion: Shay Hatten y Emerald Fennell
Música: Tyler Bates y Joel J. Richard
Fotografía: Romain Lacourbas
Montaje: Jason Ballantine
2025. EEUU

Bailarina - Por Carlos Correa Acuña

Vibrante, sin un segundo de pausa. Así es “Bailarina”, la nueva película del universo de John Wick. Formalmente un “Spin-off” (derivado), esta cinta se inserta entre el capítulo tres y cuatro de la exitosa saga liderada por Keanu Reeves. La acción es trepidante y todas las coreografías resultan sorprendentes. Incluso, aquello inverosímil cobra sentido y se disfruta como tal, sin buscarle más explicaciones porque no las necesita. Veamos la trama.

Eve Macarro -convincente Ana de Armas en su rol-, se ha convertido en una asesina como resultado de un riguroso entrenamiento entregado por la Ruska Roma desde sus primeros años de vida. Y acá hay historia, porque lamentablemente ella presenció el asesinato de su padre, y desde ese momento lo ha intentado todo para conocer quién es el culpable del brutal crimen. Acogida por la misma organización adiestradora de John Wick, Eve ha debido recorrer un exigente proceso para estar preparada y enfrentar un mundo violento que no da tregua. Su venganza requiere fuego lento, y eso es precisamente lo que Eve se ha propuesto hacer, sin prisa pero sin pausa.

Un pacto por omisión entre la directora de la Ruska Roma -Anjelica Huston-, y el canciller -Gabriel Byrne-, quien lidera otra organización dedicada al crimen, hace que no se metan los unos con los otros pues, en caso contrario, las consecuencias serían devastadoras. Literalmente, sería una batalla campal y una guerra de proporciones inimaginables, en la que la única salida sería la aniquilación total de una organización a manos de la otra. Eve, consciente de aquello, no está dispuesta a pactar pues todas las pistas la llevan hacia la cúpula rival. ¿Podrá conseguir acceder a ella? ¿Cuántas barreras deberá traspasar para cobrar venganza?

Entretenida y vertiginosa, las dos horas de duración pasan en un suspiro, y es que el carisma de Ana de Armas resalta de sobremanera. Con una capacidad de representar diferentes edades y también disímiles estados de ánimo, no vamos a descubrir ahora el talento de esta actriz cubana-española. Un breve paso por una de las películas de James Bond, adelantó, de alguna manera, este rol principal que encara con una energía y vitalidad desbordante. Ella “es” la película, sin embargo, el elenco que la acompaña también es sólido, incluidas las escenas en las que Keanu Reeves se deja ver y nos deja claro que este universo se trata de “él” y luego “los demás”.

El director Len Wiseman conduce la historia con pulso temerario. No sé si hay más muertos por minuto o más peleas por segundo. Sería todo un desafío hacer una estadística, porque las matanzas abundan por doquier y los combates son casi un ballet incidental, con música, vestimenta y ornamentación especial. Todo brilla, porque las secuencias resultan bastante reales y tal vez lo único que nos dice que esto es un montaje radica en la gran cantidad de violencia explícita que no decae en ningún tramo de la película.

“From the World of John Wick: Ballerina” es todo lo que uno espera de una cinta de este tipo: efectos especiales alucinantes, peleas épicas y castigos progresivos que alcanzan el clímax en su momento oportuno. A veces es como estar dentro de un videojuego, donde tenemos que preocuparnos de cuidar cada costado y no desconcentrarnos en ningún momento. Tal vez esa es la clave para soportar algo que de otra manera lo rechazaríamos de buenas a primeras: sabemos que todo es mentira, e incluso algunas situaciones nos provocan más risas que sorpresas.

“Bailarina” también es estupenda desde la producción y desde el concepto cinematográfico al que se adscribe. Todo funciona como reloj. La edición es pulida y hasta la música, un aspecto no demasiado presente o destacado, aporta lo suyo para conseguir el objetivo final. Es cierto, salimos alterados del cine pero con la conciencia de haber presenciado una película que cumple con lo que promete, y me atrevo a decir, incluso más de lo esperado. No por nada, ya se escuchan rumores de una segunda parte, por supuesto con Ana de Armas encabezando el elenco. ¿Y si en una de esas se produce un enlace con Ethan Hawke? Tal vez es puro chisme y prensa rosa, pero ¿quién no dice que es algo que podría suceder?

Si le gustan estas películas y no es de piel sensible, vaya a verla al cine. No se arrepentirá, porque, de verdad, esta nueva entrega del mundo de John Wick viene muy buena.

Ficha técnica

Título original: From the World of John Wick: Ballerina
Año: 2025
Duración: 125 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Thunder Road Pictures, Lionsgate, 87Eleven Entertainment, Summit Entertainment. Distribuidora: Lionsgate
Género: Acción. Thriller | Venganza. Spin-off
Guion: Shay Hatten. Personajes: Derek Kolstad
Música: Tyler Bates, Joel J. Richard
Fotografía: Romain Lacourbas
Reparto: Ana de Armas, Anjelica Huston, Gabriel Byrne, Lanza Reddick, Norman Reedus, Ian McShane, Keanu Reeves
Dirección: Len Wiseman

M3GAN - Por Ana Josefa Silva

En @netflixlat

(Ojo: M3GAN 2.0 se estrena el 26 de junio)

Muy buena mezcla de thriller de suspenso, terror y humor.

Y sí, se han hecho montón de películas de muñecas poseídas por espíritus malignos.

Pero precisamente lo que tiene M3GAN es que no recurre al innombrable para poner al centro un juguete que termina siendo escalofriante: ¡para eso tenemos suficiente tecnología!

Gemma (Allison Williams, Get Out), una brillante ingeniera de robótica, diseñadora tech, está concentrada junto a sus colegas en la súper empresa de juguetes electrónicos para la que trabaja, pensando en un invento que los haga remontar frente a la competencia.

Una llamada urgente la hace volar a Ontario: su hermana junto a su marido han muerto en un accidente de auto y debe hacerse cargo de su pequeña sobrina, Cady, de 8 años.

Una vez en casa, un lugar donde todo es manejado por I.A., no sabe cómo compatibilizar su repentino rol de madre con las exigencias de su empresa. Pero justo gracias a un comentario dicho al pasar por su compungida sobrina redescubre el proyecto con que se graduó: un robot que tiene en casa cubierto y medio abandonado.

Con esa idea de base, ella y sus colegas crean a M3GAN, una muñeca programada con elaborados y cuidadosos sistemas que incluyen percepción de emociones y capacidad de evolución.

Está diseñada para proteger a su dueña. Así, mientras terminan con su período beta (de prueba) M3GAN se convierte en la amiga, niñera y acompañante de Cady.

El director maneja con tal destreza el suspenso que la intensidad creciente pasa inadvertida. Y no abandona el humor hasta que el asunto se pone castaño oscuro. Antes de la hora, uno ya ha pegado su primer salto en el asiento.

Este Frankenstein bello, de larga melena rubia y de aspecto infantil es siglo XXI: fíjese no más hasta qué punto nuestros inventos (ahora y siempre) se nos escapan de control, aún si se trata de un avezado grupo de ingenieros de robótica.

Ese último primer plano de la escena final, perfecto.

Ficha técnica

M3GAN Dirección: Gerard Johnstone
Guion: Akela Cooper. Historia: Akela Cooper, James Wan
Música: Anthony Willis
Fotografía: Peter McCaffrey, Simon Raby
Reparto: Allison Williams, Violet McGraw, Ronny Chieng, Brian Jordan
Alvarez, Jen Van Epps, Arlo Green, Michael Saccente, Amie Donald
EE.UU., 2022
Duración: 102 min.

Una Luz Negra - Por Jackie O.

“Vacío”

Sinopsis: Jorge se obsesiona al descubrir que tiene el mismo nombre que un joven que murió. Indagando, descubre que también comparten una evidente semejanza física. A Josefina, la madre del joven, el encuentro con este hombre le despierta un fantasma que creía dormido.

Cinta sobre las extrañas coincidencias, la muerte, el duelo y la soledad.

Nos encontramos ante una película muy experimental, con un ritmo lento, encuadres fuera de foco y poco diálogo, lo cual no es malo si se sabe manejar bien, ya que cintas así hemos visto muchas y son maravillosas varias de ellas. Pero acá, hace que el espectador busque desesperadamente dónde va este relato, ya que nunca arranca del todo. Su ejecución, lamentablemente, no supo del todo abordar el tema que nos plantea en su muy interesante premisa - una mujer que hace cuatro años perdió a su hijo al cual no olvida, y encuentra a un sujeto que se parece a él, y éste se obsesiona con el tema comenzando a indagar -. Y no hablo de la obviedad, pues muchas cintas nos han deslumbrado con solo detalles.

Acá, los silencios de los partícipes no ayudan, la música está fuera de lugar, hay diálogos que no aportan en nada y secundarios que no contribuyen al relato.

Una película que pudo haber sido un gran drama o una buena cinta de suspenso, pero creo que se perdió. Porque la idea de la pérdida, del duelo, de esas extrañas coincidencias de la vida al encontrar a alguien parecido al difundo, es para haberle sacado “punta” al relato.

Pero no todo está perdido. Sus dos protagonistas, que son espectaculares, lo dan todo, en especial con sus gestos. Muy bueno que el mismo hijo del actor, en la realidad, sea ese doble, porque el parecido es bastante. Asimismo, los efectos de sonido que aportan en ciertos momentos, hacen que la casa sea el tercer protagonista con ese vacío de la soledad.

La idea está, solo falta concentrarse en abordarla bien y que no sea un vacío para el espectador.

Ficha técnica

Dirigida y guion: Alberto Hayden
Elenco: Patricia Rivadeneira, Francisco Pérez-Bannen.
Dirección de fotografía: Matías Baeza
Montaje: Alberto Hayden y José Luis Torres Leiva
77 minutos 

Chile. 2024

Una Luz Negra - Por Juan Pablo Donoso

De lo poco que se comprende, trataremos de escudriñar este experimento audiovisual.

Suponemos que el título alude al recurso lumínico del famoso Teatro Negro de Praga. Es un espectáculo donde, gracias a la “luz negra” los manipulantes, vestidos de negro, son invisibles permitiendo que solo veamos a los objetos de color como flotando mágicamente en el aire.

Aquí, los supuestos estímulos dramáticos están a los lados, fuera de la pantalla. Para entender lo que - tal vez - está sucediendo debemos descifrar las reacciones faciales de los personajes principales. Incluso en momentos se recurre a la imagen alargada (tercio central de la pantalla completa) como la capta un celular - y, con mayor razón, lo importante queda fuera de nuestra vista.

Nunca sabemos cuál es el verdadero drama de la solitaria viuda mayor (Patricia Rivadeneira), salvo que perdió a un hijo y que los arrendatarios le deben mucha plata por su departamento.

Los principales parecen sufrir mucho por algo que ignoramos - que también pareciera estar fuera de las claves argumentales. Solo sabemos que a Pérez-Bannen le duele mucho la mano derecha, sin que ello incida mayormente en el oscuro relato. Y si su nombre y aspecto físico es muy parecido al difunto hijo de la viuda, poco nos aporta, con excepción de que en un momento se siente atraído sexualmente hacia ella, pero la fidelidad a su esposa (Manuela Oyarzún) es prioritaria. Más, este personaje masculino tan atormentado también desaparece por completo en el último tercio del filme sin que sepamos la causa.

Los secundarios en nada contribuyen, sobran y confunden.

Lo más admirable es el trabajo de la Directora de Arte (Camila Zurita), ya que mientras fuera de pantalla suponemos que está ocurriendo algo trascendental, nos deleita con la desolación de largos pasillos, puertas cerradas, vidrios que permiten ver el exterior y que se mojan con regadores, además de parabrisas que también se mojan y lavan.

¿Será el tortuoso intento de demostrar la sutil Presencia de una Ausencia total? ¡Tal vez!

Lamentamos el sonido retumbante en la sala de exhibición impidiendo entender varios parlamentos dichos por los actores.

En síntesis, rescatamos la prolija parafernalia técnica de fotografía, iluminación, decorados, y detalles de utilería.

 
ESPERAMOS SINCERAMENTE QUE OTROS ESPECTADORES ENTIENDAN, Y SE EMOCIONEN, CON ESTE NUEVO EXPERIMENTO CINEMATOGRÁFICO NACIONAL.

Ficha técnica   

2024 Drama, misterio Chile - 1,17 hrs. 

Fotografía: Matías Baeza Dominguez 

Edición: Alberto Hayden, José Luis Torres Leiva 

Música: Pablo Fontecilla 

Dirección de Arte: Camila Zurita 

Actores: Patricia Rivadeneira, Francisco Pérez-Bannen, Manuela Oyarzún 

Guionista y Director: Alberto Hayden

Monsieur Ibrahim y las flores del Corán - Por Juan Pablo Donoso

Una sencilla historia de sabiduría y amistad, que nos revela cómo todas las grandes religiones solo llevan al Amor y la Compasión.

En París, el dueño musulmán de una tienda se hace amigo de Moisés, un chico judío en plena adolescencia. Viven en la Rue Blue, un barrio muy pobre plagado de prostitutas callejeras de día y noche.

Cuando el padre del niño, abandonado por su esposa y agobiado por la cesantía comete suicidio, Ibrahím (Omar Sharif), viudo ya maduro, devotamente islámico, adopta a Moisés (Pierre Boulanger) y lo hace heredero de su antigua almacén.

Es la tierna historia de un niño solo y desorientado, que necesita hallarle sentido a la vida. Su relación con el anciano Ibrahim será el origen de una rara pero indisoluble tutela de luz y amistad.

Le adivina los pensamientos y lo insta a sonreír.

Con sabios refranes le transmitirá conocimientos de la existencia. “Puedes cambiar de zapatos pero nunca de pies” (Metáfora de las religiones).

Ante la decepción amorosa le dirá: “Más que ser amado, lo que importa es TU amor, solo eso te pertenece verdaderamente”.

Cuando viajan a Turquía y visitan templos, los diversos olores litúrgicos de cada culto solo son vehículos hacia un mismo Dios. “Todos los ríos desembocan en el mismo mar”.

Al contemplar los giros en trance de los sufís explicará que: “Cuando bailas tu corazón sube al cielo, y se libera de su jaula”.

Nos dice que si sabemos leer el Corán, más que ser el críptico libro sagrado del Islam, es el tesoro de la sabiduría escondida para lograr la verdadera paz y armonía.

El único camino hacia Dios es el de la RELIGIÓN INTERIOR.

Poco a poco el muchacho irá absorbiendo estas verdades y hallando el consuelo y la madurez que tanto le faltaba.

“No todo se comprende con la cabeza”.

Cuando se acerca el momento de la inevitable separación, el consejo de despedida será: “Cuando estés solo y triste conversa con tu propia sonrisa”.

Al crecer Moisés, ahora Momo (por Muhamed), siendo de origen judío vivirá también como musulmán, gracias a la apertura espiritual que aprendió de las flores de sabiduría del Corán.

Una obra de edición íntima, fluida y armónica. Relato que oscila triunfante entre la comedia y el drama.

Para el veterano actor Omar Sharif fue imposible rechazar un guion como este. Sería otra joya en su brillante filmografía (Lawrence de Arabia, Dr. Zhivago, etc.).

Visible en YouTube.

SABIA, ECUMÉNICA Y SENSIBLE. ESPLÉNDIDA. MUY RECOMENDABLE.

Ficha técnica        

Título Original: Monsieur Ibrahim et les fleurs du Coran

2003 Tragicomedia, amistad Francia - 1,34 hrs. 

Fotografía: Remy Chevrin 

Edición: Dominique Faysse 

Música: Valerie Lindon 

Diseño Prod.: Katia Wyszkop 

Guion: Eric-Emmanuel Schmitt, Francois Dupeyron 

Actores: Omar Sharif, Pierre Boulanger, Anne Suarez 

Director: François Dupeyron

Los People in the Dragon - Por Carlos Correa Acuña

“Faltan comedias en el cine, falta que nos riamos con chilenos, especialmente de nosotros mismos, porque si hay algo que hacemos y somos buenos los chilenos, es reírnos de nosotros mismos, especialmente de nuestras desgracias.” Palabras de Pablo Greene sobre la génesis de esta película, en su debut como director luego de ser productor y coguionista de las películas “Mala Junta” y “Mis hermanos sueñan despiertos”, junto a Claudia Huaiquimilla.

“Los People in the Dragon”, nombre desde ya curioso, aborda la historia de una banda musical aclamada como la gran promesa del rock chileno hasta que les sucede una tragedia de proporciones. Faltando pocas horas para debutar en el Festival de Viña del Mar, su voz principal, Álvaro -José Antonio Raffo-, muere repentinamente. Pasan 10 años y su exmánager Maca -Catalina Saavedra-, se propone revivir la banda para hacer un tributo al vocalista e interpretar la última canción que escribió para, así, tratar de lograr una meta ansiada: vivir de la música.

Esta cinta tiene méritos innegables. Primero, la música compuesta especialmente por Abel Zicavo y Camilo Zicavo, los dos hermanos que son el puntal de la banda. Segundo, asume directamente la dificultad económica que significa ganarse la vida desarrollando un proyecto artístico, en este caso musical. Y tercero, a mi gusto el más importante, nos hace dudar de si lo que vemos en pantalla es realidad o fantasía, es decir, si lo que se cuenta respecto a este grupo y su famoso hit, “Queso y Jamonada”, es verdad o mentira.

Jugando, entonces, como falso documental, porque la presencia de Catalina Saavedra como la exmánager de inmediato nos lo deja claro, la composición gráfica de este trabajo también combina otros estilos y modos de filmar. Esa cercanía de algunos planos descuidados junto a otros bien delimitados, aporta frescura al relato. Aunque la naturalidad de los actores no es lo que más destaca, existe la sensación de que hay bastantes momentos de improvisación calculada que no dejan cabos sueltos. Como contrapunto, y en otras secciones, ciertos diálogos o situaciones se sienten forzadas, algo incómodas, como si no hubiesen tenido la suficiente libertad de acción para moverse a sus anchas al interrumpir escenas que podrían haberse resuelto mejor.

Puntos más, puntos menos, esta nueva comedia del cine chileno apunta a sorprender. Lúdica y con gran desparpajo, nos invita a recorrer sus 15 temas que ya están disponibles en Spotify; música que podría tomar vuelo propio, y por qué no, alentar a un grupo verdadero de fans. ¿Y si la historia se trasladara a la vida real? Sería más curioso aún, pero no es descabellado pensar que el trabajo musical desarrollado por los hermanos Zicavo quede solo como la música incidental de una película. Tal vez está destinado a tomar otros rumbos. El tiempo lo dirá.

Ficha técnica

Título original: Los People in the Dragon
Año: 2024
Duración: 95 minutos
País: Chile
Compañías: Lanza Verde
Género: Comedia | Música
Guion: Pablo Greene, Claudia Huaiquimilla
Música: Abel Vivo, Camilo Calvo
Fotografía: Guillermo Ribbeck
Reparto: Catalina Saavedra, José Antonio Raffo, Abel Zicavo, Mario Ocampo, Camilo Zicavo, Ana Reeves, Juan Anania, Jose Nast,, Francisco Pérez-Bannen, Felipe Rojas
Dirección: Pablo Greene

El Contador 2 - Por Ana Josefa Silva

Con Ben Affleck.

En @PrimeVideoLat desde el jueves 5 de Junio.
@AccountantMovie
#TheAccountant2

Tiene exactamente lo que uno espera de una película de acción.

(Y también humor!).

Toda la película es un verdadero ballet de personajes de la más diversa índole y calaña, que dan curso a situaciones, actos y consecuencias que no tienen desperdicio.

El Contador 2 se inicia con una secuencia intensa y potente, con una cámara que va de interiores a exteriores, planos generales y primeros planos, con variados personajes y extras, algunos que circulan por las calles, otros juegan una lotería en un local y unos por ahí que esperan agazapados dentro de algún auto estacionado en la oscuridad. Todo ello tan bien montado, a ese ritmo urgente que exige una película de este género (pero nunca tanto como para que el espectador se pierda).

Los giros más sorprendentes se van sucediendo uno tras otro, así como cierta información que nos proporcionan algunos raccontos y flashbacks y que cobran todo su sentido hacia el final.

Todo ello en un entramado donde el humor incluso llega a la carcajada, para luego enmudecernos un buen rato y de allí nuevamente dejar caer situaciones que mueven a risa.

El guion es una genialidad de principio a fin: no solo no le sobra nada sino que va hilando escenas más o menos “cotidianas”, que no parecen tener mayor misterio… hasta que la cámara se abre y en un travelling nos revela qué es aquello que tiene temblando a uno de los personajes secundarios.

No solo es que nada sobre, es que cada secuencia está tan bien orquestada (planos, iluminación, escenografías, montaje) que cada una de ellas podría ser un cortometraje… Solo que luego ya queremos saber ¡qué va a ocurrir!

DE QUÉ VA:

Christian Wolff (Ben Affleck), el contador, es autista (TEA), un genio de las matemáticas y en su rutina diaria él se entiende con una I.A. para tomar decisiones domésticas. Wolff ha sabido moverse debajo del radar: trabaja con clientes “poco convencionales”, vive en una motorhome (muy bien acondicionada) y maneja muchos dólares pero de una forma no detectable por Tesorería.

Sus destrezas incluyen “defensa” personal y armamentos: él y su hermano Brax (Jon Bernthal) crecieron bajo las rudas enseñanzas de un padre militar.

Cuando en aquella “movida” primera secuencia muere un importante personaje, la policía da con un mensaje que dice: “encuentra al contador”.

Las mafias y grupos violentos que surgen en las investigaciones incluye ¡la Brigada Lautaro!

Marybeth Medina es una sagaz investigadora del Control de Delitos Financieros del Departamento del Tesoro que, a pesar de estar en lados opuestos, seguirá las pistas ayudada por Wolff. Marybeth es una agradecida discípula de quien fuera su jefe, Raymond King (J.K. Simmons).

Aquel Centro Neurológico que bien conocen los hermanos y la tecnología de punta que manejan allí niños y niñas son clave en la historia.

De Los Angeles a Idaho, de Texas a Berlín, Praga, Costa Rica, hasta Ciudad Juárez donde parecen estar las respuestas y la esencia dramática y trágica tras esta historia.

Aunque cada escena está muy lograda y tiene su propia carga dramática, hay algunas ¡inolvidables!

El último tramo es pura acción (y sí, violencia), pero contiene una carga profundamente humanitaria y muy contingente.

Si quieren asomarse a la primera parte, El Contador (2016), también está en PrimeVideo. Y aunque allí conocemos a los personajes centrales, no es en absoluto necesario para ver esta secuela, que tiene vuelo propio.

Extraordinaria banda sonora.

Muy entretenida.

Trailer oficial

Ficha técnica

The Accountant 2
Dirección: Gavin O'Connor
Guion: Bill Dubuque.
EE.UU. 2025
Duración: 124 minutos

Dexter - Por Jackie O.

“Doctor Jekyll y el señor Hyde”

Dexter es un forense especializado en análisis de salpicaduras de sangre en el Departamento de Policía de Miami. Lo que nadie sabe es que es un psicópata que, al terminar su turno en la comisaría, busca a criminales que escaparon de la justicia para asesinarlos.

En octubre de 2006 se lanzó el primer episodio de esta singular serie que tuvo buena audiencia. Una premisa que nos dice todo: nuestro héroe también es un villano. ¿Cómo se resolverá eso?

En este comentario solo me referiré a sus primeras cuatro primeras temporadas, de ocho, las cuales, debo decir, disfruté bastante por esta premisa tan particular, donde quieres que el protagonista viva y sea feliz, pero también que pare con los crímenes que comete. Una dualidad compleja, ya que a medida que avanza la serie, vas extrañamente queriendo a este psicópata, donde él está consciente de que está mal lo que hace pero no lo puede evitar.

Lleva dos vidas las cuales trabaja muy bien: en público es el mejor en su área, todos lo quieren y respetan, inteligente, tranquilo, un buen hermano, un excelente padrastro, y el mejor novio que una mujer quiere tener. Pero, por otro lado, está ese oscuro secreto que solo conocía una persona y que le ayudó de alguna forma a manejarlo. Es tanta su locura que aun “habla” con él. Y como Dexter tiene acceso a los archivos de la policía para buscar a criminales que por algún tecnicismo escaparon de la ley, él se encarga de hacerlos desaparecer de una forma muy cruel, no dejando evidencias.

En la primera temporada conocemos a todos los personajes que en cada temporada aparecen, o desaparecen, involucrándonos en sus conflictos y en cómo Dexter hace sus peripecias para no ser atrapado. Nos encariñamos con Dexter. Es un hombre frío y calculador, sus relaciones y conflictos internos lo convierten, además, en un ser profundamente humano. Ver sus luchas internas, sus dilemas morales y su interacción con otros personajes, como su hermana, novia, compañeros de trabajo, con diálogos muy interesantes, nos hacen inmiscuirnos más en la trama. La complejidad de sus decisiones y su lucha por hacer o tratar de hacer lo correcto, mientras lucha contra su propia naturaleza, es lo que hace a esta serie catapultarla dentro de las buenas en su estilo criminal.

Cada temporada hay un personaje que sería contra quién lucha Dexter. Conocemos y sabemos quién es el antagonista y queremos ver cómo se resuelve su desenlace, en especial cómo Dexter muchas veces está a punto de ser descubierto, y ese personaje es un actor o actriz muy bueno en su rol (Jaime Murray, Julia Stiles, Edward James Olmos, John Lithgow, y otros que no señalaré, para no quitar la sorpresa con sus giros argumentales)

Esta es una serie para adultos por su violencia, pero que no solo se trata de asesinos, sino de emociones, relaciones y dilemas personales que son muy universales y humanos, donde a veces es imposible no sentirse identificado. Cada parte en la serie se presta para estudio y aunque se muestra la respuesta, no la dan directamente, sino que genera un análisis que pocas series logran. Hay momentos, en especial la temporada cuarta en su parte final, que te puede mantener al borde del asiento, manejando la tensión y edición muy bien.

Mantiene una introducción tan buena, donde muestra cómo asuntos tan cotidianos te revelan la dualidad criminal del protagonista.

Como señalé, es una serie que te hace reflexionar sobre la vida, la moralidad, la venganza y el destino.

Dato: Existen ocho libros escritos por Jeff Lindsay. La serie de televisión se basó en el primero de ellos y luego siguió su propio hilo argumental.

Se realizaron posteriormente unos Spin-offs: Dexter: New Blood, Dexter: Original Sin y Dexter: Resurrection.

Disponible en Netflix y Claro.

Ficha técnica

Género Drama criminal, Thriller psicológico, Humor negro, Misterio
Creado por James Manos Jr.
Protagonistas Michael C. Hall, Julie Benz, Jennifer Carpenter, Erik King, C. S. Lee, David Zayas, Lauren Vélez, James Remar
2006 a 2013

Corazón Delator - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Netflix.

¿Qué harías si te enamoraras de la persona que más sufrió por quien te salvó la vida? Esta pregunta es central en esta historia que sigue a Juan Manuel -Benjamín Vicuña-, exitoso empresario del rubro inmobiliario que acaba de recibir un trasplante de corazón. ¿El donante? Pedro -Facundo Espinoza-, un humilde y cariñoso padre de familia quien sufre un accidente de tránsito que lo deja con muerte cerebral.

Ambos hombres llevan vidas muy distintas; en las antípodas, se podría decir. Por una parte, Juan Manuel, rodeado de lujos, con una vida cómoda, sin sobresaltos ni grandes cuestionamientos. Entre la espaciosa casa donde reside en solitario y su oficina en un alto edificio de Buenos Aires, su principal actividad recreativa es el tenis mientras mantiene una superficial relación con su novia. Pedro, por su lado, forma parte del grupo de vecinos de una villa a quienes se les ha comunicado que deben desalojarla porque una empresa construirá un gran complejo en la zona. Dos mundos totalmente opuestos, unidos solo por una fugaz coincidencia y un destino inesperado.

Esta película, escrita y dirigida por Marcos Carnevale, resulta tan evidente como ingenua. Innegable es su cinematografía, pero no es suficiente para ocultar algunos baches narrativos que hacen que la historia pierda naturalidad. Etiquetada como drama, el humor no deja de estar presente, ya sea a cargo de un carismático personaje del barrio, o por parte del mejor amigo de Juan Manuel, -Peto Menahem-, su asistente personal y su brazo derecho empresarial. Pero tampoco eso termina por convencer, porque, en esencia, no es una comedia, sino un drama

La trama principal se refiere a la historia de amor que surge cuando Juan Manuel conoce a Valeria -Julieta Díaz-, la viuda de Pedro, mientras busca saber quién ha salvado su vida. Y eso no es todo, porque el guion pone varios de sus puntos en una problemática social, en el conflicto antagónico entre los poderosos y los sacrificados residentes de un barrio que parece destinado a desaparecer en nombre del progreso. Al momento de producirse los cruces, es decir, cuando Juan se ve impulsado a hacer algo por los vecinos, las diferencias sociales se acrecientan. Una serie de cuadros representan fielmente aquello, como eso de ir en un Audi a la villa o viajar en el transporte público, algo que para el protagonista es absolutamente desconocido.

Punto a destacar en este metraje es el proceso de transformación que sufre Juan Manuel. Aunque absolutamente predecible, Benjamín Vicuña encuentra el tono para mostrar la sensibilidad que emerge al despertar a una nueva vida. Ese golpe de realidad no pasa inadvertido, exige un cambio notable, y atribuible, o no, al nuevo corazón, es un cambio radical al fin y al cabo. Es sabido que luego de eventos trascendentes los seres humanos cambiamos, y este es el pilar fundamental de un relato que, desde ese punto de vista, se blinda con coraje y realidad.

La premisa de “Corazón Delator” la hemos visto varias veces antes pero no deja de llamar la atención, básicamente porque nos preguntamos si habrá alguna sorpresa o cambiará la forma de resolver los diferentes nudos de un tema que puede tener más o menos desarrollo. En este caso, la falta de conflictos explícitos y la previsibilidad general hacen que la historia pierda fuerza ya que todos los hechos siguen un curso obvio y sabemos perfectamente qué va a suceder en cada momento. Ante este escenario, cabe preguntarse: ¿qué diferencia a esta producción de otras? ¿Dónde se encuentra el valor agregado, o la razón de presentar una nueva historia de trasplante de corazón y transformación?

Pero no todo es menor en esta nueva apuesta de Netflix. Benjamín Vicuña aporta oficio, Julieta Díaz naturalidad, y el elenco de secundarios ofrece esa frescura y carisma argentino que hace que los 89 minutos de duración casi no se sientan, y dejen, al final, una sensación bastante agradable.

Ficha técnica

Título original: Corazón delator
Año: 2025
Duración: 89 minutos
País: Argentina
Compañías: Sony Pictures, Leyenda Films, Kuarzo Entertainment Argentina. Distribuidora: Netflix
Género: Drama
Guion: Marcos Carnevale
Música: Gerardo Gardelín
Fotografía: Horacio Maira
Reparto: Benjamín Vicuña, Julieta Díaz, Peto Menahem, Gloria Carrá, Julia Calvo, Yayo Guridi, Bicho Gómez
Dirección: Marcos Carnevale

Tragedia en el Set. Rust y la historia de Halyna - Por Jackie O.

"Cuando la realidad supera la ficción"

En el año 2021, la pistola de utilería que utilizaría Alec Baldwin, disparó una bala real en el set de la película "Rust" y mató a su cinematógrafa, Halyna Hutchins. Las personas que presenciaron todo, cuentan cómo fue ese día y sus consecuencias.

Pareciera que fue ayer este trágico escándalo. Pero hace unos años sucedió, luego vinieron los temas judiciales con las sanciones correspondientes, hasta retomar las filmaciones de Rust, una película del viejo oeste. La cinta se estrenó en el festival de cine polaco Camerimage en noviembre de 2024. Su presentación en salas de cine ocurrió el 02 de mayo de 2025.

El 29 de mayo de 2020, se anunció que Alec Baldwin protagonizaría y produciría Rust, un wéstern basado en una historia que creó con Joel Souza; todo marchaba muy bien, la idea de este filme era lo que esperaban concretar.

Pero el sueño poco a poco se veía desvanecerse cuando se produjeron los primeros problemas en el equipo. Se sentía cierto malestar entre algunos, hasta que los camarógrafos renunciaron casi todos. Fue un gran caos, pero la filmación siguió y todos los que se quedaron tuvieron que hacer de todo, dentro de las cuales estaba Halyna, quien al no tener a los camarógrafos con los monitores para ver mejor desde lejos, ella fue a supervisar muy de cerca las tomas junto al director, que habiendo estado los camarógrafos esto, tal vez, no habría sucedido y estaría viva.

Este trabajo muestra escenas reales de archivo de cuándo y cómo sucedió este hecho, filmaciones de los interrogatorios policiales, fotos, los paparazzis en acción y entrevistas actuales a los participantes de tan grave situación. De cómo los sentimientos ante algo que por falta de conocimiento, precauciones debidas, confianza y un, tal vez, sin fin de otros porqué, se hubiera podido evitar esta tragedia, donde el director resultó herido y la jefa de fotografía muerta.

Nadie esta preparado para una tragedia, salvo que sea algo pronosticado, pero aún así; pero personas que se divertían, que hacían lo que les gustaba, en un segundo la vida se apagó. No solo para la fallecida, sino que para todos. El sentimiento de culpa, ¿por qué no me fijé?, ¿por qué no estaba ahí?, ¿por qué no supervisé mejor? ¿Por qué, por qué?...

Solo queda un sentimiento de dolor, de pesar, de perdonar y perdonarse, de continuar, como fue con esta película, la que terminaron para ella, para Halyna.

Interesante trabajo, bien editado.

Disponible en Disney.

Ficha técnica

Last Take: Rust and the Story of Halyna.
Dirigido por Raquel Mason
2025. 90 minutos.

Memoria Implacable - Por Carlos Correa Acuña

Desde el comienzo destaca una hermosa fotografía que produce fuerte contraste con la historia, porque se trata, precisamente, de una tragedia.

Al comenzar, me surge la pregunta de si las imágenes tienen relación con el fondo argumental, ya que por momentos parecen extraídas de un reportaje sobre los bellos parajes del sur de Chile y la Patagonia argentina. Sin embargo, pronto descubro que armonizan perfectamente con el relato y, además, aportan símbolos significativos.

Todo comienza con una serie de archivos olvidados en un museo de Berlín, Alemania. Documentos, fotos y hasta grabaciones en audio recogidas por el etnólogo Robert Lehmann-Nitsche, comprenden un testimonio irrefutable de una historia de persecución y matanza de los pueblos originarios del sur del continente americano. Voces ocultas por años se recogen gráficamente y dan cuenta de la ocupación militar de la zona, tanto en el lado chileno como en el argentino.

El relato en primera persona de la aniquilación lo lleva un sobreviviente, una persona sin rango y sin cargo; un hombre común y corriente. Se trata de Katruläf, cuyo testimonio es el eje de la narrativa, un joven mapuche capturado por soldados a los 17 años. Sus escritos, expuestos mediante una voz en off, marcan la reconstrucción de ese camino llevado a cabo por la protagonista de este documental, Margarita Canio Llanquinao, una reconocida académica que actualmente trabaja en la Universidad Católica de Temuco (UCT), impulsando la carrera “Lengua y Cultura Mapuche”.

El dolor recorre todo el metraje. Desde un campo de concentración donde fueron llevados hasta la exhibición de restos mortales en un museo de La Plata, el trayecto que Margarita recorre produce conexión y empatía. El cruel pasado resulta una carga casi insoportable que tal vez no pueda perdonarse ni repararse, pero sí entenderse, para revisar la historia con otros ojos y permitir una reconstrucción verdadera.

Dirigido por Paula Rodríguez Sickert, este documental está bien hecho y bien editado. Las imágenes nos capturan y el sonido, tomado con mucha fidelidad, nos envuelve. Cada toma ofrece una perspectiva distinta; se aleja de lo típico, como por ejemplo la breve secuencia que rodea la Puerta de Brandeburgo ilustrando el paso por Berlín.

Otros detalles destacados de este trabajo se refieren al uso del color y al manejo de su intensidad según una cuidada iluminación iluminación y elección de horarios. Hay, también, un buen manejo de la tensión al combinar planos abiertos y primeros planos, ofreciendo un ritmo que no detiene su caminar sereno y seguro.

El uso de diferentes herramientas narrativas, voz en off, imágenes, sonidos, lectura de testimonios, entrevistas y declaraciones, hace que la emocionalidad brote espontáneamente. Las personas que entregan personalmente sus vivencias lo hacen en forma precisa, bien contextualizada, conduciendo la historia de manera coherente con el objetivo final del documental.

“Memoria Implacable”, dos palabras que al final cobran sentido, abre una ventana hacia el pasado de aquellos habitantes originarios que residieron en el sur del continente americano. Sencillo en su forma y profundo en su fondo, este documental constituye un aporte importante para intentar comprender de mejor manera algunas de las claves del conflicto que actualmente se vive entre el pueblo mapuche y el Estado-nación chileno.

Ficha técnica

Título original: Memoria implacable
Año: 2024
Duración: 93 minutos
País: Chile
Compañías: Coproducción Chile-Argentina; Errante Producciones, Gema Films
Género: Documental
Guion: Paula Rodríguez Sickert
Música: Ezequiel Menalled
Fotografía: Cristián Soto
Reparto: Documental
Dirección: Paula Rodríguez Sickert

Una Noche Especial - Por Juan Pablo Donoso

Tragicomedia de amor maduro, grata, con actores famosos, muy buen guion y poco pretenciosa.

Dos desconocidos, un constructor y una doctora, deben refugiarse en una cabaña deshabitada durante una tormentosa noche de invierno. Cada uno arrastra un drama íntimo que oculta con orgullosa dignidad.

Lo que al comienzo los hace presuntuosos, e incluso agresivos, con el correr de las horas irán bajando la guardia hasta traslucir la fragilidad de sus penas.

Gran ejemplo del equilibrio precario con que debe iniciarse cualquier buen conflicto argumental. Además del encierro forzoso, cada uno tiene pendiente una herida sin resolver.

Será, precisamente, esta convivencia inevitable durante toda una noche, la que siembre en ellos un germen que, con el paso del tiempo, les brotará en los corazones con una luz redentora.

Ambientarla en dos fechas emblemáticas - Día de Acción de Gracias (Thanksgiving Day) y Navidad, permitió que nuestros protagonistas debieran departir con sus familiares cercanos. Y que éstos, muy bien diferenciados en caracteres y edades, fueran gozosos testigos (como el Coro griego) de la milagrosa transformación de sus queridos adultos mayores.

La guionista Nancy Silvers amplificó la versión teatral de Jan Hartman, rescatando los chispeantes diálogos de aquella, y aportando una mayor variedad de escenarios interiores y bellísimos paisajes siempre nevados.

El octogenario director Roger Young (José, los sueños del faraón 1995) aplicó su experticia motivando a los legendarios Julie Andrews (La Novicia Rebelde) y James Garner (Grand Prix - Maverick) para que revivieran emociones similares que, sin duda, experimentaron en algún momento de sus propias vidas.

Tal vez este proceso romántico habría tenido matices diferentes entre personajes latinos, pero aquí los elementos universales son verosímiles y tratados con gentileza.

Fluye con encanto, buen gusto, y honestidad.

Para disfrutarla en una fría noche de invierno.

Disponible en YouTube.

SUTILES ENCUENTROS Y DESENCUENTROS MANEJADOS CON LA EXPERTICIA DE UN DIRECTOR MADURO QUE EVITA CAER EN UN MELODRAMA FACILISTA O PROCAZ..

Ficha técnica

Título Original: One Special Night

1999 Tragicomedia romántica EE.UU. -1,32 hrs. 

Fotografía: Guy Dufaux 

Edición: Benjamin A. Weissman 

Música: Richard Bellis. 

Diseño Prod.: Pierre Perrault 

Guion: Nancy Silvers y Jan Hartman 

Actores: James Garner, Julie Andrews, Patricia Charbonneu 

Director: Roger Young

El Eternauta - Por Jackie O.

“Vivir y Sobrevivir”

Adaptación de la clásica historieta "El Eternauta", publicada por primera vez en 1957, creada por Héctor Germán Oesterheld y Francisco Solano López.

¿Qué significa “eternauta”?, como para saber o tener alguna idea de lo que veremos, ya que muchas veces, los nombres podrían ser un referente. Dicen que la palabra "eternauta" es una creación que combina el prefijo "eter-" (que significa "éter", lo eterno) y el sufijo "-nauta" (del griego "nautes", que significa "navegante"). Entonces, un "eternauta" es un "viajero de la eternidad" o un "navegante del tiempo".

¿Eso significa qué estamos ante una cinta de ciencia ficción?

Es el primer indicio para lo que veremos.

La serie cuenta (y sin entrar tanto en detalles para no quitar la sorpresa, aunque ya deben haberla visto o si googlean deben saber a estas alturas) sobre una extraña tormenta de nieve o ceniza tóxica que cae repentinamente desde el cielo, que al simple contacto aniquila a las personas instantáneamente; es por eso, que comienza a morir rápidamente la mayor parte de la población.

Las primeras imágenes son unas chicas en un velero que se desmayan, no es mucho el aporte y actuaciones no de las mejores. Luego vemos a un grupo de residentes de un edificio; y luego pasamos a un grupo de amigos que están en una velada, encabezada por Juan Salvo y el dueño de casa Alfredo Favalli, quienes, al percatarse de esta situación extraña en el exterior, comienzan a tomar precauciones que van naciendo producto de la desesperación y luego aplicando algo de lógica. Pero, no pueden quedarse ahí definitivamente. Juan necesita saber de su esposa e hija y sale en su búsqueda.

Así vamos viendo cómo cada persona busca la forma de sobrevivir bajo esta “amenaza de la naturaleza”, pero de repente nos percatamos que no estamos solos en este mundo, por lo que la situación se va transformando en algo más caótico. Ese hecho también nos alerta como espectadores. Y si a eso le agregamos que algunas personas se comienzan a poner peligrosas, creando una guerra interna, no sabemos en quién confiar.

La ciudad está desolada, muchos han muerto y hay peligro del cual deben huir o morirán. Un caos.

A partir de esta premisa vamos a ver la unión, o lo contrario a ella, que se va desatando entre la población, ya que la supervivencia de cada ser prima. La moral, los principios y/o ética, se ven cuestionados, quieran o no. La desesperación y otros sentimientos han aflorado.

¿Se actuará solo o habrá una supervivencia colectiva ante la amenaza que hay en la Tierra?

Estamos ante una serie que explora temas de supervivencia, unidad, discordia y heroísmo, en un mundo que está devastado, en un mundo que no se sabe si volverá a ser el mismo de antes o se mantendrá en un caos.

Las actuaciones son variadas, la mayoría muy buenas, pero nada sobresaliente. Disculpas a las fans de Ricardo Darín, a quien encuentro un actor formidable, pero acá lamentablemente actúa de sí mismo, sin aportar una dosis diferente a su personaje.

La puesta en escena es muy buena al hacer un Buenos Aires invernal en verano y que mantiene grandes planos donde abarca la desolación. Pero no aprovechó eso mismo para generar tensión, que fue lo mínimo y es algo esencial en esta historia. Creo que ahí falló el guion.

Vestuario y maquillaje buenos, así como la banda sonora.

La edición creo que falló un poco en la trama completa y en especial en el corte de la serie, la cual fue precipitada. Aparte de existir algunos hechos algo inverosímiles, me dan más ganas de leer el Cómic original, ya que creo que esta adaptación fue muy muy adaptada.

Los efectos visuales están muy buenos, presentándonos “personajes” muy bien hechos, casi reales.

En cuanto a los efectos de sonido también muy buenos, pero había por momentos problemas de dicción de algunos personajes a los que no se le entendían lo que hablaban, o el sonido interfería.

La primera mitad de esta temporada estuve muy entusiasmada pero luego fue diluyéndose mi ansiedad porque aún no descifro a este “Eternauta” de TV. Y como dije, su corte fue precipitado por lo que espero muy atenta a la segunda temporada.

Como dato: La serie fue supervisada por uno de los nietos de Héctor Oesterheld.

Ficha técnica

Dirección Bruno Stagnaro

Guion Bruno Stagnaro, Ariel Staltari, Gabriel Stagnaro, María Alicia Garcías, Martín Wain
Protagonistas Ricardo Darín, Carla Peterson, César Troncoso, Andrea Pietra, Ariel Staltari, Marcelo Subiotto, Claudio Martínez Bel
Argentina. 2025
6 capítulos. 50 minutos aprox.

La Fuente de la Juventud - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Apple TV+.

Tailandia, Londres, Irlanda, Viena y Giza, son algunos de los emblemáticos lugares que recorre la película. El salto entre uno y otro es vertiginoso y cada sitio tiene su razón de ser.

Luke -John Krasinski- y Charlotte -Natalie Portman-, son dos hermanos muy diferentes. Mientras él es un aventurero que no mide las consecuencias de sus actos, ella trabaja como curadora en un reconocido museo londinense. La vida, además, los ha separado por diversas razones, sin embargo la necesidad de Luke por conseguir el famoso cuadro “La cabeza de Cristo” de Rembrandt, lo lleva a visitar el lugar donde labora su hermana.

Pero debemos ir un poco más atrás. Luke ha estado robando pinturas para un multimillonario enfermo, Owen Carver -Domhnall Gleeson-, pues en ellas se encontrarían escondidas las claves para hallar la deseada Fuente de la Juventud. Como el dinero no es problema para Carver, su “fuente” de euros parece inagotable, pero la desaparición de obras de arte siempre despierta sospechas, por lo que Luke tiene dos amenazas sobre sí. Por una parte, una extraña mujer llamada Esme -Eiza González-, y por otra, el inspector Jamal Abbas -Arian Moayed-; cada uno de ellos con intenciones diferentes pero un objetivo común: Luke.

Guy Ritchie dirige esta cinta de un poco más de dos horas de duración. Reconocido por vívidas secuencias de acción, Ritchie apela a su oficio cuando de persecuciones se trata, desplegando drones y cámaras panorámicas para no perder detalle en ninguna toma. El vértigo se puede apreciar en toda su dimensión, incluso en la pantalla de un televisor de hogar, algo que siempre nos recuerda que este tipo de cintas se disfrutan más en el cine, pues ese debería ser su hábitat normal. En fin, es lo que hay, y debemos adaptarnos.

John Krasinski y Natalie Portman demuestran tener química al representar a esta pareja de hermanos, aunque ella se apaga un poco con el correr de los minutos. Los demás personajes secundarios no aportan demasiado, pero ver a Stanley Tucci por breves minutos en la Ciudad del Vaticano hace que recordemos rápidamente su reciente participación en la película “Cónclave”, una feliz coincidencia o un interesante juego del destino según sea el punto de vista que tomemos.

Peleas más, balas menos, la película se consume rápido. No resulta lo suficientemente enredada para que quedemos con dudas o preguntas, y tampoco tan liviana como para que se nos olvide al instante. Se encuentra en un punto intermedio, ese punto que permite disfrutarla sin culpa alguna una tarde de domingo y entender que para entretenerse no es necesario tener un puzzle complicado o excéntrico. ¡Ah! Atención con las pistas clave que descubre el pequeño Thomas -Benjamin Chivers-, el talentoso hijo de la protagonista. Interesante detalle que una vez más entrega a la música un papel principal y relevante.

Ficha técnica

Título original: Fountain of Youth
Año: 2025
Duración: 125 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Apple Original Films, Skydance Productions, Vinson Films, Project X Entertainment, Toff Guy Films. Distribuidora: Apple TV+
Género: Aventuras. Acción. Fantástico | Cazatesoros
Guion: James Vanderbilt
Música: Christopher Benstead
Fotografía: Ed Wild
Reparto: John Krasinski, Natalie Portman, Eiza González, Domhnall Gleeson, Arian Moayed, Laz Alonso, Carmen Ejogo, Stanley Tucci
Dirección: Guy Ritchie

Nosferatu - Por Jackie O.

"El mal ha vuelto"

Es la nueva versión (reimaginación) del largometraje expresionista clásico mudo "Nosferatu, eine Symphonie des Grauens" (1922), que a su vez, es una adaptación de la novela "Drácula" de Bram Stoker (1897).

Alemania 1838. Thomas Hutter (Nicholas Hoult) y su mujer Ellen (Lily-Rose Depp), constituyen un matrimonio que vive feliz en la ciudad de Wisborg. Hutter trabaja para Heer Knock (Simon McBurney), un agente inmobiliario que lo envía a las montañas de Transilvania, en los Montes Cárpatos, para finiquitar la venta de una finca al Conde Orlok (Bill Skarsgård).

Tras un complicado y siniestro viaje lleno de escalofriantes experiencias para cerrar el lucrativo negocio, Hutter es recibido por el anfitrión solícito y hospitalario de Orlok, pero los nervios, y también los somníferos bebestibles de su anfitrión, hacen que caiga en un profundo sueño. Al despertar descubre la marca de unos colmillos, y pronto comprenderá que el Conde es, en realidad, un vampiro.

Mientras tanto en la ciudad, su mujer se queda en casa de su amiga Anna (Emma Corrin) junto a su esposo Friedrich (Aaron Taylor-Johnson ) y dos hijas pequeñas. En dicho lugar, Ellen, mantiene pesadillas que nadie puede lograr entender, llamando al médico de cabecera, quien, ante diversos tratamientos, recomienda a uno de sus antiguos profesores que fue apartado de la medicina por tener métodos nada convencionales y no aceptados por todos, el Profesor Albin Eberhart Von Franz (Willem Defoe), quien vendría a ser un Van Helsing, el que, dentro de su obsesión por lo oculto, puede desenmarañar la "enfermedad" que está padeciendo Ellen. Mientras el Conde Orlok viaja hacia la ciudad en barco, desata la muerte con él, y trae consigo una plaga de ratas que provoca una peste despiadada.

La cinta nos transporta al suspenso y terror real, lo cual no es significado de saltitos (jumpscare), sino que mediante un ser monstruoso que no vemos en un comienzo, pero su sombra y profunda voz nos da curiosidad y respeto, nos va inmiscuyendo en la historia, provocándonos, en momentos, cierta tensión. La fotografía presentada es hermosa, cada cuadro es una pintura lúgubre, gótica y poética. El vestuario está muy bien representado, es de otra época, con una excelente puesta en escena llevándonos a la antigüedad.

El maquillaje está muy bueno. El juego de luces y sombras se trabajó cuidadosamente. Las actuaciones están entre correctas a muy buenas, nadie está de sobra ni actúa mal, a mi parecer. Dafoe no es ajeno a esta película, influyó mucho su participación con la experiencia ya de Orlock en su oportunidad, dándonos cátedra de su profesionalismo en cualquier rol. Hoult y Taylor-Johnson aportan bastante a la trama. LilyRose y Emma dan ese toque femenino de delicadeza, vulnerabilidad y fuerza.

Tal vez podría reparar en la caracterización de Orlock, quien se parece más a cierto dictador ruso que un ser cautivador de las penumbras. Pero su presencia se impone entre las sombras; Skarsgård trabajó muy bien la voz y su pausado movimiento.

Eggers nuevamente nos trae el folk horror que lo caracteriza, antiguas leyendas con su toque especial bien dirigido.

Un guión antiguo y bien adaptado, donde las pasiones se desatan más allá de la frontera, donde no existe impedimento para llegar a los brazos del ser amado. Y el sacrificio por amor se ve reflejado en un amanecer romántico y despiadado.

Ficha técnica

Guion y Dirección: Robert Eggers
Basada en “Nosferatu, eine Symphonie des Grauens” de Friedrich Wilhelm Murnau. Drácula de Bram Stoker
Música: Robin Carolan
Fotografía: Jarin Blaschke
Vestuario: Linda Muir
2024. 132 minutos
Género: Terror gótico. Vampiros
Idioma(s)Inglés, Alemán, Rumano, Ruso

¿Por qué me mataste? - Por Jackie O.

"Redes peligrosas"

El documental sigue a Belinda Lane mientras rastrea a los involucrados en el asesinato de Crystal Theobald, su hija de 24 años, usando MySpace.

Estamos ante el dilema de la delgada línea entre justicia y venganza, que se difumina cuando la familia destrozada usa las redes sociales para encontrar a los asesinos.

Febrero 2006. Crystal va en un auto con amigos en la noche y son atacados por una camioneta blanca. Ella muere producto de un disparo. Hay sospechas en la banda 5150. ¿Pero, por qué los atacaron?
Siempre en los delitos de este tipo lo primero que existe son preguntas: ¿por qué atacaron?, ¿por qué tuvo que morir?
Las respuestas son generalmente las mismas: "no sé", "iba pasando por ahí", "no estaba involucrada en nada". Así que hay que ver los antecedentes.

La policía llega y ponen a cargo a un joven del cual desconfían los familiares por su inexperiencia. Pero él lo da todo para hacer las cosas bien y aclarar lo sucedido. Conocemos a la familia, compuesta en su mayoría por mujeres, matriarcado, ligadas a las drogas como consumidoras y traficantes. ¿Por ahí iría el tema? Tal vez.
Pero Belinda, la madre de la víctima, drogadicta y despreocupada por sus hijos está destrozada, "por qué no fui una madre".

En su desesperación y ante la sugerencia de su sobrina de 14 años, quien le cuenta que Cristal usaba MySpace (una especie de Facebook) y en las sospechas de esta pandilla, crearon una cuenta falsa para averiguar sobre la pandilla y dar con el paradero de los atacantes.
Pero las cosas se les van saliendo del control, transformándose en una bomba de tiempo a punto de estallar

Muy interesante esta historia, ideal para crear una película estilo thriller, e incluso podría ser de terror, si se trabaja con un buen equipo.
El trabajo documental nos lleva a conocer a un grupo de personas marginadas, que no confía en nadie y que busca venganza, versus quienes quieren hacer lo correcto. Pero, ¿la pobreza es justificación para la droga, para la despreocupación, o para matar?
No empatizamos con la madre de la víctima en un comienzo, más cuando usa a una menor de edad para su venganza. Una mujer a la que no le interesan los daños colaterales.

El trabajo presenta un buen guion y montaje al mezclar archivos de videos, fotografías y entrevistas actuales a los que estuvieron ahí. Eso hace que nos mantengamos atentos en esta triste historia que nos lleva a variados temas como perdonar y perdonarse, donde una joven solo quería ser amada, y una familia ser feliz, a su manera, pero feliz.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Dirección: Fredrick Munk
Título original: Did You Kill Me?
2021 ‧ Documentary/Crime ‧ 1h 23m

Extraterritorial - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Netflix.

Que se pierda un hijo es terrible. Uno siempre está preocupado por ellos, pero cuando eso sucede, miramos adelante, atrás y a todos lados hasta que lo ubicamos. ¿Y si no lo encontramos? Debe ser desesperante. No saber nada, buscar sin hallar respuesta: un calvario.

Lo anterior es justamente lo que le sucede a Sara -Jeanne Goursaud-, una exsoldado de las fuerzas especiales de Alemania, quien sufre un intenso estrés postraumático. En una visita al Consulado General de Estados Unidos para solicitar una visa para ella y su pequeño hijo Josh -Rickson Guy da Silva-, el trámite demora varias horas. Desconcertada, intenta por todos los medios que la atiendan, pero el niño ya no puede más de cansancio y aburrimiento. Una sala de juegos parece la solución mientras a ella la entrevistan, pero cuando regresa, Josh no está. Ha desaparecido sin dejar rastro. ¿Qué puede hacer? ¿Vino sola, como le hacen ver en los videos de seguridad o efectivamente estuvo siempre acompañada de su hijo? La duda se establece de inmediato y la verdad se aleja con cada minuto que pasa.

Dirigida por Christian Zübert, esta producción alemana se inscribe en el género de acción y además es capaz de tomar prestadas otros aspectos. Por una parte está el tema de los veteranos de guerra, quienes combatieron por su país y quedaron marcados por traumas imborrables que les han significado duras pérdidas, tanto físicas como emocionales. Por otra parte está la maternidad y el instinto protector que lleva a una madre a no medir consecuencias cuando se trata de la integridad de un hijo. Y un poco más allá, las conspiraciones para ocultar ciertos hechos, con tratativas que involucran dinero, control y poder.

Con largas secuencias de acción y buenos efectos especiales, “Exterritorial” no solo se deja ver, sino que resulta un buen panorama para una noche de relajo. Puede parece paradójico, porque ¿cómo va a ser para relajarse una película que se basa en peleas, saltos, disparos y fuerza bruta? ¿Es extraño, no? Pero resulta, porque cuando uno se pega a la pantalla y solo quiere saber el desenlace, parece que el resto del mundo dejara de existir. Los problemas se olvidan y las preocupaciones se evaporan. Todo se centra en las dificultades de los protagonistas que, naturalmente, son más graves y posiblemente más urgentes que los propios., dado que su vida corre peligro. Tal vez es por eso que podemos “desenchufarnos” y decir que la película nos relaja, y en este sentido, sin pedir más de lo que puede dar, “Extraterritorial” cumple con creces su tarea.

Véala con confianza pero sin expectativas. Dura un poco menos de dos horas y no se va a decepcionar.

Ficha técnica

Título original: Exterritorial
Año: 2025
Duración: 109 minutos
País: Alemania
Compañías: Constantin Television. Distribuidora: Netflix
Género: Thriller. Acción. Intriga | Secuestros / Desapariciones
Guion: Christian Zübert
Música: Sara Barone
Fotografía: Matthias Pötsch
Reparto: Jeanne Goursaud, Dougray Scott, Lera Abova
Dirección: Christian Zübert

Misión Imposible: La Sentencia Final - Por Jackie O.

“Un cierre digno”

Es la octava entrega de la serie de películas Misión imposible y la segunda parte de MI 2023. El agente Ethan Hunt continúa su misión de impedir que Gabriel controle el tecnológicamente omnipotente programa de IA conocido como "La Entidad".

Continúa y termina lo que comenzó el año 2023, con un breve resumen donde Ethan recuerda sus años de agente secreto, debiendo salir de su escondite y salvar al mundo junto a su gran equipo y nuevos integrantes, en el que no solo la adrenalina se apoderará de nosotros, sino también la nostalgia.

Si no recuerdas qué pasó con la primera parte, te dejo este enlace para que leas un resumen.

Nuevamente Ethan deberá correr, saltar, nadar, pelear y “volar”, algo a lo que ya nos tiene acostumbrados, pero eso no quita que estemos al borde del asiento en cada peripecia, porque no sabemos si esta sentencia final será también el final para él, ya que los sacrificios estarán.

El enemigo viene por partida doble. Tenemos a esta entidad invisible que aún amenaza al mundo, que la hace inalcanzable, donde las decisiones no son suficientes y la emocionalidad se toma a los personajes, ya que no se sabe cómo pelear con algo que no ves. Y la otra es Gabriel, que anda suelto y es peligroso. Esta vez debo decir que Esai Morales desdibujó su caricatura de la entrega anterior y ahora fue un villano real, serio e inescrupuloso, que lo hace aún más peligroso.

El quipo de Ethan continúa con su lealtad para ayudar, al punto de llegar hasta límites insospechados de ser necesario. En esto, debo destacar enormemente a Grace y Paris, quienes estuvieron geniales en sus roles. Son mujeres con historia, con algo que contar, con algo que mostrar y que le da más potencia a lo que vemos.

La cinta destaca por su impresionante nivel de producción. Las escenas de acción son con grandes coreografías, los efectos especiales fueron de buena manufactura y el suspenso se realiza con maestría. Cada secuencia que vemos es mejor a la anterior, especialmente las de riesgo, que es un gran mérito de Tom Cruise, quien se encarga de realizarlas en su mayoría. (Se merece, a lo menos, una nominación como doble de riesgo de sí mismo, ¡ja!)

El guion nos lleva a una etapa más emotiva, ya que se supone que cerramos con esto la saga, así que los problemas de apego, éticos incluso, van marcándose aún más sin perder su ritmo vertiginoso. A veces no hay que pensar por uno mismo, en querer llevarse el trofeo, sino que unir a las naciones es lo loable. Pensar en el otro.

Como es esto una saga, los nombres y rostros de antiguas películas estarán presentes, quienes, con su aparición, la hacen aún más nostálgica. Entre tanta acción y tensión también tenemos momentos de humor, pocos y bien dosificados, y se agradecen, es un respiro para poder soltarnos, aunque sea unos microsegundos.

La banda sonora es espectacular, justa en los momentos precisos; las coreografías muy bien ejecutadas, buena dirección y fotografía espectacular, con unos planos que te dejan sin aliento.

Pero hay un pero. Muchas veces explicaban y sobre explicaban algo que lo hacía aburrido. Solo quería que terminaran de hablar, ya que diluía el ritmo que manteníamos. Pero fue lo mínimo.

Misión Imposible Sentencia Final 2, ¿será realmente el final de la saga?

Esta película podría, y me gustaría, ser nominada en los próximos festivales por sus efectos de sonidos, escenas de acción, fotografía, escenografías y efectos visuales. (E insisto con el doble de riesgo)

Ficha técnica

Mission: Impossible - The Final Reckoning
Dirección: Christopher McQuarrie
Guion: Christopher McQuarrie, Bruce Geller, Erik Jendresen
Música: Lorne Balfe, Max Aruj, Alfie Godfrey
Fotografía: Fraser Taggart
Protagonistas: Tom Cruise, Hayley Atwell, VingRhames, Simon Pegg, Esai Morales, Pom Klementieff.
2025. 2 horas 45 minutos

Tren Nocturno a Lisboa - Por Juan Pablo Donoso

Un filme claro, profundo, con muchos niveles de lectura, excelente guion, gran director danés y actores consumados.

Un viaje luminoso a los rincones ocultos del alma.

El solitario profesor suizo de lenguas clásicas, Raimund Gregorius (Jeremy Irons), abandona su vida aletargada para embarcarse en un viaje aleatorio rumbo a un destino incierto.

Tras salvar del suicidio a una joven portuguesa que tenía un librito viejo en un bolsillo, viaja sin aviso a Lisboa con la esperanza de descubrir el destino del autor, médico y poeta que luchó contra el dictador portugués Antonio de Oliveira Salazar.

Un impulso intuitivo lo lleva a una ciudad lejana, a iniciar la búsqueda entre personas desconocidas, de un escritor ya fallecido, y casi olvidado.

Será un arduo periplo entre quienes conocieron al autor de UN ORFEBRE DE LAS PALABRAS.

Poco a poco, y dato a dato, irá ubicando a hombres y mujeres que en aquellos años convulsionados se relacionaron con él, y evocan las huellas - de dulce y agraz -que dejó en sus vidas.

Es un lento - pero cada vez más apasionante - remover escombros y cenizas del pasado. Con cada conocido, ahora mayor y transformado, rearmará un caleidoscopio histórico, romántico, contradictorio, resentido e idealizado.

En cada uno de los testimonios Raimund reconocerá facetas de su propia personalidad, e instintos, como si hubiera vivido los avatares de aquellos tiempos tumultuosos de rebelión e impotencia política.

En cada uno de estos seres verá lo insulsa y vacua que fue su propia existencia hasta ahora, y cada testimonio le revelará nuevos recodos de su propia alma, dormida hasta hoy.

Hay tantas capas, metáforas sutiles, poesía en las imágenes y narrativa que, a pesar de ser una historia tan sencilla, es inevitable la sensación de ir por un laberinto de emociones y pensamientos. Presente, pasado y futuro se fusionan en una vasta eternidad.

Mise-en-abîme = puesta en abismo = técnica artística y literaria que representa una imagen o narrativa dentro de sí misma, creando un reflejo infinito. Copia de una obra dentro de la obra original, generando una sensación profunda y compleja.

Ficción dentro de otra ficción; libro dentro de un libro dentro de una película. Mentira dentro de una mentira. Poeta dentro de un lector, dentro de un espectador, dentro de una persona. Un juego de espejos que nos deja maravillados y con hambre de vivir.

Historia de un hombre vacío que allí, por fin, se encontró a sí mismo.

Visible en YouTube.

FELIZ VIAJE AL INTERIOR DE SU ALMA MIRANDO A LOS OTROS. SIEMPRE SEREMOS LOS MISMOS DONDEQUIERA QUE VAYAMOS.

Ficha técnica

Título Original: Night Train to Lisbon

2013 Misterio, romance, suspenso Suiza, Alemania, Portugal - 1,51 hrs. 

Fotografía: Filip Zumbrunn 

Edición: Hansjörg Weißbrich 

Música: Annette Focks 

Diseño Prod.: Augusto Mayer 

Guion: Greg Latter, Ulrich Herrmann, Peter Bieri 

Actores: Jeremy Irons, Melanie Laurent, Tom Courtenay 

Director: Billie August (Pelle el Conquistador 1987 - La Casa de los Espíritus 1993 - Los Miserables 1998) 

Misión Imposible: La Sentencia Final - Por Carlos Correa Acuña

En julio de 2023 la historia quedó inconclusa. Tras casi dos años llega el desenlace, con el agente Ethan Hunt -Tom Cruise- aún intentando impedir que Gabriel -Esai Morales- logre controlar ese gigantesco programa de IA conocido como “La “Entidad”.

Con una introducción, dos partes y un epílogo, esta es de las películas que sí o sí se deben ver en pantalla grande. ¡Extra grande, IMAX, en lo posible! ¿Por qué? Primero, porque es un espectáculo vibrante y que no da tregua alguna. Segundo, porque el colorido y la iluminación se destacan mucho más en esas pantallas de gran envergadura. Tercero, porque los enfoques y las tomas panorámicas adquieren otra perspectiva en la medida que el escenario es mayor, dado que es como realmente ser parte de la escena, es decir, es como si estuviésemos ahí. Y cuarto, porque los efectos visuales se ven grandiosos y, además, las escenas de riesgo se ven increíbles.

¿Demasiada alabanza? No. Vamos por parte.

Tom Cruise es imbatible. A veces faltan adjetivos para describir su trabajo. Al ya conocido “incombustible”, podríamos sumar otros más, ya que es el actor el que le da el carácter y posicionamiento a un personaje que difícilmente podemos imaginar sin su participación. Ethan Hunt es Tom Cruise, y viceversa. La compenetración es total, una amalgama perfecta que, con el paso de los años, solo agiganta la figura y consolida el mito. Las escenas arriesgadas, que el mismo Cruise se encarga de promocionar como hechas por él mismo, se ven de un realismo asombroso. Y no es menor. Dejar de usar un doble de riesgo es peligroso, pero Cruise (o Ethan) parece no temerle a nada, en absoluto. Es más, a sus casi 63 años muestra un estado atlético de varias décadas menos, exhibiendo una juventud que resulta, al menos, envidiable.

Dirigida por Christopher McQuarrie, “Sentencia Final” es vibrante. Repasa historias anteriores muy vertiginosamente, como una especie de homenaje y también con el objetivo de vincular las tramas y dejar al descubierto los hilos que se cruzan entre ellas. Todo calza, el sentido de unidad está muy cuidado y eso se nota en una gran cantidad de detalles que nunca son dejados al azar.

El recorrido de la película transita por muchos escenarios. Ya la introducción, antes de los créditos, permite advertir una parte de lo que viene. Rápidamente nos vamos al escenario acuático y polar, con escenas de antología que tienen mágicas coincidencias. Cuando regresamos al escenario terrestre es solo un breve paso, porque en realidad lo que viene son destrezas aéreas que constituyen un emblema y casi una marca registrada de la saga. Ver a Ethan Hunt volando, literalmente, ya no es novedad. Lo nuevo es cómo vuela, dónde vuela y de qué manera logra zafar de una sucesión de obstáculos que parecen más un manual de desafíos que simples escenas de una película de acción.

“Mission: Impossible - The Final Reckoning” es larga, sí, son casi tres horas, pero no se sienten en absoluto. Aparte de ser una cinta ágil, entretenida y siempre en alta tensión, jamás desperdicia un segundo. Con una producción a gran escala, posee una cinematografía notable, donde la ficción se mezcla con la realidad y nos envuelve en un tejido que no nos deja escapar.

Además de lo anterior, el sonido de esta película es de lo más logrado. La música incidental de Max Aruj y Alfie Godfrey parece un verdadero concierto, una partitura perfectamente ajustada a la acción. Esta característica la podemos observar con pausas y movimientos, con secciones en las que las líneas melódicas y rítmicas crean atmósferas suaves o inquietantes, dependiendo de cada necesidad, llevando el juego tensión-reposo a un muy alto nivel.

En síntesis, esta última parte de ‘Misión Imposible: Sentencia Final’ es un espectáculo audiovisual único, una experiencia que vale la pena vivir.

¡Electrizante! Cine de acción en estado puro.

Ficha técnica

Título original: Mission: Impossible - The Final Reckoning
Año: 2025
Duración: 169 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Bad Robot, Paramount Pictures, Skydance Productions, TC Productions. Distribuidora: Paramount Pictures
Género: Acción. Thriller. Drama | Espionaje. Secuela. Inteligencia artificial
Guion: Christopher McQuarrie, Bruce Geller, Erik Jendresen
Música: Lorne Balfe, Max Aruj, Alfie Godfrey
Fotografía: Fraser Taggart
Reparto: Tom Cruise, Hayley Atwell, Ving Rhames, Simón Pegg, Henry Czerny, Ángela Bassett
Dirección: Christopher McQuarrie