Terror en Silent Hill, Regreso al Infierno - Por Juan Pablo Donoso

Quienes vieron las precuelas 1ª y 2ª sentirán más familiaridad con las criaturas infernales de esta 3ª etapa.

Recordemos que son películas inspiradas en un homónimo videojuego sangriento, demoníaco y aterrador.

Como el primer episodio tuvo éxito comercial, continúan fabricando secuelas.

Nos limitaremos a expresar nuestra muy personal impresión de esta 3ª parte.

Lo que abundó en presupuesto, tecnología, efectos especiales, faltó en inteligencia argumental y empatía humanitaria.

Ocho países produjeron una costosa película en la que pareciera que los guionistas nunca se pusieron de acuerdo sobre el verdadero fondo de la fábula.

James regresa a Silent Hill para encontrar a Mary, su amor perdido. Pero el pequeño pueblo está distinto a sus recuerdos. Ahora es oscuro, ruinoso y deprimente. Hallará personajes que intentan disuadirlo de buscar a Mary. Mientras más la busca, peor lo pasa. ¿Esto es realidad, o un siniestro inframundo? Lejana resonancia con El Bebé de Rosemary.

Habrían logrado el horror que buscaban. Tenía elementos para ser mejor en su género.

Resultado: sensacionalismo, confusión, y efectos trillados que solo impidieron que empatizáramos con el verdadero drama de sus personajes centrales.

Creyeron que desbarajustando la edición lograrían un producto más sugerente y “artístico”. Quedó una mazamorra pretenciosa, poco agradable, llena de comportamientos sin motivación, y, un desafío al espectador para que ordenara por su cuenta las secuencias y entenderlas mejor.

Tenían elementos para elaborar una bella historia de amor que, gradualmente, se fuera transformando en pesadilla. Habría bastado seguir la línea central del argumento, dotar al protagonista masculino de una discreta dosis de paranoia, y dejar que el resto fluyera por sí mismo.

Como interpretación, lo más valioso es el desempeño de la actriz principal - Hannah Emily Anderson - quien encarna a cinco mujeres diferentes, incluyendo a 2 niñitas preadolescentes.

Para colmo, al final nos anuncian que la congoja volverá a comenzar en un próximo capítulo.

Hay público para todo. En este caso se trata de complacer por medio del desagrado, el desquicio y comportamientos gratuitos.

Para verla sin preguntarse - ¡por ningún motivo! - cuál es el propósito, ni la inteligencia, de semejantes atrocidades… después de todo es solo un “videojuego” para descargar instintos básicos de sadismo, o ansias de venganza reprimidas.

MAJAMAMA INNECESARIA PARA NARRAR UN CLARO ROMANCE DE MISTERIO, HECHICERÍA, TERROR Y LOCURA. DESPERDICIO DE DINERO Y TECNOLOGÍA.

Ficha técnica

Título Original: Return to Silent Hill

2026 Terror, hechicería 

Francia, Reino Unido, Alemania, Serbia, Japón, EE.UU., Australia, España - 1,44 hrs. 

Fotografía: Pablo Rosso 

Edición: Sebastien Prangere 

Música: Akira Yamaoka 

Diseño Prod.: Mina Buric, Jovana Mihajlovic 

Guion: Christophe Gans, Sandra Vo-Han, Hiroyuki Owaku, Keiichiro Toyama (videojuego) 

Reparto: Hannah Emily Anderson, Jeremy Irvine, Robert Strange 

Dirección: Christophe Gans

Terror en Silent Hill: regreso al infierno - Por Jackie O.

“Perdidos en la niebla”

Todo comenzó con un video juego creado por Keiichiro Toyama y publicado por Konami y su subsidiaria, Konami Digital Entertainment, en 1999. Su éxito fue enorme y siguieron, hasta que apareció la primera película el 2006; al mismo tiempo salieron libros y comics, más video juegos y otra película el 2012. Sus personajes son icónicos, no solo para los “gamers” sino en la cultura del cine.

Sí, hay que conocer el origen para entender al cien por ciento una historia que no es nueva. Nunca he jugado el videojuego Silent Hill, pero he visto sus dos películas anteriores y un par de comics para ver esta tercera entrega y entender su fondo. Así,  lo que veamos no nos sea ajeno o creamos que está fuera de contexto, para no quedar colgados de por qué aparece alguien o se dice algo, de por qué Silent Hill está oculta en esa niebla que no cesa, el origen de su ceniza constante, ese culto fanático, que cuando la alarma suena debes refugiarte, etc.

Esta tercera entrega, dicen que está basada en uno de los video juegos (Silent Hill2), por lo que los gamers están más atentos. Pero como telespectadora necesito, sea o no basado en video juego, buena calidad interpretativa y buena calidad en las imágenes. ¿Lo logra esta tercera entrega cinematográfica?

La primera señal positiva es que está el mismo director de la primera película. Ahí digo “que bien, captó mi atención”. Pero no estamos ante una continuación de las anteriores cintas, esto es un reebot, basado en uno de los juegos.

Ahora nos cuenta la historia de un hombre roto, que no asume una separación, pero una carta inesperada le devuelve esperanza y vuelve a ese pueblo del cual salió para no volver. Hay analepsias que nos llevan a entender una relación y, de a poco, ver cómo no acepta la ausencia de su amada, que va en su búsqueda a ese pueblo, que fue hermoso en su momento, lleno de vida y grata convivencia. Pero ahí está vacío, y al deambular en sus calles y en su mente lo acompañamos, ya que debe enfrentarse a diversos monstruos ya conocidos, y esperados.

Puede que la edición mal efectuada haga que, en especial quienes nunca han visto la película -y/o quienes nunca hemos jugado estos videos juegos- se pierdan en su fluidez. El guion tiene momentos tan básicos que se sienten hasta forzados, así como las actuaciones poco creíbles. El maquillaje y peluquería no se ven bien, pero rescato el vestuario. En cuanto al movimiento de cámaras, algunas tomas son muy buenas; su posición hace creer que estás en un video juego. Pero los CGI recargados en momentos, ni siquiera se pueden tomar en serio. Si fuera una comedia se entendería, tal vez, que se vea “su falsedad”. Se vería divertido, pero acá es terror psicológico y debe dar credibilidad.

No hubo tensión, salvo los típicos momentos en que se aparece repentinamente algo o alguien para hacer esos pequeños saltitos que a algunos les provocó. Reitero, hay películas que se adaptan como video juego en la pantalla y han funcionado. Acá, lamentablemente falló esa parte.

Para los gamers, ha sido un fiasco el cambio de guion, porque según ellos, le han cambiado el fondo a un gran juego con personajes a los que no se les sacó provecho, y en especial a ese purgatorio de Silent Hill, al cual transformaron en un mero escenario de terror sin la tensión que merecía.

Y como telespectadora puedo decir que ese pueblo es otro personaje, un personaje que vive y vibra y se le debe sacar un provecho que no se le dio en esta ocasión.

Lo único que rescato son los monstruos. Son icónicos y esperaba verlos nuevamente, así como algunas tomas en plano amplio donde vemos a ese pueblo perdido entre la niebla.

En cuanto al fondo, y para rescatar su historia y lo que trata de contarnos, estamos ante la obsesión de James por no soltar a Mary. Para mí es una clara referencia a las adicciones, donde sabes, a veces, los peligros que conlleva, pero no puedes evitar seguir.

Solo estamos ante una película que se quedó entre la espesa bruma.

Ficha técnica

Título original: Return to Silent Hill
Dirección y guion: Christophe Gans
Coescrita con Sandra Vo-Anh y Will Schneider
Música Akira Yamaoka
Fotografía Pablo Rosso
Montaje Sébastian Prangère
Protagonistas: Jeremy Irvine y Hannah Emily Anderson
2026. EEUU

Hamnet - Por Carlos Correa Acuña

“Hamnet” es una película de emociones contenidas y expresivas, internas y externas, que inundan la escena y traspasan la pantalla.

A partir de la novela publicada en 2020 por Maggie O’Farrell, la directora Chloé Zhao, junto con la propia autora, elabora un guion íntimo sobre el drama familiar de William Shakespeare -Paul Mescal- y su esposa Agnes -Jessie Buckley- tras perder a su hijo de solo 11 años.

La historia comienza cuando la pareja se conoce: él se dedica a enseñar y ella realiza labores diarias en el campo. El amor nace espontáneo; ambos jóvenes comienzan a soñar y a construir su familia.

El intenso verde de la apertura está cargado de un fuerte simbolismo. Un bosque cerrado, apacible, sonidos suaves y una abundante vegetación, reflejan la plenitud de una vida natural. Por lo mismo, no resulta sorpresiva la unión de dos personas provenientes de mundos tan distintos. Ambos coinciden en un momento y en un lugar especial con desbordante pasión.

Pronto viene el matrimonio y naturalmente los hijos. Primero Susanna y luego, cuando William ha debido ir a Londres para escribir y desarrollar su carrera teatral, los gemelos Hamnet y Judith. Las dificultades no disminuyen la intención de la pareja de vivir en familia. Agnes realiza esfuerzos enormes para sostener el hogar y brindar a su marido un espacio de desarrollo profesional. Pero los problemas los ahogan; la enfermedad y el posterior deceso del pequeño Hamnet marcan un punto de inflexión.

Chloé Zhao dirige un drama que conmueve donde la música juega un papel vital. Compuesta por Max Richter, la partitura no solo tiene una belleza intrínseca, sino que, además, transmite con sencillos motivos, el vasto mundo interior de los protagonistas, en especial, la esencia de Agnes. Como contrapunto, el silencio -que también es música- se torna importantísimo y es desarrollado magistralmente para generar tensión dramática, sobre todo en algunas escenas donde la ausencia de sonido provoca angustia y emoción.

Contemplativa y con ritmo cadencioso, esta película se cuela en las rendijas del alma. De pronto, nos vemos transportados a la época; vemos a William escribir, declamar, ensayar y abrumarse, al borde de tomar caminos drásticos luego de la muerte de Hamnet. Por otra parte, Agnes no logra superar la pérdida. Su semblante refleja carencias, falta de afecto, golpes duros que parecen insuperables.

¡Qué delgada es la línea que separa la felicidad de la angustia! Chloé Zhao lo sabe muy bien y lo transmite con poesía y apelando a bellas metáforas, describiendo paso a paso, un proceso que es muy complejo de expresar y retratar solo con palabras, imágenes o sonidos. Por eso cautiva, porque su carácter desgarrador no deja indiferente al espectador.

Maravillosa caracterización de Jessie Buckley para representar a Agnes. Con naturalidad, imprime a su personaje un raudal de emociones con sus gestos y miradas, las que encuentran contrapunto en la contención que construye lentamente Paul Mescal. Ambos protagonistas logran sintonizar hasta en los más mínimos detalles, al punto de encontrarse en escenas separadas, aunque siempre unidos por un hilo invisible.

“Hamnet” emociona, no solo por lo que significa perder un hijo, sino por la forma en que la cinta enfrenta ese drama. ¿Cómo se puede seguir con la vida luego de una tragedia de este tipo? Parece imposible. Las recriminaciones y el vacío deben doler como puñales clavados en el corazón. No obstante, la esperanza se abre paso gracias a la creación literaria del genio de William y la inquebrantable fe de Agnes.

Ficha técnica

Título original: Hamnet
Año: 2025
Duración: 125 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Amblin Entertainment, Amblin Partners, Book of Shadows, Hera Pictures, Neal Street Productions. Distribuidora: Universal Pictures, Focus Features
Género: Drama | Biográfico. Literatura. Maternidad. Paternidad
Guion: Maggie O'Farrell, Chloé Zhao. Novela: Maggie O'Farrell
Música: Max Richter
Fotografía: Lukasz Zal
Reparto: Jessie Buckley, Paul Mescal, Emily Watson, Joe Alwyn
Dirección: Chloé Zhao

El misterio de las siete esferas - Por Jackie O.

“Relojes sin cuerda”

Sinopsis: En Inglaterra, específicamente en la mansión Chimneys, y después de una fiesta, acontece un asesinato. Pero tras el crimen se descubrirá una extraña organización secreta que se autorepresenta como siete esferas de relojes. Y una joven es quien buscará desentrañar el asesinato y los misterios de esa organización, principalmente descubrir quién es el "número siete". ¿Estarán ellos implicados en el crimen?

Cuando nos hablan de Agatha Christie, todos saltamos de emoción, ya que ella nos trae intriga, suspenso, misterio y todos sus derivados. Además, ha habido grandes trabajos de ella llevados con éxito a la pantalla, por lo que esta miniserie nos invita a verla.

Comenzamos en 1920 con una muerte; es Lord Caterham y no sabemos por qué lo asesinan, por lo que pasamos rápidamente a cinco años después. En la mansión de la viuda Lady Caterham, todo es jolgorio, donde la política, los negocios y el amor se van mezclando en una noche de diversión. La joven Lady Eileen Brent, alias Bundle, es nuestro foco de atención. Querida y respetada por todos, inteligente, perspicaz, educada y muy amena en una la fiesta que no para, pero al día siguiente su amado Gerry aparece muerto. Fue envenenado y nadie sabe por qué. Bundle tiene una curiosidad innata, al igual que su padre: resolver situaciones que parecen extrañas, sospechosas, y si son delictuales, aún más. Acá no es cualquier crimen, es su amigo, su amado, y no descansará en averiguar quién fue quien lo mató. Difícil tarea en una época donde no existían las herramientas sofisticadas para dar con criminales, por lo que debemos deducir, cada objeto puede dar pistas, por lo que todos debemos observar agudamente.

Mientras se va acercando a más pistas, Bundle le pide ayuda a su otro mejor amigo, Ronnie, para que la ayude con lo que ha encontrado, principalmente porque el superintendente Battle la sigue a ella más que en enfocarse en la investigación. Pero a media que avanzamos, ambos se unen para investigar este delito, más cuando a Ronnie lo asesinan.

¿Qué tenían en común Gerry y Ronnie? Ambos pertenecían al mismo grupo de amigos, ambos trabajaban en el Gobierno y también eran muy cercanos a Bundle. ¿Tendrá esto que ver con la muerte ocurrida hace cinco años atrás? Pero hace cinco años no solo hubo una muerte, sino que dos, y tiene que ver con un trabajo investigativo. ¿Ambas muertes ocurridas en 1920 tendrán conexión con los asesinatos ocurridos en 1925?

En tres capítulos trataremos de dilucidar varios misterios y hechos que nos confunden: las razones de las muertes en 1920 y en 1925; quiénes son las siete esferas, qué invento es el que hay que proteger, etc.

El problema de este trabajo es que no tenemos misterio, el aura de intriga se pierde, no existe tensión, no hay un halo enigmático que nos envuelva. No encontramos motivos para inmiscuirnos y ser un detective más, porque no nos dan las pistas para ello. Pero es Agatha, es su puesta en escena bien creada la que nos mantiene fijo en la pantalla.

Esta adaptación, creo, no tuvo ingenio para contarnos los hechos. Su guion es débil en cuanto al fondo y liviano en la forma. Esto último es lo que te atrae para verla, tres horas de simpatía por sus personajes y la esperanza de que se viene algo, lo cual pudo haber tenido menos tiempo invertido para verla, donde, además, hay situaciones que quedan poco claras.

Una historia que tenía potencial y que creo lo desperdiciaron. Espero, porque creo que se viene una nueva aventura con Budle. Entiendan que, en una historia detectivesca, los espectadores debemos participar de la investigación, deben atocharnos de pistas, darnos giros inesperados y un criminal sorprendente, por lo que la esperaré, con esa esperanza.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Basado en The Seven Dials Mystery en Wikisource de Agatha Christie
Guion y Dirección: Chris Sweeney
Reparto:
Mia McKenna-Bruce como Lady Bundle Brent
Edward Bluemel como Jimmy Thesiger
Iain Glen como Lord Caterham
Martin Freeman como el superintendente Battle
Helena Bonham Carter como Lady Caterham
2026. Reino Unido

El Botín - Por Carlos Correa Acuña

Un lujo de elenco, una historia potente y un director comprometido, ingredientes perfectos para un cóctel que promete. Veamos si funciona.

Al inicio vemos la frase “inspirada en hechos reales”, y aunque el toque dramático esté presente desde un comienzo, bien sabemos que “basado” o “inspirado” no necesariamente implica que vayamos a presenciar una historia real. Sin embargo, esta producción del director Joe Carnahan sí da cuenta de elementos que sintonizan con la premisa: primero, operativos antinarcóticos que remiten al Miami de los 80; segundo, la amistad del director con un ex encargado de la policía, experto en redadas; y tercero, el decomiso, en 2016, de una enorme cantidad de dinero escondida al interior de las paredes de una casa ubicada en un barrio residencial del sur de Florida.

Vamos a la historia. La cinta parte con una muerte y su investigación. Todo es confuso y sucede rápido, hasta que el teniente Dane Dumars -Matt Damon-, quien ha recibido un soplo sobre una dirección en Hialeah donde podría encontrar una buena cantidad de dinero, decide concretar un operativo de incautación. Para llevarlo a cabo, concurre al lugar con sus compañeros detectives, JD Byrne -Ben Affleck-, Mike Ro -Steven Yeun-, Numa Baptiste -Teyana Taylor- y Lolo Salazar -Catalina Sandino Moreno-. ¿El objetivo? Registrar la casa en busca de dinero ilícito. Y ojo porque acá les dejo una clave: cuando se le pregunta cuánto dinero, Dumars le dice a cada miembro del equipo un número diferente. ¡Sospechoso! Muy sospechoso, sobre todo si tomamos en cuenta que las cifras entregadas resultan irrisorias respecto al verdadero monto involucrado, el que asciende a varios millones de dólares.

Escrita por el propio director, “El Botín” se juega en pocas horas, básicamente en una noche. El ambiente es oscuro, denso y claustrofóbico. La amenaza es importante. Mal que mal, se trata de dinero y este se protege con toda la fuerza posible. Además, enfrentar directamente a un cártel de la droga, ciertamente provocará bastante resistencia. Sin embargo, esta es solo una parte, porque ante la magnitud del dinero encontrado, las tentaciones surgen espontáneamente, sembrando desconfianza en todos y cada uno de los participantes del operativo. Y no solo en ellos.

Joe Carnahan mueve sus piezas en torno a la ética y a la corrupción en cada paso que la cinta da. Y la propuesta funciona con precisión, porque ni los protagonistas ni nosotros podemos saber quién está limpio, quién oculta cosas, quién está involucrado en temas corruptos o quién solo quiere sacar ventajas personales. Para conseguir un registro así, las actuaciones deben ser importantes. En ese aspecto, Matt Damon y Ben Affleck cumplen a cabalidad sus roles. Incluso sin brillar, su despliegue y cercanía convencen, apoyados por compañeros que hasta última hora se muestran indescifrables. Un acierto la elección del elenco, ya que entrega naturalidad a un relato de por sí enrevesado, pero que gracias a esos roles, incursiona un poco más en los aspectos humanos de los protagonistas.

Donde “El Botín” se muestra débil es en la acción. Pocas escenas, con escasa visibilidad y algo forzadas, no están a la altura del resto de la producción. Tal vez se trate del presupuesto asignado o por limitaciones de producción, pero se extraña un mejor foco y atención en aspectos que, si se incluyen expresamente, deberían ser mejor resueltos y resultar más atractivos.

En algo menos de dos horas, “The Rip” funciona. Entretiene, nos mantiene alertas y, aunque no es su principal objetivo, pone de manifiesto la importancia de la ética en el actuar de la policía. Si habitualmente decimos que la realidad supera la ficción, el desafío es aún mayor. La necesidad de mecanismos de control interno es imperiosa; todo esfuerzo en esa línea resulta vital para tratar de disminuir al máximo las posibilidades de caer en la espiral infinita de la corrupción.

Ficha técnica

Título original: The Rip
Año: 2026
Duración: 105 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Artists Equity. Distribuidora: Netflix
Género: Thriller. Acción | Policíaco. Crimen
Guion: Joe Carnahan. Historia: Michael McGrale
Música: Clinton Shorter
Fotografía: Juan Miguel Azpiroz
Reparto: Matt Damon, Ben Affleck, Steven Yeun, Teyana Taylor, Sasha Calle, Catalina Sandino Moreno, Scott Adkins, Kyle Chandler
Dirección: Joe Carnahan

Mil Golpes - Por Jackie O.

“Luchar por sobrevivir”

Sinopsis: Hezekiah y Alec, dos mejores amigos provenientes de Jamaica, luchan por sobrevivir en el East End del Londres victoriano; donde se enfrentan a Sugar Goodson, un peligroso y veterano boxeador, a las Cuarenta elefantes, y otros peligros que se van presentando.

Mil Golpes es una serie dramática histórica británica basada en las Cuarenta Elefantes, un sindicato delictivo compuesto exclusivamente por mujeres que se dedica al hurto y estafa, así como al mundo del boxeo ilegal a puño limpio en el Londres de la década de 1880. En el caso del negro Hezekiah Moscow, no estamos ante una inclusión forzada, ya que este personaje sí existió, y los negros eran subidos al cuadrilátero sin problemas, ya que eran considerados incluso algo “animales” para luchar. Pero, por supuesto, como estamos ante una serie, están modificados, como en todos, los detalles de su historia personal para así hacerlos más atractivos a la audiencia. Sugar Goodson también existió; aunque le faltaba un ojo por la viruela, acá lo vemos con sus dos ojitos bien buenos al Sr. Stephen Graham peleando a puño limpio, y muy enamorado de su compañerita de “Adolensce” Erin Doherty, acá como Mary Carr, la reina de las Elefantas, personaje también existente de la época. La pregunta es, ¿los tres coincidieron en el mismo momento? No lo sabemos, pero sí se juntaron en esta serie que ya lleva dos temporadas.

La serie nos muestra a dos amigos que vienen llegando desde Jamaica. Hezekiah está muy entusiasmado ya que lo contratarán en un circo como domador de leones, pero al ir al lugar descubre que no era ese su contrato, sino que algo peor, y no lo acepta. Deambulando por el barrio londinense junto a su amigo y buscando formas de sobrevivir, llegan a las peleas clandestinas, donde Sugar es el rey del ring. Y comienza el conflicto, dentro y fuera del cuadrilátero, con nuestro pequeño y matón protagonista, por ego no solo del ring, sino que por una mujer. Mary, una ruda mujer que no busca amor, sino dinero, es estafadora y ladrona del barrio junto a sus amigas, pero pareciera que sus ojos se han posado en el morenazo jamaiquino.

Así es la vida de estos tres personajes. Se cruzan, se mezclan, se dividen, se odian y se unen, ya que hay muchos peligros en la zona.

La serie mantiene una muy buena puesta en escena, ya que, al ser de época, hay muchos más detalles en los cuales fijarse, como el vestuario hermoso, el peinado y maquillaje muy bueno, decorados varios correctos.

El único reparo que podría hacerle es el CGI que se usa a veces en el fondo, que a pesar de verse bonito, en términos generales, es muy notorio.

Las actuaciones son muy buenas de todos, creíbles, buena química entre ellos. Hay un buen guion y edición. También destaco la introducción de la serie.

La historia está bien contada y se viene una tercera temporada.

Tenemos una historia que tiene muchas lecturas. Los protagonistas, a pesar de querer ayudar a otros, cometen muchos delitos para llegar a ese fin, lo cual no es lo correcto moralmente.

Hay violencia, ya que hay peleas dentro y fuera del ring, hurtos a la vista, policías corruptas, y mucha miseria donde se marcan muy bien los estratos sociales: hay gente muy pobre y gente muy adinerada. Hay muchas “turbiedad”.

La primera temporada termina con dolor en el alma para nuestros protagonistas. La segunda temporada se transforma su tratamiento en algo más oscuro.

Una serie del creador de la gran “Peaky Blinders”, que vale ver y está en Hulu (Disney).

Ficha técnica

Título original: A Thousand Blows
12 capítulos en total
Creador: Steven Knight
Protagonistas: Erin Doherty, Malaquías Kirby, Francis Lovehall, James Nelson-Joyce, Jason Tobin, Darci Shaw, Hannah Walters, Morgan Hilaire
2025 - 2026
Música: Federico Jusid y Adrian Foulkes

Valor Sentimental - Por Juan Pablo Donoso

Obra tan excelsa de Reconciliación que se nos filtra de a poco bajo la piel.

Historia de una familia noruega que - gracias al Arte Dramático - consigue madurar en AMOR, PERDÓN y SABIDURÍA. Narrada desde el interior de cada uno de sus integrantes.

Nos emociona sin recurrir al melodrama. Lo logra solo con las actuaciones, el ritmo, los silencios, la música, el color de las paredes, y la naturaleza circundante de la vieja casona familiar.

Nadie sobra ni falta. Hasta los personajes más tenues y efímeros contribuyen al telón de fondo del relato general.

Cuando muere la madre, Gustav Borg (Stellan Skarsgård), un director de cine maduro, vuelve al hogar después de mucho tiempo, y debe enfrentarse al resentimiento de sus dos hijas - Nora y Agnes - ahora adultas, a quienes abandonó en el pasado.

Aprovecha la ocasión para solicitar a su hija mayor Nora (admirable Renate Reinsve) - talentosa actriz teatral - que interprete el rol protagónico del proyecto más personal - y tal vez último - de su carrera cinematográfica.

Ante la rotunda negativa de Nora, Gustav debe contratar a Rachel (Elle Fanning) - una consagrada estrella estadounidense - para iniciar, ahí mismo, los ensayos del filme.

Tanto Joachim Trier, como el guionista Eskil Vogt, abordan con delicadeza las tensiones entre el arte y la intimidad. Permiten que las contradicciones se ajusten por sí mismas en lugar de forzar conclusiones.

Ambos creadores optan por la conversación a la confrontación, por los agravios expresados a medias, por los afectos encapsulados, y los incómodos silencios entre sus miembros.

¡Cuánta maduración interna del guion y fineza de emociones para llegar al “valor de los sentimientos”!

Destacamos la evolución de Agnes, la hermana menor, casada y con un hijito, que comienza con bajo perfil para ir creciendo a medida que avanza el relato, y culminar con una escena de magistral confrontación afectiva entre las dos hermanas. Recién ahí se nos revela el impactante talento de la joven Inga Ibsdotter Lilleaas. Tan profunda, e inefable, relación fraterna solo la habíamos visto en filmes de Ingmar Bergman.

¡Cuánta intuición femenina por parte de Rachel (Elle Fanning) para captar la verdad más profunda de lo que se gestaba en las entretelas familiares del filme que estaban preparando!

Luminosa premonición futurista gracias a la existencia de Erik, el pequeño hijo de Agnes.

¡Cuán lejos del intelecto está la intuición espontánea que brota con la Poesía Existencial!

Este filme nos demuestra cómo, por medio del Arte, se logra evadir la “desesperanza” de Nora, abriendo las compuertas del alma para descubrir el milagro de la Redención por medio del Amor!

NOS DEJA CON EL CORAZÓN APRETADO SIN SABER SI ES DE PENA, ALEGRÍA, O POR LA SUMA DE INDEFINIBLES EMOCIONES. UN FILME EXTRAORDINARIO.

Ficha técnica

Título original: Affeksjonsverdi

2025 Drama psicológico/familiar, arte dramático Noruega - 2,13 hrs. 

Fotografía: Kasper Tuxen 

Edición: Olivier Bugge Coutté 

Música: Hania Rani 

Diseño Prod.: Jørgen Stangebye Larsen

Guion: Eskil Vogt, Joachim Trier 

Actores: Renate Reinsve, Stellan Skarsgård, Inga Ibsdotter Lilleaas 

Director: Joachim Trier

Premios: Círculo de Críticos de Arte de Chile - Globos de Oro (8 nominaciones) - Festival de Cannes (Gran Premio del Jurado) - Cine Europeo (EFA)(8 nominaciones) - Festival de Toronto (TIFF)(Mejor Film Internacional) - Festival de Sevilla (Premio Puerta América)

La única opción - Por Jackie O.

¿El fin justifica los medios?

Sinopsis: Yoo Man-Su es un empleado muy competente en fabricación de papel, con veinticinco años de experiencia. Pasa sus días felizmente con su esposa Mi-ri, sus dos hijos y sus dos perros, hasta que un día, de repente, su empresa le informa de que lo han despedido.

¿Qué pasa ante esta terrible y repentina noticia?

Inspirada en la novela “The Ax” de Donald E. Westlake, que ya fue llevada a la pantalla por el gran Costa-Gavras, en “Le couperet” 2005 (muy recomendada). Park Chan-Wook trae nuevamente a colación la historia, a su estilo.

Quedar sin trabajo de un día para otro, luego de dar casi una vida en el trabajo sin reclamos, y con mucha dedicación, es algo que nadie quiere. Pero eso le pasa a Yoo ManSu. Tenía la vida que siempre quiso, la vida que muchos quieren. Ahora, debe buscar un nuevo empleo porque la vida sigue, las deudas suman, ya que su estilo de vida acomodado lo obliga. Él se da un plazo de tres meses para encontrar un nuevo empleo, pero la vida le da otro golpe, no encuentra trabajo y pasa un año así. Su jardín verde y frondoso se opaca y marchita, sus dos hermosos perros deben ser entregados a su suegro, ya que no se les puede dar el cuidado que merecen, las clases de tenis de su mujer deben ser canceladas, y así suman y siguen los cambios al hogar; las precariedades aparecen. Su esposa lo entiende y apoya, los niños tratan, dentro de su ingenuidad y pena, aceptar las nuevas condiciones, pero Yoo ManSu no; es desesperante, más cuando está cansado de ir y venir de entrevistas de trabajo.

Pero en su última entrevista se humilla y lo humillan. Eso hace en él tomar una drástica decisión: si no hay trabajo para él, no lo hay para nadie y, peor aún, se empeña en un trabajo, pero se deshará de la competencia. Ya no aguanta más.

El director nos muestra una realidad que es un gran drama, exhibiéndolo con humor negro y sátira social.

No estamos ante la mejor película del director, o la nueva “Parásitos” como algunos señalan, pero sí estamos ante una gran película con un nivel técnico muy bueno en diferentes aspectos.

La historia trata de un hombre que pierde su empleo de la noche a la mañana, y la incapacidad de tener otro empleo, ya que, a pesar de intentarlo, quiere volver a la industria del papel. Eso nos hace preguntarnos: ¿somos capaces de desempeñar otros trabajos, o creemos que no podemos hacer nada diferente? y/o, ¿es cómodo hacer lo mismo? También trata del capitalismo, donde hay que automatizar la producción, de las inseguridades personales, de cómo afrontar la pérdida laboral y la capacidad de reinventarse (si es que la tenemos).

Tenemos a un hombre bueno en todos los aspectos, buen ciudadano, buen padre de familia, que aceptó a su esposa con un hijo, formó una linda familia y ama y respeta a sus hijos y a su esposa. Tiene pensamientos nobles, como proveer a su familia, pero, como hemos visto en otras películas, las circunstancias de la vida, en especial las situaciones catastróficas ambientales, obligan a que las personas se adapten a un nuevo estilo, generando cambios radicales y anti valóricos. En este caso, ¿el querer un trabajo específico, justifica los actos terribles que realiza Yoo ManSu?

También vemos una contrariedad de nuestro protagonista entre su amor por la vegetación, tener árboles, bonsái y amar su verde hobby y la contaminación y desforestación que efectúa su querido trabajo. “La última opción” o “no tener otra opción” es algo más bien hueco en la vida de ManSu; la vida le puede mostrar otras opciones, simplemente él no las quiere ver. Y su familia (esposa) también termina haciendo vista gorda del tema y aceptando las malas decisiones de su esposo, ya que ella también estaría dispuesta, y lo está al final, a mantener a toda costa su familia. La frase “no hay más opción” la vemos en cada acción realizada por los partícipes de la historia: la empresa no tiene más opción de despedir al protagonista; ManSu no tiene más opciones que eliminar a su competencia; y la esposa no tiene más opción que aceptar lo que realiza su esposo.

¿Efectivamente no existen opciones en nuestra vida?, o ¿nuestro orgullo a pedir ayuda es mayor?

Muchos simbolismos y la exageración de las presentaciones, hacen un guion memorable. Con actuaciones perfectas, música acorde, edición correcta y una dirección de lujo, como nos tiene acostumbrados este reconocido director, es totalmente digna de las nominaciones y premios recibidos.

Ficha técnica

Director: Chan-Wook Park
Cinematografía: Kim Woo-hyung
Duración: 2h 19m
Protagonistas: Lee Byung-hun; Son Ye-jin; Park Hee-soon; Lee Sung-min; Yeom Hye-ran; Cha Seung-won.
Corea del Sur. 2025.

La única opción - Por Juan Pablo Donoso

Tragicomedia de humor negro sobre un hombre que se las ingenia para recuperar - a toda costa - su trabajo y el bienestar de su familia.

Adaptación surcoreana de la novela El Hacha, de Donald E. Westlake, previamente llevada al cine por Costa-Gavras (Le Couperet, 2005).

“Si no hay una vacante para mí, tendré que crearla como sea”, promete.

Una historia brutal para tiempos difíciles, impregnada de humor corrosivo y contada con el estilo propio de Park Chan- wook (La Doncella, 2016 - Cinco Días para Vengarse, 2003).

Sátira oscura, a menudo con chascos, que combina la ansiedad económica, el dilema moral y el talento de Park, y guionistas, para mantenernos intrigados.

Obra finamente cínica que deviene en locura y obsesión. Una de las mejores obras de este realizador hasta la fecha, con un brillante protagonismo de Lee Byung-hun.

Quien tema perder su trabajo en el mundo corporativo actual, comprenderá la angustia de Man-su, y se sentirá tentado a tomar perversas decisiones.

Sintoniza con tantas personas en principio “buenas” que, dadas las circunstancias, sucumben al instinto de la crueldad.

Para algunos espectadores tarda demasiado en llegar al final. Tal vez pudo decir lo mismo en 90 minutos. La extensión podría atenuar el impacto emotivo de la historia. Sin embargo, si recordamos su origen oriental, y el minucioso tejido de la trama, se justificaría la duración de dos horas y media.

Cuando el humor se vuelve oscuro resulta efectivo, particularmente en la desfachatez final de la historia.

Es divertida, triste, conmovedora y nos deja pensando. En especial porque nos hace solidarizar con la amoralidad de la resolución.

UN RELATO OSCURO, MORDAZ Y MUY CONTEMPORÁNEO SOBRE CESANTÍA, DIGNIDAD Y SUPERVIVENCIA. SÁTIRA AMORAL MUY ENTRETENIDA Y BIEN REALIZADA.

Estrenada en el Festival de Venecia 2025: nominaciones a Mejor Película, Comedia , Mejor Película en Lengua No Inglesa y Mejor Actor para Lee Byung -hun.

Ficha técnica

Título Original: Eojjeolsuga Eobsda

2025 Tragicomedia negra, sátira social 

Corea del Sur - 2,19 hrs. 

Fotografía: Kim Woo-hyung 

Edición: Kim Ho-bin, Kim Sang-beom 

Música: Cho Young-wuk 

Diseño Prod.: Ryu Seong-hie 

Guion: Park Chan-wook, Lee Kyoung-mi, Don McKellar, Jahye Lee, Donald E. Westlake (novela The Ax). 

Actores: Cha Seung won, Lee Byung-hun, Lee Sung-min 

Director: Park Chan-Wook

Valor Sentimental - Por Jackie O.

“Cómo el pasado sigue atormentando el presente”

Sinopsis: Tras la muerte de su madre, las hermanas Nora y Agnes se reencuentran con su distanciado padre, Gustav Borg, un veterano director de cine de renombre, que le ofrece a su hija Nora, actriz de teatro, un papel en su próxima película. Nora lo rechaza y pronto descubre que le ha dado ese papel a una joven y entusiasta estrella de Hollywood, Rachel. De repente, las dos hermanas deben sortear su complicada relación con su padre y lidiar con una actriz estadounidense que se encuentra en medio de su compleja dinámica familiar.

De la breve filmografía del director Danés Joachim Trier, la cual aborda dramas íntimos y universales como, relaciones familiares y la búsqueda de identidad, entre otros, no decepciona (recomendadísima “La peor persona del mundo”, con la misma actriz protagónica), por lo que con gran expectativa esperé esta nueva propuesta.

Una familia está compuesta por dilemas de todo tipo, y el tema es cómo enfrentarlos sin que nadie salga lastimado. Más que mal es la familia y todo debe estar bien, pero ¿qué pasa cuando no es así? No se puede esconder, y si se esconde, cómo se vive el sufrimiento en silencio. ¿Se sigue adelante, se avanza, se olvida, se sufre?

La cinta nos presenta a una familia que está recién padeciendo la muerte de la matriarca, quien se separó hace años de su cónyuge, quien fue un padre ausente de sus dos hijas ya que optó por priorizar su carrera. Él se presenta, aparece ante sus hijas, las cuales tienen sentimientos encontrados. Una de ellas, Agnes, quien pudo haber sido actriz y tomó otro rumbo en su vida, lo toma relativamente bien; pero Nora, quien siguió curiosamente los pasos de su padre en las tablas, está con rencor.

Pero su padre viene con una propuesta. Ha escrito un guion que fue hecho para Nora; ella lo rechaza, no quiere nada con él. Él no se complica y se lo da a una joven actriz, pero aparecen algunos problemas, tanto de él como de la actriz en la elaboración del rol.

La estructura de la cinta está increíblemente bien elaborada con su toque reflexivo, donde retrata las complejidades de las relaciones familiares. Aborda temas con sensibilidad y sutileza, donde nos lleva a los traumas que se experimentan en cuanto al abandono. La película nos lleva por un vaivén de emociones, y su lentitud favorece la historia, la atmósfera y el análisis de las emociones.

Las imágenes y su silencio nos cuentan la historia. Hay un inteligente uso del lenguaje cinematográfico, que establece paralelismos entre una historia del pasado y una que se desarrolla en el presente, con sus personajes y esa casa; esa casa que tiene todos los recuerdos y grietas del paso de tiempo, que pasa a ser otro personaje muy importante en la trama.

¿Cómo los traumas del pasado afectan nuestro presente? Mucho, más si se vive en silencio sin ayuda. ¿Cómo reparar el daño Causado? ¿Cómo olvidar, cómo perdonar y perdonarnos para seguir adelante? ¿Cómo dejar la vanidad de lado y confrontar la realidad?

Es una reflexión sutil y equilibrada sobre las relaciones familiares, en un cine dentro del cine.

Las actuaciones son geniales, cada uno en su rol bien representado. La fotografía y puesta en escena es cuidadosamente tratada; habla por sí misma. Esa es la lentitud que tal vez a muchos no les guste, la lentitud de la reflexión, del observar.

Con varias nominaciones y premios a su haber, vale verla con calma. La disfrutarán porque es un cine de emociones.

Joachim Trier, pasó a la nómina de mejores directores del momento.

Ficha técnica

Título original: Affeksjonsverdi (Sentimental Value)
Dirección : Joachim Trier
Guion Eskil Vogt y Joachim Trier
Música Hania Rani
Fotografía Kasper Tuxen
Montaje Olivier Bugge Coutté
Protagonistas: Renate Reinsve, Inga Ibsdotter Lilleaas, Stellan Skarsgård, Elle Fanning, Cory Michael Smith
135 minutos. 2025.

La única opción - Por Carlos Correa Acuña

La música juega un papel fundamental en esta película. Podríamos decir que es un personaje más. Y no solo se trata de los primeros compases del segundo movimiento del Concierto para Piano No.23 de W.A. Mozart, con los que la cinta arranca. La hija del protagonista toca violoncello, por eso los sonidos inundan hasta los poros de esta familia que parece tenerlo todo hasta que una inesperada crisis irrumpe en su casa.

Man-su -Lee Byung-hun- es un empleado que lleva 25 años trabajando en la empresa de fabricación de papel Solar Paper. Con un muy buen salario, ha logrado comprar su casa de infancia, y vive feliz con su esposa Mi-ri, su hijastro adolescente Si-one, su pequeña hija Ri-one y sus dos perros. Sin embargo, la empresa se vende a capitales estadounidenses y proceden a despedir a muchos empleados, incluido nuestro protagonista. Ahora, sin trabajo y después de infructuosas gestiones, entrevistas e incluso humillaciones, debe tomar una decisión: si no existe una vacante de trabajo para él, entonces lo que tiene que hacer es crear una, a como dé lugar, aunque aquello implique eliminar su competencia directa.

Coescrita, producida y dirigida por Park Chan-wook, y basada en “The Ax” de Donald Westlake -llevada al cine anteriormente por el cineasta Costa-Gavras en 2005-, esta cinta entra de lleno a la problemática de perder el empleo y no poder recuperarlo oportunamente. Man-su siente que su vida es soñada, pero en un abrir y cerrar de ojos, el mundo se desvanece. Aunque no se queda de brazos cruzados, las posibilidades que tiene son cada vez más reducidas, sobre todo por su nivel de experticia, en un mundo laboral cada vez más sofisticado.

El golpe es brutal. Man-su lo resiente y su familia carga con las consecuencias. Deben reducirse, ahorrar, vender bienes e incluso desprenderse temporalmente de sus mascotas para aliviar los gastos. En ese momento hace perfecto sentido el título de la película, pues esa “única opción” que le queda es abrirse paso anulando todos los obstáculos habidos y por haber. En ese instante, la cinta adquiere un tono oscuro, sin dejar de lado la comedia negra, y en forma lineal va dando cuenta de las andanzas que emprende Man-su para descartar a sus principales rivales.

Park Chan-wook plantea con fuerza el problema moral que enfrenta el protagonista. Y acá hay varias lecturas, desde las superficiales a las profundas, y nos entrega la facultad de sumergirnos con mayor o menor intensidad en cada una de ellas. El ejercicio no deja de ser interesante y desafiante, pero la cinta baja paulatinamente el ritmo dando paso a situaciones donde la contemplación de los hechos y las cavilaciones del protagonista disminuyen la tensión y diluyen la atención del espectador.

Mencionaba al inicio la música. Casi al final, vuelve el Concierto No.23, como si fuera algo circular, pero se intensifica la partitura de cello interpretada por Ri-one, la hija de Man-su. Los sonidos de "Le Badinage" de Marin Marais, se hacen cada vez más presentes, tal vez como algo premonitorio, una suerte de sueño de una vida mejor.

“No Other Choice”, con actuaciones sólidas de un elenco muy bien escogido, funciona bien como crítica punzante al capitalismo salvaje y sus costos colaterales. Nadie está libre de pasar por algo como lo descrito, sin embargo poner de manifiesto una opción claramente amoral, fuera de ser disruptivo, tiene el peso de ser una provocación sustantiva. Muchas de las capas de la película no se logran cerrar, quedan en nuestra retina. Lo mismo que su final, que puede ser analizado y juzgado desde múltiples perspectivas.

Trabajo interesante, que invita a la reflexión -y tal vez a ver a ver nuevamente- para poder captar todos los puntos que conforman su esencia.

Ficha técnica

Título original: No Other Choice
Año: 2025
Duración: 139 minutos
País: Corea del Sur
Compañías: Moho Films, CJ Entertainment
Género: Thriller. Comedia. Drama | Crimen. Familia. Comedia negra. Trabajo/empleo
Guion: Park Chan-wook, Don McKellar, Lee Kyoung-mi, Jahye Lee. Novela: Donald E. Westlake
Música: Jo Yeong-wook
Reparto: Lee Byung-hun, Son Ye-jin, Park Hee-soon, Lee Sung-min ,Yeom Hye-ran, Cha Seung-won
Dirección: Park Chan-wook

Valor Sentimental - Por Carlos Correa Acuña

¡Qué introducción! Cada detalle en su lugar y una perspectiva con personaje central: la entrañable casa familiar.

Con la “Sinfonía Fantástica” de Berlioz de fondo, observamos a Nora Borg -Renate Reinsve-, una joven actriz que hace frente a sus demonios. Sufre parálisis teatral; intenta despegar y no puede, sin embargo, cuando se repone consigue un éxito rotundo. Su hermana, Agnes -Inga Ibsdotter Lilleaas-, parece ser la otra cara de la moneda. Ella es una mujer tranquila, con un matrimonio estable. Cría a un hijo pequeño, tan travieso como inquieto.

El escenario de estas hermanas se modifica radicalmente al morir su madre. De manera imprevista regresa su padre, Gustav Borg -Stellan Skarsgård-, un célebre director de cine que lleva años alejado de sus hijas sin dar señales de vida. En ese momento, la casa cobra todavía más protagonismo, no solo por los ritos fúnebres, sino porque el refugio ha sido mudo testigo de varias generaciones y tal parece que el ciclo familiar estaría llegando a su fin.

La visita de Gustav no solo es personal. Transcurridos quince años desde su última película, tiene en sus manos un nuevo proyecto fílmico que retrata una intimidad familiar, la propia, la de su familia. Por eso, desea que Nora sea la protagonista, se lo propone directamente, pero ella, en forma tajante, lo rechaza. Como Gustav está decidido a concretar la película, recurre a Rachel Kemp -Elle Fanning-, una exitosa actriz norteamericana con la que coincide en un reconocido festival.

El director Joachim Trier construye un relato profundo y melancólico sobre la vida. Con personajes delineados, claros e intrigantes, aborda varias décadas de emociones y frustraciones familiares. Tenemos historias paralelas, cada una con sus propios detalles y líneas: la del director, la de sus dos hijas (juntas y separadas) y la de la promisoria actriz, oportuna protagonista de su filme. Pero eso no es todo, también está presente la industria del cine (y un guiño a Netflix como productora omnipresente), además de varias otras aristas sobre el proceso de confección cinematográfica.

Trier se apoya en múltiples elementos para narrar esta historia. El más claro es la casa, pero no es solo su estructura física ya que le entrega un significado aún mayor, de permanencia, de base, de solidez. Surge de inmediato, y casi sin advertirlo, ese contraste respecto a su familia. Y eso duele. La relación se encuentra dañada; quebrada.

“Los personajes son para no ser uno mismo”, parece una frase suelta, pero cuando se trata de narrar la vida, la propia, ¿dónde está el límite? Las relaciones pasan a ser, entonces, lo más importante. Sin embargo, acá están rotas y casi no existen. Se deben limpiar, rehacer, reconstruir. O tal vez elaborar algo nuevo, dejando de lado las recriminaciones y centrándose en el arrepentimiento verdadero. ¡Qué ardua y difícil tarea!

Joachim Trier reflexiona sobre la vida cruzando innumerables ámbitos. Y la expone con mucho nervio, en forma artística, abarcando dimensiones que se tornan difusas con el correr del metraje. Su estilo constituye un modo de expresar intimidad que, en ocasiones, genera pudor por sentirse viendo algo tremendamente reservado. La tristeza inunda el espacio. Lo que no resuelto ahoga. ¿Y el futuro? No existe. Únicamente tenemos el presente y el pasado. Nada más.

Trier ahonda todavía más en el daño causado por relaciones familiares mal llevadas. La sensación es de incomodidad permanente, una dolorosa lejanía cuya sanación solo puede ser producto de la honestidad y de la valentía para reconocer acciones, omisiones y, naturalmente, los errores.

“Valor Sentimental” es una película que posee muchísimas capas, a las que podemos llegar desde muchas vertientes. Cada cuadro, cada toma, cada silencio está dispuesto con delicadeza extrema. Cada corte y cada detalle confeccionado con sutileza, sin nada al azar, ubicado donde corresponde, con gran sintonía. ¡Y qué decir de su música! Espléndida.

Una escena particular produce un cambio fundamental. Se trata del encuentro entre las dos hermanas con el guion de la película como elemento central. Tras años de caminos divergentes, se reencuentran. Surge acá un punto de inflexión, en este cambio, en esta transformación.

En algo más de dos horas, Joachim Trier nos brinda una mirada personal y profunda al interior de los sentimientos de sus protagonistas. Son mucho más importantes los silencios, las miradas y lo que no se dice, que aquello que está expresamente dibujado en pantalla a través de imágenes y textos.

No en vano se dice que las crisis son oportunidades. Identificarlas es, tal vez, la mayor dificultad, porque significa admitir vulnerabilidad, pero ese reconocimiento es absolutamente necesario para renovar, rehacer y recomponer lo esencial: nuestros vínculos emocionales y, tal como señala el título, su valor sentimental.

¡Imperdible!

Ficha técnica

Título original: Sentimental Value
Año: 2025
Duración: 135 minutos
País: Noruega
Compañías: Coproducción Noruega-Francia-Dinamarca-Alemania-Reino Unido; MER Film, Eye Eye Pictures, Lumen Production, Komplizen Film, BBC Film, Zentropa Productions, MK2 Productions
Género: Drama | Familia. Cine dentro del cine
Guion: Joachim Trier, Eskil Vogt
Música: Hania Rani
Fotografía: Kasper Tuxen
Reparto: Renate Reinsve, Stellan Skarsgård, Inga Ibsdotter Lilleaas, Elle Fanning
Dirección: Joachim Trier

Él y Ella - Por Jackie O.

“¿Una carta de amor?”

Basada en la novela de la escritora, productora y periodista Alice Feeney, His & Hers (2020), la que fue su tercera novela, se adapta a esta miniserie que puedes disfrutar en seis capítulos.

En el pueblo de Dahlonega, comienzan a suceder crímenes donde pasan todos a ser sospechosos.

A cargo de dicha investigación queda el detective Jack Harper, junto a su colega Priya. En escena aparece Anna, una periodista que cubre el hecho. Ella se crió en dicho pueblo, pero se había ido del lugar después de un hecho traumático vivido y que le significó separarse de su marido, el detective Jack. Ahora, ambos se ven por primera vez después de un año, y tanto él como ella, conocían a la víctima.

Posteriormente aparece otro cuerpo sin vida, y curiosamente también conocida por ambos. Las muertes están ligadas a la vida de ellos, por lo que Anna sospecha de Jack y Jack de Anna, hasta que van apareciendo otros posibles sospechosos, ya que en este pueblo chico, varios, al parecer, tenían razones para haber asesinado a las víctimas.

Estamos ante una miniserie que juega con las especulaciones, pueblo chico con gente que tiene secretos, cercanía con las víctimas, culpas o traumas sin resolver, etc. Cada gesto nos hace dudar y nos hace crear nuestras propias conclusiones. Tenemos a personas con moral cuestionable y, principalmente, con problemas que no resuelven por alguna razón, por lo que el silencio pasa a ser la forma más cómoda de supervivencia.

Nuestros protagonistas, Tessa Thompson y Jon Bernthal, ambos chicos Marvel y con un currículum extenso, nos llevan por esta travesía psicológica, donde las culpas entre uno y otro no cesan sin reparar en sus propios problemas y faltas, acompañados de secundarios que también nos hacen dudar. Todos mienten, todos ocultan cosas, por lo que su guion, más bien va por un tema más moral que narrativo, y esto, tal vez, pueda generar divisiones en la audiencia.

Tenemos a personajes con rabia, con sed de venganza, muchos engaños, traumados, inescrupulosos y te preguntas: ¿en quién puedo confiar? Además, los prejuicios que se tienen respecto de otros juegan una mala pasada.

“Él y Ella”, maneja bien la intriga, aunque con cierta montaña rusa en su guion en previsibilidad o poca consistencia, y hace una buena entretención. Con buenas actuaciones y un final que te hará cuestionar qué es hacer lo correcto.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Creador: William Oldroyd
Protagonistas: Jon Bernthal, Tessa Thompson, Pablo Schreiber, Marin Ireland, Sunita Mani, Rebecca Rittenhouse, Crystal Fox, Chris Bauer, Poppy Liu.
2026. EEUU.

Fue solo un accidente - Por Carlos Correa Acuña

Un auto con tres ocupantes circula por la carretera. Es de noche. Chocan con un perro. Lo matan. El coche queda averiado y necesita reparación. Les prestan ayuda en un taller cercano.

Lo que parece ser un incidente menor se transforma en el corazón de este relato, pues Vahid -Vahid Mobasseri-, mecánico del taller, percibe algo que le resulta extraño pero difícil de olvidar. Se trata del sonido seco producido por una prótesis que solo puede corresponder a quien, tiempo atrás, fue su carcelero y torturador. Inseguro, se oculta y lo sigue hasta su casa. ¿Será efectivamente Eghbal -Ebrahim Azizi-, ese implacable agente del régimen que le hizo tanto daño y castró su vida?

Escrita y dirigida con maestría por Jafar Panahi, esta cinta establece con claridad el conflicto en menos de veinte minutos. Y no es un nudo cualquiera. Estamos ante un problema moral, donde la duda se transforma en lo esencial.

Vahid no está completamente seguro de que se trate de Eghbal, y es por eso que no concreta su improvisado plan y decide pedir ayuda. En el fondo, no sabe qué hacer, y tampoco quiere ejecutar lo que le nace: cobrar venganza. Lo que busca, en realidad, son certezas. Sin embargo, sus ex compañeros de reclusión, enfrentados a la evidencia, tampoco las tienen. ¿Y si fuera un error, una desafortunada coincidencia? TTodos se postergan y, ante la duda, se abstienen.

Mientras la tensión sube y buscan despejar la incógnita, Jafar Panahi nos sumerge en el contexto, mostrando la cultura iraní, sus calles, su gente y su forma de proceder. Sabemos que el director no tiene permiso para filmar en su tierra natal, sin embargo, lo realiza de todos modos, a pesar de haber estado encarcelado y ser una persona non grata para este régimen islámico teocrático que gobierna la nación.

El conflicto moral sube de tono. ¿Se combate la violencia con más violencia? ¿La venganza es un camino posible hacia la justicia? La situación se torna dramática, pero Panahi introduce con habilidad toques de humor negro que podrían parecer ridículos bajo algunas circunstancias, pero que, providencialmente, acá logran alivianar el registro.

El recuerdo de las torturas sigue vivo. Se necesita justicia. Pero ¿realmente vale todo? Se trata de un sistema perverso. Sin embargo, sin la mínima humanidad, cualquier acto pierde sentido. La tensión aumenta. Los personajes se tornan más densos. Aflora con más fuerza el dolor. Ni siquiera es posible pensar en el perdón.

Ante un escenario tan complejo, ¿es posible apelar a la razón y a la cordura? Las dudas persisten y se agigantan cada vez más, pero también transforman a las personas. Tal vez, esa es la clave. El diálogo final es sobrecogedor, tan notable como su cierre de antología, el que, solo mediante el sonido, logra detener la respiración del protagonista y también la nuestra, como espectadores.

Con actuaciones naturales y una impecable dirección de arte, “Fue solo un accidente” destaca por sus sutilezas: iluminación inquietante, un sonido prístino y una cámara que se transforma en nuestros ojos. Jafar Panahi sabe perfectamente cómo involucrarnos, y emocionarnos. Nos regala un drama de resolución incierta que en todo momento pone a prueba nuestros valores fundamentales.

¡Notable!

Ficha técnica

Título original: It Was Just an Accident
Año: 2025
Duración: 105 minutos
País: Irán
Compañías: Coproducción Irán-Francia-Luxemburgo; Les Films Pelléas, Bidibul Productions, Jafar Panahi Film Productions, Pio & Co, arte France Cinéma
Género: Thriller. Drama
Guion: Jafar Panahi
Reparto: Ebrahim Azizi, Madjid Panahi, Vahid Mobasseri, Mariam Afshari, Hadis Pakbaten, Delmaz Najafi, George Hashemzadeh
Fotografía: Amin Jaferi
Dirección: Jafar Panahi

El Beso de la Mujer Araña - Por Carlos Correa Acuña

No tengo especial afinidad con los musicales pero aquí hay dos razones para ver este trabajo: las canciones y, por supuesto, Jennifer Lopez.

Es una novela la que da origen a la historia. Escrita en 1976 por Manuel Puig, fue llevada al cine en 1985 y adaptada como musical teatral en 1992. Sobre este último está inspirada esta película que, como buen exponente de su género, privilegia por sobre todo la música y las coreografías.

En plena dictadura militar argentina, Valentín Arregui -Diego Luna-, es tomado prisionero y llevado a una oscura prisión. Su compañero de celda resulta ser Luis Molina -Tonatiuh-, un modisto homosexual que ha sido apresado por participar en un incidente callejero. Con personalidades opuestas, Arregui introvertido, y Molina, extremadamente locuaz, ambos reos chocan de inmediato. Pero no solo son sus personalidades, también tienen secretos: Arregui posee información vital sobre la resistencia y Molina tiene presión del alcaide para obtenerla.

¿Y Jennifer Lopez? Ella interpreta a Ingrid Luna, la protagonista del musical de Hollywood favorito de Molina, “El beso de la mujer araña”, y que es, prácticamente, su razón de ser. Y es perfecto, porque el relato del musical -hecho película- sirve tanto para establecer la conexión entre Molina y Arregui, como también de excusa para que ambos puedan evadir una realidad angustiante marcada por presiones y torturas.

Así las cosas, tenemos una película dentro de una película, dos historias paralelas que permiten ir saltando entre ellas como una suerte de sueño o proyección. Se revela poco del pasado de los protagonistas, aunque se vislumbra con el correr de los minutos. La realidad es la cárcel; el escape, la película. Molina la cuenta en detalle, con un brío tal que logra captar la atención de Arregui. Poco a poco, ambos se comienzan a involucrar y construyen otro mundo, uno muy diferente al encierro injusto e inmundo que les toca compartir.

¿Qué es verdadero y qué es imaginación? Poco importa. El paso del tiempo genera vínculo, confianza y empatía entre dos hombres solitarios que, por circunstancias de la vida, están juntos al interior de una celda. El vuelo de la película en boca de Molina da cuenta de un contraste mayor. Allí todo es glamour, belleza, libertad. Jennifer Lopez brilla como la diva que es, acompañada por estos mismos dos hombres pero en papeles muy diferentes, a pesar de finas similitudes con la realidad. Sin entrar a la trama del musical, lo más importante es su tono simbólico, especialmente lo que significa aquel beso, un sacrificio necesario para obtener un bien mayor.

“Kiss of the Spider Woman”, en poco más de dos horas, resulta un filme interesante a pesar de decaer en los últimos quince minutos. Tal vez otra forma de resolver la historia -sin cambiarla- habría resultado mejor. No lo sabemos, pero la presencia de al menos tres posibles momentos que marcan un “cuasi” final, dejan la sensación de una extensión que quizá podría haberse limitado.

Si le gustan las coreografías, los cantos y la versatilidad de Jennifer Lopez, esta es su película. Y si no, bien vale verla la pena para despertar el interés por la novela original, sin duda disruptiva para la época, gracias a su fuerte carga política, social y emocional.

Ficha técnica

Título original: Kiss of the Spider Woman
Año: 2025
Duración: 128 minutos
País: Estados Unidos
Género: Drama. Musical | Drama carcelario. Homosexualidad. Amistad. Cine dentro del cine. Remake
Compañías: 1000 Eyes, Artists Equity, Josephson Entertainment, Nuyorican Productions
Grupos: Adaptaciones de Manuel Puig
Guion: Bill Condon. Musical: Terrence McNally. Novela: Manuel Puig
Música: John Kander
Fotografía: Tobias A. Schliessler
Reparto: Diego Luna, Tonatiuh, Jennifer Lopez
Dirección: Bill Condon