jueves, 24 de abril de 2025

El Contador 2 - Por Juan Pablo Donoso

Aunque las secuelas de acción rara vez superan al original, esta resultó buena y sugerente.

Solo al final recurrió al típico clímax de “a chaucha el muerto” con múltiples matanzas y ametralladoras. Una lástima porque pudo hallar una culminación más refinada como fue el desarrollo de su trama.

Tan inteligente como la primera (2016), nos presenta dos niveles de lectura. El primero, y más fácil, es de mucha violencia y una clara dicotomía entre los malos/malos y los justicieros anti-héroes. Para el espectador común hasta se adereza con momentos de humor.

Sin embargo, subyace una tesis más provocativa. Incursiona en áreas de la moral y la patología psicológica. Nos sugiere que cuando la perversidad se hace tan poderosa, y casi invencible, solo queda recurrir a criaturas con mentes limitadas para vencer los obstáculos sin cargos de conciencia.

Ante una desalmada conspiración criminal, y de difícil solución, la Subdirectora del Tesoro de EE.UU. Marybeth Medina (Cynthia Addai-Robinson), recurre a Christian Wolff (Ben Affleck), un contador autista con gran talento para descifrar enigmas policiales.

Pero este caso es tan complejo que Christian debe solicitar la colaboración de su hermano Brax (Jon Bernthal), autista también y talentoso sicario amoral.

Con estupenda y muy ágil edición se irán internando en las entretelas de la siniestra maraña de delitos. A pesar de la complejidad de la trama - y de los muchos personajes que van apareciendo - se mantiene la claridad del conflicto.

El tema de fondo tiene que ver con la evaluación critica de las mentes limitadas. Porque más allá de los actos justicieros de ambos hermanos, está la figura de una madre que sobrevivió a la masacre de su familia, y cuyo trauma psíquico la transformó también en una máquina vengativa sin escrúpulos (Daniella Pineda).

Los mejores diálogos son aquellos en que los hermanos conversan, con pleno surrealismo, en su lenguaje autista. La lúdica inocencia de Brax nos impide condenar el salvajismo de sus actos.

MUY ENTRETENIDA. NOS MANTIENE ATENTOS A LOS GIROS INESPERADOS. INOCENCIA PATOLÓGICA VERSUS PERVERSIDAD DESPIADADA.

Ficha técnica

Título Original: The Accountant 2
2025 Crimen, acción, autismo EE.UU. 2,03 hrs. 
Fotografía: Seamus McGarvey 
Edición: Richard Pearson 
Música: Bryce Dessner 
Director de Arte: Christopher Brown 
Guion: Bill Dubuque Actores: Ben Affleck, Jon Bernthal, Cynthia Addai-Robinson 
Director: Gavin O´Connor

La Leyenda de Ochi - Por Juan Pablo Donoso

Un simple y educativo cuento de hadas contemporáneo ambientado en los Montes Cárpatos.

Su tema central es la Reconciliación: de los vínculos familiares, y de los humanos con la naturaleza.

La fantasía la aportan unas pequeñas criaturas silvestres llamados Ochis, mezcla de ositos coalas y del duende Yoda de la Guerra de las Galaxias.

Sobre las cumbres deslumbrantes de los Cárpatos, la cadena montañosa más larga de Europa después de los Alpes, existe la leyenda de que los Ochis son monstruos muy peligrosos, y que deben se aniquilados por los humanos.

El padre de la adolescente Yuri (Helena Singel), es un rústico montañés llamado Maxim (Willem Dafoe) quien, vestido de vikingo, recluta niños varones huérfanos para crear con ellos un ejército de exterminio.

Su esposa, Dasha (Emily Watson), lo abandonó años atrás dejándolo a cargo de la hijita, para recluirse como curandera, ermitaña y desgreñada.

Cuando la pequeña Yuri rescata y sana a un cachorrito Ochi, atrapado en una trampa, descubre que puede comunicarse con él hablándole en su mismo lenguaje de chillidos.

Intentará, sin avisarle a su padre ni a los jóvenes reclutas, devolverlo en secreto a su hogar en las cuevas de origen.

El rastreo de la niña por las montañas, su refugio en la covacha de la madre, y la entrañable amistad con el cachorrito constituyen el argumento del filme.

Maravillosa fotografía de los paisajes, admirable tecnología para dar vida a Ochi y a los miembros de su familia, todo ello sustentado en el oficio actoral del veterano Dafoe, en la rudeza externa de la madre, pero en la ternura de sus ojos, y en la natural ingenuidad de la joven actriz alemana Helena Singel (Systemsprenger -Trastorno Explosivo, 2019) hacen de este filme un relato aventurero con más ternura que violencia y peligros.

Loable primer largometraje del guionista y director Isaiah Saxon, quien supo combinar buenos actores, con hermosa realización, y destreza de efectos especiales.

GRATO FILME PARA TODA LA FAMILIA, CON UN HERMOSO MENSAJE DE FONDO Y CON REMEMORANZAS DEL INOLVIDABLE E.T.

Ficha técnica  

Título Original: The Legend of Ochi
2025 Fantasía, aventuras
EE.UU., Finlandia, Reino Unido - 1,36 hrs. 
Fotografía: Evan Prosofsky 
Edición: Paul Rogers 
Música: David Longstreth 
Diseño Prod.: Jason Kisvarday 
Actores: Helena Zengel, Willem Dafoe, Emily Watson 
Guionista y director: Isaiah Saxon

Cónclave - Por Jackie O.

"Seres humanos imperfectos, como cualquiera"


Basada en la novela homónima de Robert Harris, publicada en 2016.

El Papa ha fallecido, no solo el mundo católico se ve consternado, sino que el planeta completo, pues es una figura pública de relevancia. Y ahora, ahora debe seguirse un ritual ancestral, pues las normas para la elección del Papa se han desarrollado a lo largo de casi dos milenios.

Habiendo visto esta cinta en su casi estreno, no había escrito de ella, pero esta semana falleció el Papa Francisco y el tema del proceso de elección es el tema actual; todas las miradas, de creyentes y no, están en ello. Y esta película está siendo actualmente revista o vista por primera vez por algunos y ha tenido la mayor audiencia actual. Porque, ¿es como muestra la cinta la elección Papal?
De acuerdo a estudiosos y expertos en el tema, es casi parecido.

Pero no nademos en esas aguas y vamos a la película protagonizada por un genial Ralph Fiennes como el cardenal Thomas Lawrence, quien lleva el peso de la cinta, acompañado por un gran elenco que sirve de soporte de forma excepcional.

Nuestro protagonista ha sido elegido como el encargado de realizar el presente "ritual", todo es ceremonioso, las puertas se cierran y los candidatos están listos. De la fe que se profesa, pasamos a la política despiadada, a los rumores de pasillos negativos con el fin de desacreditar al contrincante. ¿Dónde queda el compañerismo y amor al prójimo? El poder es cambio. Cuando hay elecciones, y no solo en cómo esta cinta, sino que en la vida real, se escuchará "no me interesa el cargo, lo hago por un bien mayor", "no cambiaré", etc. La intención está y se cree, pero siempre hay cambios. La muestra está acá; quien no quería se siente ofendido cuando pierde votos, y quien va teniendo, aunque sea un voto, se siente, quiera o no, animado.

No nos engañemos, el poder es ansiado. La atención es necesaria.

Vemos cómo estos hombres de fe, cuidados por un grupo de monjas, deambulan por los pasillos en horas de la madrugada o en escalas no transitables para no ser vistos y armar sus piezas en este puzle de intrigas. ¿Qué le conviene a la humanidad? ¿Qué es lo relevante para la fe? Pareciera que eso no importara, solo quien tendrá decisiones definitorias para su bienestar o para un grupo reducido. ¿Dónde está el amor al prójimo? Insisto.

El Cardenal Thomas está preocupado, su postura es delicada, ya que es quien debe ordenar y apaciguar cualquier situación que ocurra dentro de esas paredes, donde la desesperación, desacreditación e ira van apareciendo. Y todo empeora cuando aparece el cardenal Vincent Benitez.

El elenco de esta cinta es fenomenal, nos presenta a personas imperfectas que luchan, algunos, con su fe. Un guion tenso, denso, estructurado y con un gran giro final. La puesta en escena es fenomenal. El diseño de vestuario y la banda sonora maravillosas. Tiene unos planos abiertos y cerrados espectaculares.

Una gran película, imperdible y que todos deberían ver.

Disponible en Amazon Prime y en arriendo Google Play.

Ficha técnica

Dirección: Edward Berger
Música: Hauschka
Fotografía: Stéphane Fontaine
Montaje: Nick Emerson
2024. 120 minutos.
Género: Suspenso, drama y misterio
Protagonista: Ralph Fiennes, John Lithgow, Stanley Tucci, Isabella Rossellini, Lucian Msamati

La Leyenda de Ochi - Por Jackie O.

“Convivir y respetar”


La película cuenta la historia de Yuri, una joven que vive en una aldea apartada de la ciudad y teme a los “Ochi”, seres solitarios que habitan el bosque. Pero tras encontrar un bebé Ochi abandonado, Yuri decide embarcarse en una aventura para devolverlo a su familia.

Yuri vive con su padre y un adolescente adoptado por él, y rodeada de otros siete muchachitos que sirven de soldaditos de su loco padre, quien cuenta historias terribles de unos seres que viven en lo alto del bosque. Su padre los odia, sale de cacería con su hija y estos soldaditos cada vez que puede, está loco, su fanatismo, entre religioso y guerrero, lo lleva por la divagación enfermiza. Y en una de esas cacerías destruye parte de la naturaleza, una abominación que nos hace pensar que el ser humano es el mayor depredador.

En dicha cacería, la joven Yuri se topa con un bebé Ochi y entre el natural temor hacía ese ser y el deber que nace de su corazón, lo salva y decide llevarlo a su hogar.

Al enterarse su padre de que algo pasa con su hija, señala que fue raptada para así azuzar a sus pequeños guerrilleros e ir tras ella, desatándose una aventura entre el odio del padre y el amor que nace de la joven hacia la naturaleza.

Una hermosa cinta de fantasía pero que me cuesta recomendarla a infantes, ya que tiene tintes oscuros e inquietantes en momentos, por lo que va dirigida más a preadolescentes que puedan entender, junto a sus padres, la magia que conlleva esa oscuridad en ciertas situaciones.

Esta historia me transportó a las viejas cintas ochenteras donde se contaban muchos cuentos con seres de fantasía, como ET, Los Goonies, o La historia sin fin, que, existiendo seres extraños, aún así, nos evocaban cierta ternura por la narrativa.

La banda sonora empleada es momentos es densa, siniestra tal vez, pero acorde.

El guion es simple, lento para contarnos una bonita historia, donde la espera para su final valió la pena. Eso sí, no desarrolla a los personajes secundarios, ya que el hecho que vemos se efectúa en pocos días y nos enfocamos solo en los protagonistas. Tal vez nos preguntemos por qué estos menores acompañan al sujeto loco, pero en realidad no es tan importante, ya que algo nos cuenta y es suficiente, no necesitamos más, entre otras preguntas que puedan salir al paso.

Primer Largometraje del director y va bien encaminado. Destaco su creatividad visual que lo caracteriza en sus trabajos. Se aprovechó estancias naturales y se jugó mucho con los efectos prácticos que realmente son maravillosos y dan una gran lección de que no todo debe ser digitalmente. Se utilizan efectos prácticos como títeres, animatrónica, también animación por computadora y matte painting (creación de fondos). La criatura principal, Ochi, es una marioneta operada por siete actores.

El rodaje comenzó en Rumania. Algunas escenas de la película se rodaron en Transilvania, en las montañas Apuseni, en el lago Bâlea y en la carretera Transfăgărășan.

Los protagonistas, padre e hija, ya conocidos en trabajos anteriores, proyectan mucho en sus movimientos sin si quiera, a veces, tener que hablar. Un profesionalismo que encanta. Buen elenco en general.

Cinta sobre el cuidado de la naturaleza, no invadir espacios. De aceptar, o entender a quienes son diferentes. De perdonar y perdonarse.

Ficha técnica

The Legend of Ochi
Director y guionista: Isaiah Saxon
EEUU. 96 minutos.
Música: David Longstreth
Fotografía: Evan Prosofsky
Protagonistas: Helena Zengel, Finn Wolfhard, Emily Watson, Willem Dafoe

lunes, 21 de abril de 2025

Pecadores - Por Carlos Correa Acuña

Desde una sencilla premisa, el productor, guionista y director Ryan Coogler construye una historia singular. Se trata de dos hermanos gemelos, Smoke y Stack, carismáticamente interpretados por Michael B. Jordan, quienes regresan a su pueblo natal provenientes de Chicago. Corre el año 1932 y ambos están cansados de sus vidas. Quieren dejar atrás un pasado que solo les ha traído problemas, con la esperanza de recuperar el tiempo perdido, gracias a la experiencia adquirida con los años.

Dinero tienen, eso no es inconveniente. Y la planificación está muy bien estructurada: reconvertirán un viejo aserradero en una cantina, en un lugar de encuentro que la comunidad necesita para liberarse de las ataduras de una época difícil e inestable. El tema es que, a la diferencia entre negros y blancos, cada vez más presente especialmente en el sur de Estados Unidos, se suma un problema adicional e inesperado que amenaza con destruir la tranquilidad del lugar y la vida de sus habitantes.

Lo primero que llama la atención de esta cinta es su nítida filmación. Verla en pantalla IMAX es un lujo, porque podemos apreciar la combinación de varias cámaras especiales que permiten alternar diferentes relaciones de aspecto a lo largo del metraje. La fotografía de Autumn Durald resalta pequeños detalles y además subraya, a través de diferentes encuadres, la belleza de una zona rural y las típicas construcciones norteamericanas de las primeras décadas del Siglo XX.

Podemos dividir la película en al menos tres partes estructurales. La primera, de unos 45 minutos, permite que conozcamos la historia a través de sus personajes. Las diferentes ramificaciones se presentan a medida que los gemelos van recolectando gente para que trabaje con ellos en la futura cantina. Destacan Sammie Moore -Miles Caton-, el primo menor, promisorio músico y cantante de blues; Delta Slim -Delroy Lindo-, virtuoso del piano y la armónica; y Annie -Wunmi Mosaku-, mujer fuerte e interés amoroso de uno de los hermanos.

En la segunda sección entran en escena los vampiros y la cinta decide fusionar estilos. Imágenes contemporáneas se intercalan durante la multitudinaria fiesta inaugural, componiendo metáforas para un ritual que poco a poco se quema y se desintegra. En esta parte sobresale la música compuesta por Ludwig Göransson, sobre todo gracias a sus variaciones y diferentes aportes al relato.

La última parada despliega todas los elementos narrativos. A la feroz batalla campal se le suman cruces de géneros y la sensación de que estamos dentro de una licuadora multitemática capaz de concentrar todo lo que hemos visto por separado anteriormente. Los continuos cambios de formato de pantalla se acrecientan y el ritmo vertiginoso no da tregua hasta el final.

“Sinners” es una propuesta diferente que no se compromete con un estilo particular. Es un thriller de terror con presencia sobrenatural, pero no deja de lado el drama y tampoco ese componente social esencial de los Estados Unidos de los años 30. Michael B. Jordan, en estado de gracia, hace un doble papel estupendo al lograr diferenciar sutilmente a los gemelos no solo con gestos, sino principalmente respecto a sus personalidades. El resto del elenco es sólido en sus actuaciones, brindando un soporte vital para que esta incursión del director Ryan Coogler resulte extraña y satisfactoria al mismo tiempo.

¡Ojo, no se vayan antes de los créditos porque hay dos escenas posteriores!

Ficha técnica

Título original: Sinners
Año: 2025
Duración: 137 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Proximity, Warner Bros.. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Terror. Thriller. Drama | Sobrenatural. Vampiros
Guion: Ryan Coogler
Música: Ludwig Göransson
Fotografía: Autumn Durald
Reparto: Michael B. Jordan, Hailee Steinfeld, Miles Caton, Jack O'Connell, Wunmi Mosaku, Jayme Lawson, Omar Miller, Li Jun Li, Delroy Lindo
Dirección: Ryan Coogler

Mientras Dormías - Por Jackie O.

"Cuando menos lo esperas"


Lucy trabaja en la estación de trenes, es soltera, no tiene familia y vive sola con un gato. Trabaja los días que nadie quiere hacerlo, a regañadientes, porque no tiene nada que hacer en su vida y suspira en secreto por un guapo y elegante viajero que diariamente toma el tren, llamado Peter Callaghan.
 
Pero en vísperas de Navidad, Lucy salva a Peter cuando este es empujado a las vías del tren y queda en coma; en el hospital, se arma un enredo cuando una enfermera dice que Lucy es la prometida. Y obvio, en este tipo de películas, ella no sabe qué decir y se enreda cuando decir ese tipo de verdades es fácil de aclarar en el instante; pero bueno, debe ser así o si no, no hay película. Al llegar la familia, todos encuentran raro que ella sea su prometida, no es el estilo de mujer de Peter, pero la aceptan y Lucy está fascinada con dicha familia, ese calor hogareño y la sensación de unión le encanta. Pero hay un miembro de la familia que sabe la verdad, y nada dice ¿Por qué?
El problema se genera cuando el hermano de Peter, Jack, comienza a enamorarse de Lucy, y ella a sentirse confundida. Pero todo empeora cuando Peter despierta del coma.

Esta es una cinta que, aunque mantiene engaños que pueden aclararse de inmediato y verse como negativos, estos no perjudican sino que, curiosamente, abren puertas. Conoces otra forma de vida, te hacen reevaluarte tu vida y aceptarla como es, te abres a la verdad del fondo del corazón lo que te llevará a lugares insospechados.

Decir la verdad desde un comienzo debe ser la base para todo, porque la vida no siempre resulta como se planea.

Cinta muy amena en su forma. Un guión simple, cursi, pero efectivo y con un gran elenco.

Disponible en Disney.

Ficha técnica

While You Were Sleeping
1995 ‧ Romance/Melodrama ‧ 1h 43m
Dirección: Jon Turteltaub
Protagonista: Sandra Bullock, Bill Pullman, Peter Gallagher, Peter Boyle, Jack Warden, Glynis Johns

domingo, 20 de abril de 2025

El Día en que la Tierra Explotó: una película de los Looney Tunes - Por Carlos Correa Acuña

Luego de un error en la fábrica de chicles desencadenado por un complot alienígena para controlar a la humanidad, Porky y Lucas se ven involucrados en el centro mismo del caos. Sin experiencia, sin plan y con muy poca tolerancia entre ellos, se convierten en los improbables héroes de una aventura intergaláctica cuya misión es salvar la Tierra… o al menos tratar de no destruirla más en el proceso.

Echábamos de menos a estos personajes luego de tantos años fuera de la programación habitual. Relegados a un nostálgico recuerdo, este regreso a la gran pantalla les devuelve el protagonismo que nunca debieron perder. Basadas en un humor tan especial como absurdo, es necesario mantener vivas estas caricaturas no como piezas de museo sino como lo que son: animaciones permanentes para los niños y un buen refresco para todos los adultos que llevamos un niño en nuestro interior.

Por sobre el caos y la comedia, esta vertiginosa película logra transmitir valores como la amistad, la perseverancia y lo importante que es aceptar las diferencias entre las personas. A través de los tropiezos de Porky y la locura de Lucas, podemos darnos cuenta de que no es necesario alcanzar la perfección para actuar con bondad, que los errores son naturales en los procesos de aprendizaje y que incluso los más inseguros pueden ser valientes cuando protegen lo que valoran.

Todos los mensajes anteriores, expresados entre risas y coloridas aventuras, resultan muy importantes para la formación emocional de los más pequeños, pues enseñan que los verdaderos héroes se nutren de la empatía, el trabajo en equipo y la decisión de no rendirse jamás.

Ficha técnica

Título original: The Day the Earth Blew Up: A Looney Tunes Movie
Año: 2024
Duración: 91 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Warner Bros. Animation. Distribuidora: Ketchup Entertainment
Género: Animación. Comedia. Ciencia ficción. Aventuras | Extraterrestres. Looney Tunes
Guion: Kevin Costello
Música: Joshua Moshier
Fotografía: Animación
Dirección: Peter Browngardt

sábado, 19 de abril de 2025

Drop: Amenaza Anónima - Por Carlos Correa Acuña

“Drop”, el título original de esta película, hace referencia al envío de información de un dispositivo electrónico a otro. Herramientas como las que entrega “AirDrop” en el ecosistema Apple, o “Drop”, una función asociada al navegador “Edge”, permiten que podamos recibir mensajes de un teléfono desconocido, si estamos dentro de un radio reducido y no tenemos configurados los parámetros de seguridad adecuados. ¿Qué tiene que ver con la película, entonces? Veamos.

Violet Gates -Meghann Fahy-, madre soltera y viuda, hace mucho que no tiene citas románticas; sin embargo, decide aceptar una invitación a comer por parte de Henry Campbell -Brandon Sklenar-, en lo que sería su primera incursión en un ámbito que estaba abandonado en su vida luego de la traumática experiencia vivida con su expareja. De hecho, la cinta comienza con un episodio muy violento y luego deriva al oficio de Violet, que consiste en ayudar a personas que han sido abusadas.

Apenas llega al restaurante, Violet comienza a recibir estas “gotas” de un desconocido. Por supuesto, las ignora al comienzo, pero la curiosidad la hace aceptar uno de los envíos y se da cuenta inmediatamente de que está en problemas. La cena con Henry no va bien porque ella no se despega de su teléfono. La excusa es que su hijo está a cargo de su hermana y eso la preocupa enormemente; sin embargo, el pánico de Violet radica en que el misterioso sujeto no solo la tiene totalmente vigilada a ella. También posee el control de su casa y, para dejarla tranquila, debe seguir paso a paso una serie de indicaciones que comprometen directamente a quien acaba de conocer.

El guion escrito por Jillian Jacobs y Christopher Roach acierta en al menos dos ámbitos esenciales. El primero es la dependencia que tenemos de los teléfonos celulares y la necesidad de estar conectados permanentemente. Es cierto, nos facilita enormemente la vida, pero también impone una barrera difícil de romper en ocasiones en que es necesario dejarlos a un lado o apagarlos, pues se requiere conexión personal directa. El segundo aspecto es que el argumento logra sostener la tensión por más de dos tercios del metraje usando muy pocos elementos y en un solo ambiente, es decir, usando solo el restaurante como escenario principal.

Meghann Fahy y Brandon Sklenar logran complementar sus papeles. Ella no esconde su inseguridad, pero quiere avanzar y vencer los miedos que la han perseguido en el último tiempo. Él, sensible y comprensivo, quiere darle espacio; sin embargo, percibe que algo no anda bien, aunque no es capaz de darse cuenta de la gravedad de la situación. Por cierto, hay más personas en la escena y todas son sospechosas. Nosotros mismos vamos pasando de uno a otro, tratando de descubrir quién es responsable del vil chantaje al que está siendo sometida la protagonista.

“Drop”, al que le sumaron “Amenaza Anónima” al título en español, es una película que funciona bien. El director Christopher Landon logra el propósito de traspasarnos el nerviosismo y la tensión con la que Violet enfrenta una situación límite que pone en peligro la vida de su hijo. Ella, aún entre la espada y la pared, no está dispuesta a todo y trata, en todo momento, de encontrar una salida que le permita recuperar el control de la situación. Aunque durante el desarrollo la película se alarga más de lo recomendable, los trepidantes minutos finales, que parecen sacados de otra cinta, entregan esa cuota de acción y adrenalina necesaria para cerrar correctamente un thriller que resulta más interesante de lo que parece.

Ficha técnica

Título original: Drop
Año: 2025
Duración: 100 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Blumhouse Productions, Platinum Dunes, Wild Atlantic Pictures. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Thriller. Intriga. Terror
Guion: Jillian Jacobs, Christopher Roach
Música: Bear McCreary
Fotografía: Marc Spicer
Reparto: Meghann Fahy, Brandon Sklenar, Violett Beane, Jeffery Self
Dirección: Christopher Landon

viernes, 18 de abril de 2025

El Viejo Roble - Por Jackie O.

"Si comen juntos, permanecen juntos"


Migrar es un tema complejo. Salir de su país por necesidad económica, huir por la guerra, etc. Dejar su tierra, raíces, esencia, familia, todo. Y llegar a un lugar donde no eres aceptado, es peor. 
La historia nos lleva con un grupo de inmigrantes Sirios que llegan a un pueblito casi desaparecido en Inglaterra. El disgusto de muchos habitantes hace que se generen altercados y divisiones, pero también existen aquellos que ayudan.

Dentro de esos habitantes está T.J., un viudo y solitario dueño del único pub que va quedando, dentro de los poquísimos espacios públicos para los habitantes, lugar que se vuelve tenso pero también donde va a nacer una lección de humanidad.

La cinta es una maravillosa visión de esperanza, amor, comunidad, del sentido de pertenencia y sobre las personas, que aunque sean imperfectas, las hay buenas. Historia de gente común y corriente, que tienen altos y bajos, pero que unidos pueden ser resistentes cuando se habla con el corazón, aunque existan seres que no acepten las diferencias.

El director nos habla nuevamente de humanidad.

Ficha técnica

The Old Oak
Director: Ken Loach
2023. 1h 53 minutos 
Drama
Guión: Paul Laverty
Premios: Premio del Público UBS (Festival de Cine de Locarno en Piazza Grande)

jueves, 17 de abril de 2025

El Viejo Roble - Por Carlos Correa Acuña

“The Old Oak” es el nombre del último bar en funcionamiento en un pueblo del condado de Durham, en el noreste de Inglaterra. Tal como la “K” final de su cartel, que se resiste a mantenerse derecha, el lugar está siendo abandonado por sus habitantes debido al cierre de la actividad minera y la consiguiente falta de oportunidades. El pequeño pub se ha transformado en el refugio obligado de aquellos parroquianos mayores que añoran el pasado y ven con preocupación el futuro. Como hay muchas casas disponibles por el desalojo de la zona, para algunas personas eso significa la muerte en vida, pero, para otras, es un faro de esperanza confirmado por la masiva llegada de refugiados sirios.

Sabemos que la migración es uno de los fenómenos más complejos del mundo actual. La resistencia es enorme dentro de las comunidades y quienes deciden migrar tienen cada vez más dificultades para concretar sus anhelos. La película no se reduce a ello pero sin duda es el tema central del metraje. El guion de Paul Laverty lo introduce directamente, desde el primer minuto, con la llegada de un bus a la ciudad. Sin embargo, acto seguido sutilmente lo aleja, centrando la trama en las personas y en sus respectivas historias.

Tommy Joe "TJ" Ballantyne -Dave Turner-, es el dueño del bar, y Yara -Ebla Mari-, es la recién llegada a una casa de la zona. Yara viene junto a su familia, se dedica a la fotografía y nada más bajar del bus obtiene la peor recepción imaginable: le rompen su cámara. Allí está gran parte de su vida, pero no en fotografías ni tampoco en un aspecto material. Pronto sabremos que la máquina tiene una connotación más profunda que conlleva afectos, emociones y profundas raíces.

TJ es amistoso con Yara pero debe mantener distancia porque sus clientes están abiertamente en contra de los recién llegados. No obstante aquello, colabora con la joven reparando su cámara en un lugar especializado y con sus propios recursos. Un gesto de nobleza espontáneo y desinteresado que tendrá alcances inesperados.

Ken Loach, de 87 años al momento del estreno de este filme en el Festival de Cine de Cannes del año 2023, construye una historia que no presenta un conflicto central que conduzca a un punto de inflexión. Por el contrario, su estilo es progresar paralelamente con varios hilos narrativos complementarios, imprimiendo una tensión subterránea que siempre es perceptible en forma leve pero constante.

“El Viejo Roble” habla de comunidad, de resiliencia y de fraternidad. Cuando emerge la buena voluntad, todo obstáculo puede ser salvado porque la unión de las partes es mucho más fuerte que cualquier interés individual. ¿Se puede acoger y entregar nuevas oportunidades o el egoísmo termina por imponerse? Nadie dice que sea sencillo el tratamiento político y social de los migrantes. Cada caso es diferente y por supuesto, entre ellos, hay un mundo de diferencia, pero es un tema que hay que enfrentar sin prejuicios y decididamente.

“Pueblo chico, infierno grande”, reza el dicho y es muy cierto, pero ejemplos como los que nos muestra esta cinta, aunque sea una ficción, ennoblecen y refuerzan la naturaleza social del ser humano. ¡Enhorabuena!

Ficha técnica

Título original: The Old Oak
Año: 2023
Duración: 113 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Francia; Sixteen Films, Why Not Productions. Distribuidora: Front Row Filmed Entertainment
Género: Drama | Racismo. Inmigración. Drama social
Guion: Paul Laverty
Música: George Fenton
Fotografía: Robbie Ryan
Reparto: Dave Turner, Ebla Mari, Claire Rodgerson, Trevor Fox
Dirección: Ken Loach

Pecadores - Por Juan Pablo Donoso

¡Alucinante fábula musical; multifacética, alegórica y siniestra!

Sangrienta apoteosis afroamericana, de ritmo enloquecido y sexo, concentrados casi en un solo día en Mississippi de 1932, e infestada con miembros asesinos del Ku Klux Klan.

¿Qué desastre espiritual puede alcanzar la música negra - en especial los blues - cuando se aleja de Dios para cantarle al Demonio y sus placeres?

Evidente inspiración en la parábola del Hijo Pródigo. Un joven, cuyo destino era ser predicador, impulsado por su vocación trovadora, abandona la iglesia de la cual su padre era el Pastor para lanzarse al mundo llevando solo su guitarra.

Es apadrinado por un par de gemelos delincuentes - Smoke y Stak - que regresan millonarios al terruño natal desde Chicago, con el propósito de instalar un casino exclusivo para alegrar s los negros de su comunidad.

Serán implacables en lograr su propósito empresarial. Pero pronto descubrirán que hay una fuerza malévola, de otro mundo, peor y soterrada, esperándolos para brindarles una dantesca bienvenida.

Paroxismo cuyo rango oscila entre la pobreza de los negros campesinos, los ritos de superstición y erotismo, hasta culminar con una orgía de vampirismo que solo se compara con la sangrienta bacanal de DESDE EL CREPÚSCULO AL AMANECER (1996) de Robert Rodríguez, con guion y presencia de Quentin Tarantino entre otras estrellas famosas.

El joven director Ryan Coogler’s (Creed - Pantera Negra) crea una épica aterradora y, a la vez, irresistible. Escenarios envolventes, música bella y contagiosa, electrizantes escenas de euforia. Sugiere siglos de historia étnica, abuso e impotencia. Lo hace con profundidad, pasión y poesía musical.

Su actor preferido - Michael B. Jordan - es quien interpreta aquí el rol de ambos gemelos dándoles una admirable dimensión bivalente.

Estupendos diálogos y actuaciones. Toca metáforas de racismo y temas de valor sobrenatural. Es interesante peguntarse, ¿qué simboliza el vampirismo aquí, en esta película?

Selecta galería de personajes diversos, todos cargados de doloroso pasado. ¿Quiénes son los verdaderos “pecadores”?

Véala en IMAX si puede, y quédese durante los créditos finales porque trae nuevas luces, aún más intrigantes.

GIGANTESCA EPOPEYA RACIAL, CON MUCHOS NIVELES DE LECTURA, QUE POR MEDIO DEL VAMPIRISMO NOS INTERNA EN LOS RINCONES DEL INFIERNO. IMPACTANTE. UNA GRAN PELÍCULA.

Ficha técnica

Título Original: Sinners
2025 Terror gótico sobrenatural, suspenso EE.UU. - 2,11 hrs. 
Fotografía: Autumn Durald Arkapaw 
Edición: Michael P. Shawver 
Música: Ludwig Göransson 
Diseño Prod.: Hannah Beachler Actores:Michael B. Jordan, Heilee Steinfekld, Miles Caton 
Guionista y director: Ryan Coogler

El Día que la Tierra Explotó: una película de los Looney Tunes - Por Jackie O.

Looney Tunes es una franquicia de dibujos animados de la compañía Warner Bros., que comenzó en los cines oficialmente en 1930 con el cortometraje Sinkin' in the Bathtub. Desde 1940 hasta 1969, la serie Looney Tunes fue la más popular en las salas de cine. Y escuchar "The Merry-Go-Round Broke Down", hacía correr a mirar la pantalla y de ahí nadie se movía. Me incluyo.

Dibujos animados de ayer, hoy y siempre, que por alguna razón desaparecieron de la pantalla en el 2014 más o menos. La nueva generación se perdió estas maravillas, a menos que hermanos mayores, tíos o padres los revivieran.

Pero ahora es la oportunidad. Porky y Lucas se unen para darnos una nostálgica satisfacción cuando nos cuentan una historia, su historia, o al menos sirve de base para crear una nueva narración: Ambos se criaron juntos cuando fueron adoptados por el granjero Juan, quien les dejó su casa al morir y les hizo prometer que la cuidarían y que estarían unidos.
Pero estos loquillos, ¿podrán cumplir su promesa?

Un día se dieron cuenta que accidentalmente su casa está en aprietos y deben juntar dinero; pero cómo, si nunca han trabajado. Ahí comienzan divertidas situaciones, hasta que llegan a un trabajo donde podrán juntar el dinero que necesitan. Ese dato se los da una hermosa cerdita llamada Petunia y que Porky no saca de su mente desde que la vio.

En su nuevo trabajo, la fabrica de chicles, descubren que algo anda mal con las personas, se han convertido en zombies al comer ese dulce, y Lucas con Porky no descansarán hasta descubrir quién ha hecho eso junto a la inteligente Petunia.

Locuras van y vienen, donde las personalidades de nuestros amigos son las mismas que recordamos con nostalgia. Vemos la unión entre ellos, pero además van aprendiendo a confiar y a crecer juntos.
El guión no solo se queda con ese pasado nostálgico, sino que le agrega y se ríe de la actualidad.
La animación 2D es nítida y muy satisfactoria, que la hace visualmente agradable.

Una historia loca y divertida para disfrutar en familia.

Ficha técnica

The Day the Earth Blew Up: A Looney Tunes Movie.
2024 ‧ Familia/Ciencia ficción ‧ 1h 31m
Dirección: Pete Browngardt
Personajes:
Eric Bauza como Pato Lucas y Porky
Candi Milo como Petunia y Anciana
Peter MacNicol como El Invasor
Fred Tatasciore como Granjero Jim y Científico

Isla Negra - Por Juan Pablo Donoso

Pudo ser una buena película de suspenso, con un par de ideas sugerentes, aprovechando actores con oficio.

Fotografía, iluminación, ambientación y edición = excelentes

Música con acertada premonición de peligro y bien matizada.

Actuaciones profesionales solventes que dan lo mejor de sus personajes.

Lo único lamentable, el guion.

Aunque la situación crítica ha sido explotada desde hace más de 75 años en cine, teatro y TV, con una buena motivación y siguiendo una estricta lógica narrativa habría logrado suspenso. Pero lo que comienza bien va revelando inconsistencias obvias, las que se acumulan hasta alargar sin necesidad el relato. Al parecer, el guionista - obnubilado por la forma y por exceso de mensajes - ignoró cómo darle una resolución dramática eficaz.

“Por muy verdadera que sea una situación, como drama se arruina si luce inverosímil”. ( Aristóteles, La Poética).

Antes y durante la emergencia los personajes tuvieron muchas oportunidades de escapar o pedir ayuda, pero el guionista se los impidió para seguir con la trama aunque fuera forzada.

Los pormenores eróticos y divergencias de la pareja habitante de la casa en Isla Negra están sobre dimensionados. Con ello le restaron tiempo e intensidad al verdadero conflicto del filme, como es la presión invasiva de los extraños.

Los giros bipolares del personaje masculino (Alfredo Castro) solo confunden, sobran y desvían del drama central.

Parecen 2 historias paralelas que casi nunca se integran. Hay largas secuencias dialogadas, que podrían provenir de una escena teatral improvisada.

Todo ello le resta tensión al drama central… si es que la extorsión de los invasores era el conflicto medular (¿?)

Aunque se plantea un afán reivindicatorio de la tierra ancestral, las reiteradas escenas del anciano moribundo (José Sosa) nos desvían una vez más de la premisa …si es que la hay.

Por último, cuando creemos que el ascenso progresivo de la trama apunta a un clímax, este se diluye y desemboca en una resolución blanda y ambigua. “¡Aquí nunca pasó nada importante!”

En suma, demasiadas ideas distintas, solo dichas y mal ensambladas. para un relato que pudo tener suspenso emotivo, basado en una hipótesis étnica seria, con víctimas dolorosamente afectadas.

TRATARON DE DECIR MUCHAS COSAS SACRIFICANDO EL IMPACTO CENTRAL DE LA CIRCUNSTANCIA. BUENA REALIZACIÓN SOBRE UN GUION DEFECTUOSO Y FORZADO

Ficha técnica

2024 - Extorsión, romance neurótico Chile - 1,45 hrs. 
Fotografía: Sergio Armstrong 
Edición: Nicolás Venegas Moscoso 
Música: Miranda y Tobar 
Actores: Alfredo Castro, Paulina Urrutia, José Soza 
Guionista y Director: Jorge Riquelme Serrano

El Viejo Roble - Por Juan Pablo Donoso

Emocionante por la fuerza de los sentimientos más simples y esenciales.

Un poderoso llamado a la compasión y a la solidaridad en un mundo dividido.

Plantea la difícil convivencia entre familias de un antiguo pueblo minero y los refugiados sirios.

Tratamiento cinematográfico tan realista que a ratos bordea el documental.

Pivoteada en torno al Viejo Roble, último pub (cantina/bar) de un pueblito en el condado de Durham, al noreste de Inglaterra. Sus antiguos habitantes lo abandonan al clausurar las minas. Las casas vacías son baratas y están disponibles. Un lugar ideal para los inmigrantes sin hogar.

Expone el trato feroz que recibieron algunos refugiados sirios en su país, pero también muestra el otro lado: los aldeanos ex mineros de carbón cruelmente olvidados por la política económica de Thatcher.

Ambos bandos - sirios e ingleses - necesitan de un nuevo comienzo. Habrá que construir un puente humano, hacer un trato, renovar habitaciones y compartir sus comidas. En medio del desprecio por los foráneos deberá nacer, con gran esfuerzo, una nueva comunidad de inevitable convivencia.

Se abren brechas culturales, se cuestionan viejas tradiciones de ambos lados, se dificulta la vida de quienes perdieron a sus seres queridos. Son familias desarraigadas que tratan de encontrar un lugar en el mundo.

Hay escenas que brillan con intensidad. Los actores son locales y sus luchas fueron verdaderas. Sería mentira verlos actuando una historia ficticia basada en su propia experiencia.

Narrada desde el punto de vista de TJ Ballantyne (Dave Turner), dueño del El Viejo Roble. Al enviudar, solo su perrita Marra le devolvió el coraje para seguir viviendo.

Las actuaciones de Turner y Ebla Mari (quien encarna a Yara, la inteligente muchacha siria quien como fotógrafa contribuyó a derribar muros de prejuicios) son notables en transparencia emotiva.

Bellas secuencias (turísticas) de Yara comparando la preservación histórica de la Catedral de Durham con las ruinas en que los Assad tienen a Siria. ¡Al pueblo sirio solo le queda la Esperanza!

Una vez más aflora la madurez del realizador Ken Loach (Yo, Daniel Blake, 2016) para tratar dilemas sociales inspirados en personajes de la vida real.

Nos demuestra cómo los pequeños gestos de empatía cotidiana son más poderosos que las palabras.

“Esto no es caridad sino solidaridad, pues los que comen juntos, permanecen juntos”.

Hablada en inglés y árabe con subtítulos en castellano.

MILAGRO DE RECONCILIACIÓN QUE SURGE DE LAS ALMAS MÁS SIMPLES Y DESVALIDAS. PRODIGIO DE SUTILEZA Y SENSIBILIDAD.

Ficha técnica

Título Original: The Old Oak
2023 Drama psicológico y social 
Reino Unido, Francia, Bélgica -1,53 hrs. 
Fotografía: Robbie Ryan 
Edición: Jonathan Morris 
Música: George Fenton 
Diseño Prod.:Fergus Clegg Guion: Paul Laverty 
Actores: Dave Turner, Ebla Mari, Claire Roderdson 
Director: Ken Loach (Lazos de Familia (2019)

miércoles, 16 de abril de 2025

Isla Negra - Por Carlos Correa Acuña

Preciosas imágenes de apertura. ¡Qué lindo lugar! Hermosas tomas de la playa con el mar bañando la costa y las olas rompiendo en la arena. Se respira la brisa marina. Todo es serenidad y calma.

Isla Negra es una localidad especial, un oasis en medio del litoral central de Chile. El acceso a la playa no es fácil; solo algunos sectores específicos lo permiten. En sus estrechas calles no se puede estacionar; solo se permite tránsito peatonal.

Volviendo al filme, es la música la que alerta que se romperá la paz del lugar. Es interesante, provoca un suspenso contenido, de esos que anticipan que algo va a suceder. Cerca de un roquerío se instalan tres personas, clavan una bandera; han decidido quedarse allí. Hasta ese momento, las imágenes solo son contemplativas, aunque el contraste queda inmediatamente de manifiesto, porque en la gran casa costera se encuentran dos adultos, Carmen -Paulina Urrutia-, y Guillermo -Alfredo Castro-, quienes disfrutan un romance de fin de semana, viviendo intensamente lo cotidiano; trote matinal, ducha, desayuno, cariño, amor, relajo…

El escenario cambia cuando las personas que estaban en la playa llegan a la casa a pedir ayuda. Marcela -Marcela Salinas-, Jacob -Gastón Salgado- y Miguel -José Soza-, no hacen más que remarcar las diferencias radicales que existen entre la vulnerabilidad exterior y la comodidad interior. Diferencias irreductibles, insalvables, que detonan el conflicto; no hay vuelta atrás.

El guionista y director Jorge Riquelme Serrano construye un drama político social desarrollado entre cuatro paredes pero con implicancias mayores. La rutina se representa bien y también el enfrentamiento verbal. La mezcla de las imágenes exteriores del lugar contrastan con las dificultades extremas que se viven en el interior.

Los estereotipos dominan la construcción de los personajes. Guillermo es el cuico, un tipo de una inmejorable situación económica que mira hacia abajo todo lo que le rodea. Es el dueño, el gerente, quien tiene la última palabra respecto a un proyecto inmobiliario que se construye muy cerca de la residencia. Carmen es su asistente y quien lidera la obra en terreno. Están juntos en esa casa, pero aquello es circunstancial. Guillermo es el patrón. Los demás, Carmen incluida, solo subalternos. Es extraña la relación que tienen ambos pero luego la entenderemos. Hay recelo, dudas, algo pasa con esta pareja. Guillermo es de temperamento variable, un carácter cambiante e irritable. Justamente en un pésimo momento, al medio de una fuerte discusión, se produce la llegada inoportuna de los visitantes. Son humildes pero firmes. Tienen una crisis, sí, pero la situación va mucho más allá.

El relato de Riquelme plantea una disyuntiva social y moral importante. La situación es incómoda e insostenible. Las descalificaciones abundan, las dudas, la culpa, el desagrado, la tensión y la violencia verbal -y también física-, aumentan progresivamente, sin embargo, el metraje se extiende sin una justificación clara.

Los diálogos son interesantes. Hay guion y también una cuota de improvisación. Es creíble, pero al mismo tiempo resulta un poco forzado. Por momentos, estamos ante una pieza teatral o una obra de cámara que reúne a los actores al interior de un pequeño espacio que logra ampliarse a través de las palabras.

Las demandas son explícitas. Tienen que ver con el arraigo, con el avance de las construcciones y con lo que estas arrasan en nombre del progreso, aparte de las sustantivas ganancias económicas. ¿La solucion? Devolver las tierras y compensar con dinero. ¿Es eso, o hay algo más?

La violencia sigue aumentando y las imágenes superpuestas dejan mucho más claras las diferentes capas que contiene la historia. Hay filtros que funcionan como cuestionamientos. No se visualiza la salida, tampoco la forma en que Riquelme concluirá la cinta.

“Isla Negra” es una obra cuya premisa resulta mucho más interesante que su desarrollo y foco conclusivo. Tal vez la intención de abarcar mucho le juega en contra. Al ritmo irregular, se suma la intermitencia narrativa. Parece que la temática se escurriera de las manos. El final, abrupto e improbable, no se corresponde con la construcción anterior. Algo falta, tal vez un mejor cierre, una conclusión más acorde con su alto nivel de producción.

Ficha técnica

Título original: Isla Negra
Año: 2024
Duración: 105 minutos
País: Chile
Compañías: Laberinto Films. Distribuidora: Laberinto Films
Género: Drama
Guion: Jorge Riquelme Serrano
Música: Miranda y Tobar
Fotografía: Sergio Armstrong
Reparto: Alfredo Castro, Paulina Urrutia, Marcela Salinas, Gastón Salgado, José Soza
Dirección: Jorge Riquelme Serrano