viernes, 9 de enero de 2026

Fue solo un accidente - Por Carlos Correa Acuña

Un auto con tres ocupantes circula por la carretera. Es de noche. Chocan con un perro. Lo matan. El coche queda averiado y necesita reparación. Les prestan ayuda en un taller cercano.

Lo que parece ser un incidente menor se transforma en el corazón de este relato, pues Vahid -Vahid Mobasseri-, mecánico del taller, percibe algo que le resulta extraño pero difícil de olvidar. Se trata del sonido seco producido por una prótesis que solo puede corresponder a quien, tiempo atrás, fue su carcelero y torturador. Inseguro, se oculta y lo sigue hasta su casa. ¿Será efectivamente Eghbal -Ebrahim Azizi-, ese implacable agente del régimen que le hizo tanto daño y castró su vida?

Escrita y dirigida con maestría por Jafar Panahi, esta cinta establece con claridad el conflicto en menos de veinte minutos. Y no es un nudo cualquiera. Estamos ante un problema moral, donde la duda se transforma en lo esencial.

Vahid no está completamente seguro de que se trate de Eghbal, y es por eso que no concreta su improvisado plan y decide pedir ayuda. En el fondo, no sabe qué hacer, y tampoco quiere ejecutar lo que le nace: cobrar venganza. Lo que busca, en realidad, son certezas. Sin embargo, sus ex compañeros de reclusión, enfrentados a la evidencia, tampoco las tienen. ¿Y si fuera un error, una desafortunada coincidencia? TTodos se postergan y, ante la duda, se abstienen.

Mientras la tensión sube y buscan despejar la incógnita, Jafar Panahi nos sumerge en el contexto, mostrando la cultura iraní, sus calles, su gente y su forma de proceder. Sabemos que el director no tiene permiso para filmar en su tierra natal, sin embargo, lo realiza de todos modos, a pesar de haber estado encarcelado y ser una persona non grata para este régimen islámico teocrático que gobierna la nación.

El conflicto moral sube de tono. ¿Se combate la violencia con más violencia? ¿La venganza es un camino posible hacia la justicia? La situación se torna dramática, pero Panahi introduce con habilidad toques de humor negro que podrían parecer ridículos bajo algunas circunstancias, pero que, providencialmente, acá logran alivianar el registro.

El recuerdo de las torturas sigue vivo. Se necesita justicia. Pero ¿realmente vale todo? Se trata de un sistema perverso. Sin embargo, sin la mínima humanidad, cualquier acto pierde sentido. La tensión aumenta. Los personajes se tornan más densos. Aflora con más fuerza el dolor. Ni siquiera es posible pensar en el perdón.

Ante un escenario tan complejo, ¿es posible apelar a la razón y a la cordura? Las dudas persisten y se agigantan cada vez más, pero también transforman a las personas. Tal vez, esa es la clave. El diálogo final es sobrecogedor, tan notable como su cierre de antología, el que, solo mediante el sonido, logra detener la respiración del protagonista y también la nuestra, como espectadores.

Con actuaciones naturales y una impecable dirección de arte, “Fue solo un accidente” destaca por sus sutilezas: iluminación inquietante, un sonido prístino y una cámara que se transforma en nuestros ojos. Jafar Panahi sabe perfectamente cómo involucrarnos, y emocionarnos. Nos regala un drama de resolución incierta que en todo momento pone a prueba nuestros valores fundamentales.

¡Notable!

Ficha técnica

Título original: It Was Just an Accident
Año: 2025
Duración: 105 minutos
País: Irán
Compañías: Coproducción Irán-Francia-Luxemburgo; Les Films Pelléas, Bidibul Productions, Jafar Panahi Film Productions, Pio & Co, arte France Cinéma
Género: Thriller. Drama
Guion: Jafar Panahi
Reparto: Ebrahim Azizi, Madjid Panahi, Vahid Mobasseri, Mariam Afshari, Hadis Pakbaten, Delmaz Najafi, George Hashemzadeh
Fotografía: Amin Jaferi
Dirección: Jafar Panahi

jueves, 8 de enero de 2026

El Beso de la Mujer Araña - Por Carlos Correa Acuña

No tengo especial afinidad con los musicales pero aquí hay dos razones para ver este trabajo: las canciones y, por supuesto, Jennifer Lopez.

Es una novela la que da origen a la historia. Escrita en 1976 por Manuel Puig, fue llevada al cine en 1985 y adaptada como musical teatral en 1992. Sobre este último está inspirada esta película que, como buen exponente de su género, privilegia por sobre todo la música y las coreografías.

En plena dictadura militar argentina, Valentín Arregui -Diego Luna-, es tomado prisionero y llevado a una oscura prisión. Su compañero de celda resulta ser Luis Molina -Tonatiuh-, un modisto homosexual que ha sido apresado por participar en un incidente callejero. Con personalidades opuestas, Arregui introvertido, y Molina, extremadamente locuaz, ambos reos chocan de inmediato. Pero no solo son sus personalidades, también tienen secretos: Arregui posee información vital sobre la resistencia y Molina tiene presión del alcaide para obtenerla.

¿Y Jennifer Lopez? Ella interpreta a Ingrid Luna, la protagonista del musical de Hollywood favorito de Molina, “El beso de la mujer araña”, y que es, prácticamente, su razón de ser. Y es perfecto, porque el relato del musical -hecho película- sirve tanto para establecer la conexión entre Molina y Arregui, como también de excusa para que ambos puedan evadir una realidad angustiante marcada por presiones y torturas.

Así las cosas, tenemos una película dentro de una película, dos historias paralelas que permiten ir saltando entre ellas como una suerte de sueño o proyección. Se revela poco del pasado de los protagonistas, aunque se vislumbra con el correr de los minutos. La realidad es la cárcel; el escape, la película. Molina la cuenta en detalle, con un brío tal que logra captar la atención de Arregui. Poco a poco, ambos se comienzan a involucrar y construyen otro mundo, uno muy diferente al encierro injusto e inmundo que les toca compartir.

¿Qué es verdadero y qué es imaginación? Poco importa. El paso del tiempo genera vínculo, confianza y empatía entre dos hombres solitarios que, por circunstancias de la vida, están juntos al interior de una celda. El vuelo de la película en boca de Molina da cuenta de un contraste mayor. Allí todo es glamour, belleza, libertad. Jennifer Lopez brilla como la diva que es, acompañada por estos mismos dos hombres pero en papeles muy diferentes, a pesar de finas similitudes con la realidad. Sin entrar a la trama del musical, lo más importante es su tono simbólico, especialmente lo que significa aquel beso, un sacrificio necesario para obtener un bien mayor.

“Kiss of the Spider Woman”, en poco más de dos horas, resulta un filme interesante a pesar de decaer en los últimos quince minutos. Tal vez otra forma de resolver la historia -sin cambiarla- habría resultado mejor. No lo sabemos, pero la presencia de al menos tres posibles momentos que marcan un “cuasi” final, dejan la sensación de una extensión que quizá podría haberse limitado.

Si le gustan las coreografías, los cantos y la versatilidad de Jennifer Lopez, esta es su película. Y si no, bien vale verla la pena para despertar el interés por la novela original, sin duda disruptiva para la época, gracias a su fuerte carga política, social y emocional.

Ficha técnica

Título original: Kiss of the Spider Woman
Año: 2025
Duración: 128 minutos
País: Estados Unidos
Género: Drama. Musical | Drama carcelario. Homosexualidad. Amistad. Cine dentro del cine. Remake
Compañías: 1000 Eyes, Artists Equity, Josephson Entertainment, Nuyorican Productions
Grupos: Adaptaciones de Manuel Puig
Guion: Bill Condon. Musical: Terrence McNally. Novela: Manuel Puig
Música: John Kander
Fotografía: Tobias A. Schliessler
Reparto: Diego Luna, Tonatiuh, Jennifer Lopez
Dirección: Bill Condon

El Beso de la Mujer Araña - Por Juan Pablo Donoso

Nueva versión dramatizada de la famosa novela política/gay del argentino Manuel Puig.

En 1985 el norteamericano William Hurt ganó un Oscar por su interpretación en la película dirigida por Héctor Babenco.

En Chile la vimos como obra teatral interpretada por Tennyson Ferrada y Marcelo Romo a fines de los 80.

Luego se montó como espectáculo musical con música de John Kander, letras de Fred Ebb y libreto de Terrence McNally. Dirigido por Harold Prince, se estrenó en Toronto (1992), el West End (Londres) y Broadway (1993). Ganó los premios Tony al mejor musical, mejor libreto, mejor partitura, además de premios a la interpretación para los tres actores principales del reparto.

Ahora nos llega esa misma versión musical como superproducción cinematográfica dirigida por Bill Condon (“Soñadoras”, “Dioses y Monstruos”), y protagonizada por Diego Luna, Tonatiuh y Jennifer Lopez.

Ambientada en una cárcel argentina, la historia sigue a dos hombres diametralmente opuestos que comparten encierro obligado. Valentín es un preso político dispuesto a sacrificarlo todo por la revolución, y Molina, un homosexual encarcelado por su identidad.

Lo que en un comienzo se nos presenta como una convivencia imposible, hace que el confinamiento, las torturas, y la inevitable exposición que cada uno hace de sus ideales, demuestre que incluso en la oscuridad más repugnante puede nacer un afecto, y una complicidad inquebrantable.

Entrelaza fantasía y realidad en una historia sobre la libertad, el amor y el poder transformador de la imaginación.

Combina, en clave de espectáculo, bellas canciones y fantasía sobre un trasfondo político/terrorista de gran actualidad.

Molina se refugia en los recuerdos de viejas películas hollywoodenses y glamorosas ensoñaciones. Y al hacerlo, involucra las frustraciones y los anhelos más profundos que Valentín guarda en el subconsciente.

Siendo la fantasía el único escape a sus tormentos, ambos convictos se unirán en una dimensión que trasciendo todos los prejuicios.

La Mujer Araña es el símbolo encarnado por una mujer idealizada por ambos: una diva de otro mundo. En este rol Jennifer Lopez vuelve a demostrar su talento y carisma de actriz y bailarina. Quimera que concentra su doble naturaleza de ser Vida y Muerte a la vez.

La actuación de ambos protagonistas es lucida, destacándose el monónimo Tonatiuh, a quien desconocíamos hasta ahora.

Como versión cinematográfica hay algo desajustado entre el esplendor de los números musicales en contraste con la sordidez y lo patético de la celda. Tal vez la comedia musical amalgamaba de manera más fluida ambos universos. En pantalla se sienten separados. Cuesta integrarlos.

La premisa queda clara, el drama de los personajes nos genera empatía, la imbricación con las fantasías son poéticamente adecuadas pero, el despliegue y ostentación de los momentos musicales, le restan intimidad a la tragedia, dejando como sensación final, la de un gran espectáculo, una historia conmovedora, pero escindida y menos catártica en su conjunto.

UN FASTUOSO ESPECTÁCULO MUSICAL QUE FALLA EN COMPLEMENTARSE CON UN DESGARRADOR DRAMA HUMANITARIO.

Ficha técnica

Título Original: Kiss of the Spider Woman
2025 Drama político y musical EE.UU. - 2,08 hrs. 
Fotografía: Tobias A. Schliessler 
Edición: Brian A. Kates 
Música: John Kander, Sam Davis 
Diseño Prod.: Scott Chambliss 
Guion: Bill Condon, Terrence McNally, Manuel Puig 
Actores: Diego Luna (Valentín), Tonatiuh, Jennifer López 
Director: Bill Condon

Paprika: el Reino de los Sueños - Por Juan Pablo Donoso

Por sus imágenes y contenido es uno de los más provocativos largometrajes animados - para adultos - del cine japonés.

Lleno de símbolos, propone infinitas interpretaciones.

Es un deleite para la vista y nos mantiene cautivos tratando de comprender a sus atormentados personajes.

Siendo visualmente asombrosa, su argumento cambia tanto de rumbo que nos va sumergiendo en una catarata de pesadillas, unas dentro de otras.

Un grupo de científicos desarrolla un dispositivo que permite infiltrar el subconsciente y grabar los sueños de las personas. Cuando un ladrón se roba la máquina, podría usar la tecnología para controlar a otros y poner en peligro a la humanidad.

Solo una joven terapeuta llamada Paprika podrá detener la catástrofe. Mas, para ello, deberá internarse en la dinámica de sueños y, desde adentro, actuar en la mente, y en la fantasía, de las criaturas de su entorno. Y ya dentro del insondable universo, se altera la realidad y todos, incluso ella, transmutan y alternan sus identidades.

El realizador de esta y otras epopeyas fue Satoshi Kon. En su relativamente breve vida (46 años), fue famoso dibujante de “mangas japonesas” = historietas o cómics de típico estilo pictórico (ojos grandes); fenómeno cultural con enorme variedad de géneros, adaptado al animé, a películas y videojuegos.

La esencia de sus relatos fue siempre la “mezcla inevitable de ficción y realidad”. La expresó con variados enfoques en cada una de sus obras (Perfect Blue, Millenium Actress, Paranoia Agent y Paprika, la última). Su objetivo era que paisajes y personas, pareciendo reales, de repente se revelaran como "ficción” o “imágenes oníricas”.

Los variados temas que plantea, y los dibujos, trascienden la lógica y la coherencia consciente. Solo cobran sentido a nivel subliminal.

¿Qué pasa cuando perdemos el control de nuestros sueños porque fueron secuestrados por el Mal? ¿Qué es exactamente un sueño y en qué medida afecta a la conciencia y a la vigilia? Si entierras la culpa y el deseo en tu subconsciente, ¿cómo se manifestarán en tus sueños?

Se necesita paciencia y una mente analítica para reconstruir la trama. Solo si seguimos las visiones recurrentes, la simbología cobrará, por fin, sentido.

Habrá quienes se agoten o se molesten por la dificultad de entender lo que está pasando. Para ellos recomendamos el género de animación tipo Disney. Eviten Páprika, será solo frustración.

En esta aventura surrealista de Satoshi Kon hallaremos comedia, horror, desfiles de ranas cantando, electrodomésticos bailando, y muñecas parlantes.

Ciencia ficción posmoderna que requiere análisis psicológico para comprenderla mejor.

FASCINANTE DE VER Y ESCUCHAR. AUNQUE DESPUÉS DEBAMOS DESCIFRAR LOS SÍMBOLOS Y CAPTAR SU MENSAJE DE FONDO. ALUCINANTE PROEZA DE LA IMAGINACIÓN.

2006: Festival de Venecia: Nominada al León de Oro (mejor película). 2007: Festival de Annecy: Selección oficial de largometrajes animados.

Ficha técnica

Título Original: パプリカ
2006 Épica, animación para adultos Japón - 1,30 hrs. 
Fotografía: Michiya Katô 
Edición: Takeshi Seyama 
Música: Susumu Hirasawa 
Diseño de Arte: Nobutaka Ike 
Guion: Yasutaka Tsutsui, Seishi Minakami, Satoshi Kon 
Voces: Megumi Hayashibara, Tôru Furuya, Kôichi Yamadera 
Director: Satoshi Kon

miércoles, 7 de enero de 2026

Bugonia - Por Carlos Correa Acuña

Cuadro inicial: abejas que lentamente van muriendo. Es una amenaza acuciante. Sin polinización, el futuro de las especies peligra. Es en serio. En paralelo, dos hombres discuten. Se trata de Teddy Gatz -Jesse Plemons- y Don -Aidan Delbis-, su primo autista. Se preparan para algo grande. Intriga. Música de misterio.

Teddy manipula. Tiene un plan. Don solo acepta. Colabora. La idea es secuestrar a Michelle Fuller -Emma Stone-, jefa máxima de una importante compañía farmacéutica. ¿La razón? Teddy cree que ella es un ser extraterrestre, miembro de una especie alienígena que está matando las abejas para subordinar la vida humana en el planeta. De hecho, la madre de Teddy está en coma luego de participar en un ensayo clínico de un medicamento generado por la compañía. Las pruebas están claras. ¡Hay que actuar! El secuestro, cuya secuencia es de antología, tendrá graves consecuencias.

Yorgos Lanthimos dirige un remake de una película coreana de 2003 -“Save the Green Planet!”, de Jang Joon-hwan-, y lo hace a partir de un guion adaptado por Will Tracy. Hay variaciones, por cierto, pero la esencia se mantiene intacta. La historia es, en sí, originalísima, pero Lanthimos imprime su sello magistralmente.

¿Qué tenemos? Temas fundamentales cubiertos con deliciosas capas de comedia negra. Muy a lo Lanthimos, ciertamente, aunque mucho menos personal respecto a lo que el director griego nos tiene acostumbrados. No obstante, la denuncia es clara. Estamos matando el planeta y hay que hacer algo. En este caso, la amenaza viene desde el exterior, pero ¿será tan así?

Figuras centrales son estos dos héroes que se proponen salvar el mundo. Teddy lidera, Don acompaña. Están solos en esto, la paranoia es total y el plazo fatal; solo quedan tres días para el eclipse.

Los textos de Will Tracy son un manjar, con diálogos áridos y punzantes que coronan cada escena. No resultan fáciles y las imágenes tampoco. Se debe esperar para digerir cada secuencia. La música se torna apoteósica por momentos, lo que contrasta con la ausencia de sonido en varios pasajes del metraje. Lanthimos, una vez más.

Jesse Plemons está brillante para dar vida a un indignado conspiranoico. Su actitud corporal, pasando por cada gesto, revela detalles de una mente que tiene claro su propósito. Emma Stone, en otra vereda, no es la dulzura transformada en mujer. No. Ella tiene claro su papel y lo juega en todo momento, conteniendo los ataques y esperando el momento para tomar la iniciativa. Finalmente, el personaje construido por Aidan Delbis resulta enigmático. Quiere escapar, se siente oprimido, quiere salvarse, pero no sabe cómo. Solo le sigue el amén a su primo, pero ¿está realmente convencido?

El “sello Lanthimos” es perfectamente coherente, desde la estética hasta el manejo de cada uno de los cuadros. Se trata de un arte diferente, sugerente, con permanentes gallitos psicológicos y una buena dosis de locura. Enfoques especiales, porque en grandes pasajes no sabemos si lo que vemos es cierto o solo una tomadura de pelo.

“Bugonia” advierte la amenaza que el ser humano representa para la supervivencia del planeta. Y lo hace de una forma particular, apoyado en una historia sólida y un guion que no permite concesiones. De la mano de Yorgos Lanthimos experimentamos muchas sensaciones y, por supuesto, quedamos con más dudas que respuestas, porque el arte de este director griego es que obliga a pensar y a tomar partido.

Ficha técnica

Título original: Bugonia
Año: 2025
Duración: 118 minutos
País: Irlanda
Compañías: Coproducción Irlanda-Reino Unido-Canadá-Corea del Sur-Estados Unidos; Element Pictures, Fruit Tree, Square Peg, CJ Entertainment, Fremantle Media North America. Distribuidora: Focus Features, Universal Pictures
Género: Comedia. Ciencia ficción. Thriller | Comedia negra. Extraterrestres. Remake
Guion: Will Tracy. Remake: Jang Joon-hwan
Música: Jerskin Fendrix
Fotografía: Robbie Ryan
Reparto: Emma Stone, Jesse Plemons, Aidan Delbis, Stavros Halkias, Alicia Silverstone
Dirección: Yorgos Lanthimos

martes, 6 de enero de 2026

Lo que le falta a esta estrella - Por Jackie O.

"El amor sana"


Ambientada en el año 2056, nos cuenta la historia de las expediciones al planeta rojo, Marte, y del recuerdo de un terremoto ocurrido en el año 2026, donde fallecieron todos los habitantes del centro de investigación humano existente. Y este hecho aún cala profundo en la comunidad científica, en especial en Nan.

Es 2056 y se planea la cuarta expedición a Marte. Nan-young sigue los pasos de su fallecida madre astronauta y es una reconocida científica, también astronauta, que trabaja incansablemente por ir a Marte con un nuevo avance tecnológico. Pero una situación traumática le juega una mala pasada y es descartada en el trabajo de simulación que realizaba. Pero ella quiere ir a la expedición, por lo que trabajará por ello. 

Luego, accidentalmente conoce a Jay, un músico sin empleo que le ayuda a reparar un viejo tocadiscos. Nace en ambos una amistad que se va transformando en amor.

Nan es muy moderna, tiene lo último en tecnología, pero guarda viejos recuerdos de su madre. Jay sigue en la vieja escuela, con sistemas "antiguos". Por ejemplo, escribe en papel y con lápiz pasta, toca guitarra clásica, etc. Lo que en el 2026 es normal, en el 2056 es antiguo o kitsch.
 
Ambos manejan ciertos traumas y ansiedades. En Nan, el recuerdo de su madre, y en Jay, salir en público a cantar. Ambos trabajarán sin saberlo explícitamente, en superar esos miedos. El amor que va creciendo entre ellos se ha transformado en vital, porque eran seres solitarios. Pero aquello se torna complejo cuando Nan pasa la prueba de ir a Marte. ¿Se transformará en un amor a distancia o se terminará?

La forma cómo la directora y los guionistas nos muestran una vida futurista de Corea del Sur, es un tema interesante, ya que es una mirada bien natural y amable con el ecosistema. Las video llamadas ya son más cercanas mediante hologramas y se confunden con toda la tecnología que la hace visualmente hermosa. Mantiene una buena banda sonora y un guion que, aunque lleno de cursilería amorosa, es simple pero suficiente para entretener y conmover. Nos endulzan el momento, llevándonos por el amor honesto y simple.
 
También hace referencia a lo dolorosa que es la distancia, pero cuando hay sentimientos reales y, en especial, valor y fuerza personal, se pueden superar las barreras.

Aborda la pérdida y la superación. Sanar en base al amor. La confianza. Las buenas amistades, la familia y la esperanza; los recuerdos, arriesgarse para avanzar, y darse la oportunidad de amar.

Ficha técnica

Título original: Lost in Starlight ( coreano : 이 별에 필요한 ; RR : I byeore piryohan )
Dirigido: Han Ji-won
Guión: Kang Hyun Joo y Han Ji-won
Vices: Kim Tae-ri y Hong Kyung
Música: Park Sung Joon
96 minutos. 2025
Corea del Sur.

domingo, 4 de enero de 2026

La Empleada - Por Jackie O.

"Nada es lo que parece"


Basada en la novela homónima de Freida McFadden, nos cuenta la historia del matrimonio Winchester, que contrata a una asesora de hogar puertas adentro llamada Millie. Y vamos descubriendo que todos tienen secretos.

Millie es una convicta que está en libertad vigilada; la obligan a tener un trabajo, pero le ha ido muy mal, no tiene experiencia en nada, ya no le queda dinero y como último recurso acepta un trabajo de asesora de hogar de un matrimonio muy adinerado, los amables Nina y Andrew Winchester, y su hija, la pequeña y arisca Cecelia.
 
La cordial bienvenida que tiene en esa casa hermosa donde comenzará a vivir, es un sueño para ella y el cambio que necesita para su futuro. ¿Qué malo podría pasar?

Sí, siente curiosidad con el extraño jardinero, quien siempre está observando, pareciera que tramar algo por su actuar, pero solo es cuestión de mantenerse alejado de él. Pero resulta que la cordialidad y el calor de hogar que creía tener Millie se va desvaneciendo casi al instante. Gritos ensordecedores y silencios que erizan la piel se va tomando la casa, pero Millie debe cuidar su trabajo. En su condición, no encontrará nada más, algo pasa ahí pero la amabilidad de Andrew hace que las cosas se tranquilicen.
Hasta que descubre, a la mala, los oscuros secretos del hogar.

En esta cinta es difícil hablar sin spoilearla, por lo que mientras menos sepas de ella es mejor, para que vayas dilucidando su contenido, ya que mantiene un guión que comienza lento y pareciera que te lleva a un punto cuando en verdad terminas en otro, sorprendiendo. Lo malo es que se demora en ello, pero vale la espera, pues te lleva desde la intriga, la tensión, sensualidad y algo de humor negro.

Las actuaciones son buenas pero se destaca a Amanda Seyfried como Nina Winchester, quien le da una gran solidez a la trama. Su personaje inestable y perturbable lo hace a la perfección.
Se destaca también el maquillaje y la puesta en escena, ya que la mayor parte de la historia se desarrolla en la casa, otro personaje que debe guardar turbios secretos.

Trama que nos muestra a personas con muchos secretos oscuros, donde las apariencias son muy relevantes (en especial, mantener una linda dentadura, ¡ja!), vemos a gente falsa, las malas amistades y también los incondicionales para ayudar. La familia. El abuso de poder, la precariedad laboral. La sororidad y el amor propio.

Ficha técnica

Título original: The Housemaid
Dirección: Paul Feig
Fotografía: John Schwartzman
Montaje: Brent White
Protagonistas: Sydney Sweeney, Amanda Seyfried, Brandon Sklenar, Michele Morrone, Elizabeth Perkins, Megan Ferguson, Ellen Tamaki.
2025. 139 minutos

viernes, 2 de enero de 2026

La Empleada - Por Carlos Correa Acuña

Un thriller clásico, de esos que resultan inquietantes hasta que se descubre la encrucijada. Y acá, tarda en llegar, lo que está perfecto, pero cuando se revela el misterio, se hace bastante predecible.

La joven Millie -Sydney Sweeney- necesita trabajar. Busca una oportunidad de empleo y se juega todas las cartas en una entrevista. Es recibida en una enorme casa, lejos de la gran ciudad, por una mujer de clase alta. Para Millie, obtener el trabajo significa todo, pues al arrastrar algunos problemas que no la dejan tranquila, la única opción que le queda es ser la empleada de esta lujosa mansión.

Cuando casi pierde las esperanzas, ocurre el milagro. Le dan el trabajo, pero Millie percibe signos extraños. Nina Winchester -Amanda Seyfried-, la dueña de casa, está feliz con su llegada. Sin embargo, su marido Andrew -Brandon Sklenar- no, y tampoco la hija pequeña, una niña consentida y manipuladora.

El comienzo resulta de dulce y de agraz, porque a la mañana siguiente Nina pierde el control. Al parecer se trata de un caso psiquiátrico. Ha dejado de tomar sus medicamentos y situaciones como esta se podrían dar con más frecuencia. Dice una cosa, luego se desdice; dice otra y vuelve atrás. No hay por dónde. Hasta aquí hay suspenso y una leve amenaza de terror, pero sin decantar.

Por supuesto, viene lo que tiene que venir. Andrew se fija en Millie y viceversa. La química brota de inmediato. Pero el pasado a ella la condena. Aun así, se ve transformada en una nueva Cenicienta y pasa a tener una vida soñada. Una salida inesperada, un hotel… bueno, ustedes saben…

No más revelaciones. La idea es descubrir la trama junto a los protagonistas para no matar la curiosidad. Más que mal, ese es el centro de la película: conectar con los personajes, saber qué ocultan y cómo se resolverá cada caso.

A partir de la novela de Freida McFadden, Rebecca Sonnenshine construye un guion entretenido. Tiene secretos, misterio, intereses, celos, algo de sexo y, sobre todo, intriga. Claro, queremos saber quiénes son estas personas que se van develando muy lentamente con el correr del metraje, lo que es coronado con un giro radical que no se ve venir pero se presiente. Sin usar todo el material disponible, pues deja algo para el final, la guionista nos atrapa y nos obliga a entender qué es lo que sucede.

Bien dirigida por Paul Feig, “The Housemaid” es una película de apariencias, perversiones, abuso y locura. Plantea claramente el tema del tenerlo todo con estrictas reglas versus la libertad, algo que, al final del día, se transforma en un verdadero juego del terror. Las actuaciones de Sydney Sweeney y Amanda Seyfried resultan efectivas, cada una adoptando un papel que obliga a la otra a superarse y apostar un poco más. Sweeney maneja varias facetas, desde una angelical e inocente juventud hasta un decidido y maduro comportamiento. Seyfried, por su parte, aporta solidez a un rol mucho más adulto que transita por fases y que varía según sus diferentes tipos de personalidades. Completando el trío protagónico, Brandon Sklenar, eje entre ambas mujeres, fija muy bien su posición al no mostrar nada más allá de lo necesario, guardando más de una sorpresa para el decisivo tercio final.

“La Empleada”, en un poco más de dos horas, entrega una trama llena de oscuros secretos que nos mantendrán inquietos y expectantes. ¡Y atención! Aunque muchas secciones las podamos prever, igual no deja de sorprender el final.

Ficha técnica

Título original: The Housemaid
Año: 2025
Duración: 130 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Feigco Entertainment, Hidden Pictures, Lionsgate. Distribuidora: Lionsgate
Género: Thriller | Thriller psicológico
Guion: Rebecca Sonnenshine. Novela: Freida McFadden
Música: Theodore Shapiro
Reparto: Sydney Sweeney, Amanda Seyfried, Brandon Sklenar, Michele Morrone, Elizabeth Perkins
Dirección: Paul Feig

jueves, 1 de enero de 2026

Alien: Planeta Tierra - Por Jackie O.

"Los niños que se perdieron en nunca jamás"


Sinopsis: Una misteriosa nave espacial se estrella en la Tierra, y Wendy y un grupo heterogéneo de soldados tácticos hacen un descubrimiento fatídico que los pone cara a cara con la mayor amenaza del planeta.

“Alien: Earth” funciona como precuela situada apenas dos años antes de la película de 1979.

Es el futuro, un futuro con androides y sintéticos que conviven en sociedad. Y hay un joven millonario inteligentísimo que inventa una fórmula para no perder a los niños que mueren por alguna enfermedad: "los recupera" en cuerpos de sintéticos.

¿Juega a ser Dios o solo es un avance tecnológico?

Su favorita es Wendy, una niña a quien le dio autorización de estar al tanto de lo que hace su hermano, un médico que es, además, una buena persona. Pero cuando una nave se estrella en pleno centro, el médico Hermit va con un grupo de soldados a prestar ayuda y encuentra que dicha nave venía con un cargamento mortal de Aliens.

Ahí comienzan una lucha por sobrevivir ante estas criaturas que llegaron a la tierra, y también a la ambición de este joven millonario con la dueña del cargamento.

La serie es interesante, ideal para quienes disfrutan la ciencia ficción y más para los fans de Aliens. La puesta en escena está muy bien lograda. Los monstruos, hechos con CGI y prótesiscos, se ven muy bien.

Las actuaciones son variadas. El antagonista no convence al cien por ciento, faltó un mejor villano. Los niños en cuerpos de adultos eran realmente irritables, actuaban como los niños que son, y eran una molestia porque no siguen instrucciones, se meten en problemas innecesariamente, donde, por su culpa muere gente inocente; en resumen niños cachos.

El guion resultó interesante ya que sigue una línea en cuanto a la historia, sin perder la esencia de lo que conocemos. Pero aún así, faltó algo que la hiciera destacable, en espera de la segunda temporada y ver quién toma el mando.

Una historia de ocho capítulos que nos habla del poder, de la manipulación, de la salud mental, de alterar la naturaleza, pero también de la familia.

Dato: Si quieren verlas en orden, sería:

Prometheus (2093), ALIEN Covenat (2104), luego esta serie que se desarrolla en el año 2120, para luego pasar a la conocidísima y que fue la que abrió la puerta a este mundo: ALIEN el octavo pasajero (2122), Alien Romulus (2142), Alien el regreso (2179), Alien 3, que se desarrolla en el mismo año que la anterior, y terminamos con Alien Resurrección (2379)

Disponible en Hulu y Disney.

Ficha técnica

Protagonizada, entre otros, por Sydney Chandler, Alex Lawther, Samuel Blenkin, Essie Davis y Adarsh Gourav.
2025.
Creada por Noah Hawley
Basada en Alien de Dan O'Bannon y Ronald Shusett

miércoles, 31 de diciembre de 2025

La Empleada - Por Juan Pablo Donoso

Un relato que comienza gozoso - y casi providencial - se va convirtiendo, poco a poco, en una pesadilla sado-masoquista de la que pareciera imposible escapar.

Basada en el éxito literario The Housemaid (3,5 millones de ejemplares), el director Paul Feig (Damas en Guerra y Los Cazafantasmas) logró un drama de suspenso psicológico de lento hervor, pero con impactante final.

Un muchacha ex-convicta (Sydney Sweeney - Euphoria), cesante y muy pobre (duerme en su auto), es contratada como empleada en la fastuosa mansión de los Winchester.

La familia se reduce al marido (Brandon Sklenar), su esposa (Amanda Seyfried - Los Miserables), y una hijita de corta edad (Indiana Elle). Hay un jardinero (Michele Morrone) de torva mirada e inquietante silencio.

Nina Winchester, la dueña de casa, acoge a Millie con alegría y empalagosa cordialidad. El marido, Andrew, aunque más sobrio es también muy gentil. Solo la pequeña Cece parece arisca y conflictiva.

Todo marcha de maravillas para Millie hasta que, de pronto, la tan encantadora dueña de casa manifiesta extrañas reacciones de ira, e injusticia, sin motivo aparente.

Ante el desconcierto de la empleada, solo el patrón mantiene la calma e invita a que Millie tenga paciencia con los exabruptos bipolares de su esposa.

Pasan los días en un ambiente de elegancia, con visitantes refinadas, pero con una atmósfera perturbadora, difícil de definir, donde solo la actitud serena - y algo seductora del marido - aporta estabilidad y cordura.

Junto a la joven Millie seguimos el desarrollo del enigma y de los cada vez más atrabiliarios comportamientos. Se nos irá develando una maraña siniestra cuyo ascenso progresivo nos conducirá a la más perversa - e inesperada - pesadilla del desquicio humano.

La exitosa autora de la novela - Freida McFadden - resume su motivación como: :“… en última instancia, la historia de escapar de una trampa, es algo que siempre me ha intrigado”. Y la guionista - Rebecca Sonnenshine - se pregunta: “¿Quién no ha lidiado con un jefe tóxico o ha permanecido en un trabajo por desesperación? Todos podemos identificarnos con Millie”.

A la luz de las escritoras - y del humor negro del director - se comprende por qué ambas actrices protagónicas encarnaron con acierto vivencias que - sin duda - alguna vez experimentaron en la vida real.

ATERRADORA DEMOSTRACIÓN DE QUE NADA NI NADIE ES LO QUE PARECE.

Ficha técnica

Título Original: The Housemaid
2025 Suspenso psicológico EE.UU. - 2,11 hrs. 
Fotografía: John Schwartzman 
Edición: Brent White 
Música: Theodore Shapiro 
Diseño Prod.: Elizabeth J. Jones 
Guion: Rebecca Sonnenshine (novela de Freida McFadden) 
Actores: Sydney Sweeney, Amanda Seyfried, Brandon Sklenar
Director: Paul Feig

lunes, 29 de diciembre de 2025

Una marca para morirse: Von Dutch - Por Jackie O.

"Moda, drogas y descontrol"


Miniserie documental que narra el fascinante y turbulento ascenso y caída de la icónica marca de moda Von Dutch en los años 2000, revelando una historia de surfistas, gánsteres, traiciones y avaricia, explorando el lado oscuro de la cultura pop y la moda.

Al inicio vemos como tres hombres se autoproclaman los creadores de la marca Von Dutch. ¿Quién es el real creador? Se aclarará, o tratarán de hacerlo en tres capítulos de intensa historia, la de una marca que estuvo muy de moda en su momento y que grandes artistas e influencers de la época la hicieron enaltecer. Marca que ganó muchos millones para su equipo pero, así como marcaron récord de ventas, perdieron todo.

Por un lado está Bobby Vaughn, un mexicabo con mezcla japonesa, adoptado por norteamericanos que se crió con el bullying y eso lo hizo ser agresivo. Por eso, desde joven, menor de edad, se metió en grupos de delincuentes tipo gánster con armas y drogas. Conoció a Mark, otro mestizo que debió huir del país siendo menor de edad, acusado de asesinato. Bobby, con ese ambiente, también conoció el amor hacia una mujer y la moda. En esto último, se asoció con Michael Cassel, un reconocido mafioso del sector, odiado y temido, pero a quien, curiosamente, también le interesaba la moda.

Ahí nos señalan el momento, quién se acercó primero a lo que se conoce como Von Dutch. Pero también escuchamos a Ed Boswell, que también nos dice ser su creador, pero su historia es corta y sin sentido, no convence, pero participó, aunque su nombre al final es relevante para saber el origen de la marca.

Vemos cómo este grupo de personas tiene éxito siendo una tropa de alcohólicos y drogadictos fiesteros que gastaban todo en grandes fiestas con muchos famosos de la época. Se entrevistan a muchos de esos famosos, quienes cuentan sus vivencias con la marca, su amor y odio con ella.

Y llegamos a su último dueño, el danés Tonny Sorenson. Todos cuentan su historia, a su estilo; ellos son inocentes, engañados, los que se esforzaron. El resto esta mal.

Con entrevistas de primera fuente y muchos archivos, se hace muy interesante ver este trabajo, donde la locura por el dinero, las malas juntas, los narcotraficantes, el lavado de dinero, la muerte, el exceso sin que nadie aconseje bien, puede destruir de por vida y perder no solo cosas materiales, sino que la propia libertad mental.

En cada minuto te interesa la trama, pero no empatizas con ninguna de las personas que ahí entrevistan. Son unos drogadictos que se echan la culpa unos con otros, personas que necesitan ahora sus cinco minutos de fama ya que fueron olvidados. Gente sin ningún tipo de moral ni remordimiento (aunque griten paz)

Este trabajo mezcla historias. Tenemos a mafiosos y adictos a diferentes cosas que se pierden en la locura del dinero; la fama es una droga que no querían soltar. También sobre el alza y baja de ventas, de cómo se creó una marca muy famosa. Y también nos cuentan sobre un asesinato. Temas que hacen un interesante trabajo, pero hay mucho material que contar. Tal vez faltaron uno o dos capítulos, ya que es una locura digna de guion Hollywoodense. Deberían hacer una serie o miniserie con esta loca historia. Pero, ¿quién sería el héroe y quién el villano? O mejor que no, no vale la pena darle fama a estas personas que solo hicieron daño en su vida, y no aprovecharon algo bueno que tenían en las manos.

Disponible en Hulu.

Ficha técnica

Título original: The Curse of Von Dutch: A Brand to Die For
Duración: 174 min, en tres capítulos
Dirigida por Andrew Renzi
2021

domingo, 28 de diciembre de 2025

IT: Bienvenidos a Derry - Por Jackie O.

"Quien se va, olvida..."


En 1962, una pareja con su hijo se muda a Derry, justo cuando un niño desaparece. Con su llegada, cosas muy malas comienzan a suceder en el pueblo, pues se están cumpliendo 27 años donde habrán momentos aterradores. Y este joven soldado no sabe que fue reclutado para algo inimaginable.

Leroy Hanlon, un comandante del ejército estadounidense, es trasladado a Derry junto a su mejor amigo, el Capitán Pauly Russo. Leroy lleva a su esposa Charlotte y a su hijo Will. Este último es un niño solitario, pero se hace amigo de Rich. Por otro lado está Lilly, una niña que pasa por malos momentos y tiene de amiga a Marge. Esta última, no sabe qué hacer, ya que quiere ser popular pero también ser amiga de Lilly, pero en el colegio, ambas cosas no se pueden y debe decidir. También está la joven Ronnie, quien ayuda a su padre en el cine. Y de repente, la vida de estos cinco menores se cruzan por eventos sangrientos que comienzan a ocurrir en Derry: la desaparición de niños.

Los eventos que vemos ocurren 27 años antes de la primera película IT, llenos de misterios. Es un spin-off de las películas recientes de la franquicia. Ambientada en los años 60', comenzamos a ver los linajes, los inicios del malvado payaso y cómo juega con el universo Stephen King.
Con un excesivo uso de efectos visuales, nos remecen sus denuncias sociales, donde el ser humano es el mayor monstruo. Porque IT es grotesco, es el monstruo aterrador que devora, el que persigue y aterra, no solo físicamente, sino que juega con la mente de los habitantes de Derry. Porque Derry es otro personaje, es un pueblo que absorbe a sus habitantes. Todo se transforma cada 27 años; si no hay unión en esta sangrienta lucha, no habrá salvación.

La serie mantiene un gran diseño de producción, a veces exagerados efectos visuales. Vestuario, peluquería y maquillaje muy buenos. Las actuaciones son variadas, de las muy buenas a las que solo cumplen.

Las historias de sus protagonistas, la lucha de clases sociales, la discriminación, el bullying, la violencia intrafamiliar, el abuso de poder en una época donde el color de piel era importante, hacen del ser humano un monstruo que es capaz de cometer atrocidades que las justifican y cruelmente se aceptan. El tema de la salud mental en diferentes aristas, también se trata en esta serie, y la poca capacidad de investigar de las autoridades ante un delito; solo buscan a quien culpar y listo.

Una serie hecha para público adulto por su excesiva violencia. Y sigan preparando estómago si los directores siguen en la misma tónica visual, ya que se vienen más temporadas.

Ficha técnica

It: Welcome to Derry
2025. 8 capítulos.
protagonizada por Taylour Paige, Jovan Adepo, Chris Chalk, James Remar, Stephen Rider, Clara Stack, Amanda Christine, Mikkal Karim-Fidler, y Bill Skarsgård

viernes, 26 de diciembre de 2025

Noche de Paz, Noche de Horror - Por Carlos Correa Acuña

El slasher no es un género fácil de ver. Es más bien para fans, sin embargo, hay algunos trabajos, como este, que podrían resultar un poco más transversales.

Anunciada como un remake del filme original de 1984, que ya tenía uno el 2012, esta versión, escrita y dirigida por Mike P. Nelson, sigue la rutina que Billy -Rohan Campbell- lleva a cabo anualmente los días previos a Navidad. La película comienza mostrándonos a un Billy de niño, sufriendo un gran trauma cuando sus padres son asesinados en medio de la carretera por un atacante vestido de Santa Claus, mientras él observa todo. Luego de un brusco salto temporal, el protagonista, ya adulto y recién llegado a la ciudad de Hackett, tarda poco en iniciar su macabro cometido. Ahora él es quien se viste de Papá Noel y ejecuta a diferentes personas, una al día, para cumplir un rito que no tiene pausa ni piedad.

Teniendo clara la premisa, no es complejo adivinar lo que veremos en la siguiente hora y media. Lo que no sabemos es de qué manera se producirán los hechos y cuáles son las variaciones respecto a las anteriores entregas. Solo esas características entregan una particular cuota de suspenso a esta cinta, porque el marco dentro del que se mueve es del todo predecible.

Solo tengo un par de cosas que decir. Lo primero es que tiene bastante menos sangre que otras similares. Y no es que sea poca, pero parece más controlada. Lo segundo se refiere a las víctimas elegidas y aquí sí podría haber diferencias, pues no son al azar. Para cada una hay ciertas razones detrás que, en general, tienen que ver con algún crimen anterior. Y ojo acá, porque al querer justificar estas muertes, algo inaceptable por cierto, el guion logra sembrar un delicado manto de duda respecto al hecho de cobrar justicia por mano propia. Sobre el tema de un “Santa asesino” o una Navidad llena de horror en vez de amor, es mejor que no profundicemos.

“Silent Night, Deadly Night”, a pesar de apreciarse la mano de Mike P. Nelson, una interesante puesta en escena y actuaciones correctas, tal vez no dejará del todo felices a quienes quieran ver gran cantidad de muertes por minuto. No obstante, y tal vez gracias a lo mismo -además del título y la fecha de estreno-, la cinta pueda expandirse a una mayor audiencia que, sin prejuicios, logre tolerar mejor un importante trastoque de valores y principios.

Ficha técnica

Título original: Silent Night, Deadly Night
Año: 2025
Duración: 95 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Bear Paw Studio, BondIt, Buffalo 8 Productions, New Dimension Pictures, White Bear Films, Wonderwheel Entertainment. Distribuidora: Cineverse Entertainment
Género: Terror | Venganza. Navidad. Remake
Guion: Mike P. Nelson
Música: Blitz//Berlin
Fotografía: Nick Junkersfield
Reparto: Rohan Campbell, Ruby Modine, David Lawrence Brown, David Tomlinson, Mark Acheson
Dirección: Mike P. Nelson

domingo, 21 de diciembre de 2025

Todas las habitaciones vacías - Por Jackie O.

"La tristeza conecta"

Sinopsis: El corresponsal Steve Hartman y el fotógrafo Lou Bopp se embarcan en un proyecto de siete años para documentar las habitaciones vacías de los niños muertos en tiroteos escolares.


Steve se caracteriza en noticias optimistas, siempre con mucha esperanza, que alegran el corazón. Pero llegó un momento en que no todo es felicidad y los tiroteos en EEUU han aumentado escabrozamente cada año. Y nadie puede ignorar esto. Él como periodista no puede rehuir de la verdad, sabe que no todo es bonito en la vida y que la tristeza es parte del ser humano.

Entonces, ¿cómo podría darle esperanza a un hecho tan escabroso como la muerte de un niño?

Un desafío como periodista. Junto a su amigo fotógrafo Lou, se embarcan en esta aventura de respeto, pena y tal vez, quien sabe, exista una esperanza al final del túnel de descanso, aceptación, y avance.

Entrevistan a varios padres, es difícil entrar a esa habitaciones vacías, pero intactas muchas para presentar el olor de esos niños, padres que hacen un santuario dicha habitación. Pero saben que deben velar por sus otros hijos. No es menos difícil, para aquellos que ya no tuvieron más hijos y la pena los conecta. Esto hace que, tanto Lou como Steven, tengan una relación más estrecha con sus hijos.

Steve, reconoce que era insensible, a veces, para reportear las noticias, porque al ver tanto dolor se comienza a hacer "casi normal" lo anormal. El hacer este documental fue irreal para él Al inmiscuirse de otra forma, la empatía se toma su alma y nos conmueve.

Buen trabajo que vale ver.

Para que atesoremos la vida y valoremos a nuestros cercanos.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: All the Empty Rooms
Documental, Fotografía, Mediometraje
Dirección: Joshua Seftel
2025. 34 minutos. EEUU.

viernes, 19 de diciembre de 2025

Avatar: Fuego y Ceniza - Por Jackie O.

Un año después de asentarse en el clan Metkayina, la familia de Jake Sully y Neytiri sigue en proceso de duelo. Aparece una nueva y agresiva tribu Na'vi, el clan Mangkwan, también conocido como el Pueblo de las Cenizas, liderado por Varang, quien tiene una alianza con el archienemigo de Jake, Quaritch, y que provocará un conflicto en Pandora de consecuencias devastadoras.

Estamos ante una secuela directa de Avatar: The Way of Water (2022), lo que la convierte cronológicamente en la tercera película de la franquicia Avatar.

Avatar es una aventura cinematográfica que es un deleite visual que no estará exento de nominaciones a diferentes festivales futuros. Ya vimos Avatar 1, que fue una especie de película estilo Pocahontas, donde el soldado va a tierras extrañas como espía y termina enamorándose y quedándose en la tribu de los seres azules, desafiando la autoridad y siendo perseguido por su archienemigo, el Coronel Miles Quaritch, con peleas que van y vienen, huyendo y bajando de las nubes al océano. En Avatar 2, su archienemigo lo encuentra en este océano y vuelven a luchar, donde muertes significativas marcan a nuestros protagonistas. Ambas acentúan el tema ecológico, familiar, guerra, poder y más.

Ahora veamos qué nos trae esta nueva aventura.

La familia Sully está de luto, no es spoiler porque para ver esta estás obligado a ver las anteriores. La pena los invade y el sentimiento de culpa aún más. Quieren avanzar, pero el dolor es extremo, pero deben proteger a su hijo adoptivo, Spike, ya que su supervivencia es relevante, y ahí con ellos es imposible, por lo que deciden ir a dejarlo a la base con una caravana de vendedores voladores, quienes también necesitan protección de los piratas que puedan atacarlos.

Por supuesto que son atacados por una tribu feroz, el clan Mangkwan, encabezado por Varang, una líder sin piedad, llena de odio, forjada por el fuego. Esto genera una nueva guerra, más cuando aparece el Coronel aquel, que se alía con Varang, para derrotar a la familia Sully y a todo quien lo ayude.

Dicho lo anterior, nos cuentan la misma historia, solo cambian algunos personajes. Esto no habla muy bien de nuestros guionistas. La técnica ya se está agotando.

¿Aburre la cinta? No. Es más, esta me tuvo mas entretenida que la número dos. Debe ser porque esta nueva antagonista me cautivó más. Y no quiero que suene a una especie de feminismo forzado mi comentario, pero las mujeres son las fuertes, son el pilar de esta historia. Tanto Neytiri (Zoe Saldaña) como Varang (Oona Chaplin) son grandes actrices. Las hemos visto innumerables veces en la pantalla y no decepcionan, menos en esta interpretación. Me encantaron.

Los otros personajes, algunos bien como el Coronel (Stephen Lang), y otros que pasan sin tanta importancia, como Spike. Y me habría gustado que, entre tanto tiempo invertido en esta película, se haya profundizado más en el clan del fuego.

La banda sonora es buena y me encantó su tema central, digno de ser nominado: "Dream as One", compuesta junto a Mark Ronson y Andrew Wyatt, e interpretada por Miley Cyrus.

Visualmente es una joya, y si la ves en IMAX 3D mejor (en 4DX debe ser monstruosa), y aunque no tiene nada nuevo que no hayamos visto en las dos anteriores, las imágenes se ven hermosas.

Sus temas, como señalé, son los mismos: la colonización de un hábitat “virgen”, sobre la fe (creencias arraigadas en los personajes y que determinan sus decisiones). La parte ambiental, la caza indiscriminada de seres destruyendo la naturaleza con fines netamente comerciales. El duelo, cómo afrontarlo, cómo llevarlo, cómo sobrevivir a ello. La familia y su unión.

Y la guerra que no cesa, viendo la paz como algo tan lejano, donde cada quien debe luchar por subsistir.

En resumen, no tiene un final final, ya que da pie para otras que vienen en camino (2029 y 2031). Espero que tengan un guion diferente y no sean tan extensas.

Disfrútenla en la pantalla más grande que puedan y la recomiendo en 3D por la calidad de la imagen para la que fue desarrollada.

Ficha técnica

Avatar: Fire and Ash
2025. 197 minutos
Dirección: James Cameron