Tren Nocturno a Lisboa - Por Juan Pablo Donoso

Un filme claro, profundo, con muchos niveles de lectura, excelente guion, gran director danés y actores consumados.

Un viaje luminoso a los rincones ocultos del alma.

El solitario profesor suizo de lenguas clásicas, Raimund Gregorius (Jeremy Irons), abandona su vida aletargada para embarcarse en un viaje aleatorio rumbo a un destino incierto.

Tras salvar del suicidio a una joven portuguesa que tenía un librito viejo en un bolsillo, viaja sin aviso a Lisboa con la esperanza de descubrir el destino del autor, médico y poeta que luchó contra el dictador portugués Antonio de Oliveira Salazar.

Un impulso intuitivo lo lleva a una ciudad lejana, a iniciar la búsqueda entre personas desconocidas, de un escritor ya fallecido, y casi olvidado.

Será un arduo periplo entre quienes conocieron al autor de UN ORFEBRE DE LAS PALABRAS.

Poco a poco, y dato a dato, irá ubicando a hombres y mujeres que en aquellos años convulsionados se relacionaron con él, y evocan las huellas - de dulce y agraz -que dejó en sus vidas.

Es un lento - pero cada vez más apasionante - remover escombros y cenizas del pasado. Con cada conocido, ahora mayor y transformado, rearmará un caleidoscopio histórico, romántico, contradictorio, resentido e idealizado.

En cada uno de los testimonios Raimund reconocerá facetas de su propia personalidad, e instintos, como si hubiera vivido los avatares de aquellos tiempos tumultuosos de rebelión e impotencia política.

En cada uno de estos seres verá lo insulsa y vacua que fue su propia existencia hasta ahora, y cada testimonio le revelará nuevos recodos de su propia alma, dormida hasta hoy.

Hay tantas capas, metáforas sutiles, poesía en las imágenes y narrativa que, a pesar de ser una historia tan sencilla, es inevitable la sensación de ir por un laberinto de emociones y pensamientos. Presente, pasado y futuro se fusionan en una vasta eternidad.

Mise-en-abîme = puesta en abismo = técnica artística y literaria que representa una imagen o narrativa dentro de sí misma, creando un reflejo infinito. Copia de una obra dentro de la obra original, generando una sensación profunda y compleja.

Ficción dentro de otra ficción; libro dentro de un libro dentro de una película. Mentira dentro de una mentira. Poeta dentro de un lector, dentro de un espectador, dentro de una persona. Un juego de espejos que nos deja maravillados y con hambre de vivir.

Historia de un hombre vacío que allí, por fin, se encontró a sí mismo.

Visible en YouTube.

FELIZ VIAJE AL INTERIOR DE SU ALMA MIRANDO A LOS OTROS. SIEMPRE SEREMOS LOS MISMOS DONDEQUIERA QUE VAYAMOS.

Ficha técnica

Título Original: Night Train to Lisbon

2013 Misterio, romance, suspenso Suiza, Alemania, Portugal - 1,51 hrs. 

Fotografía: Filip Zumbrunn 

Edición: Hansjörg Weißbrich 

Música: Annette Focks 

Diseño Prod.: Augusto Mayer 

Guion: Greg Latter, Ulrich Herrmann, Peter Bieri 

Actores: Jeremy Irons, Melanie Laurent, Tom Courtenay 

Director: Billie August (Pelle el Conquistador 1987 - La Casa de los Espíritus 1993 - Los Miserables 1998) 

Misión Imposible: La Sentencia Final - Por Carlos Correa Acuña

En julio de 2023 la historia quedó inconclusa. Tras casi dos años llega el desenlace, con el agente Ethan Hunt -Tom Cruise- aún intentando impedir que Gabriel -Esai Morales- logre controlar ese gigantesco programa de IA conocido como “La “Entidad”.

Con una introducción, dos partes y un epílogo, esta es de las películas que sí o sí se deben ver en pantalla grande. ¡Extra grande, IMAX, en lo posible! ¿Por qué? Primero, porque es un espectáculo vibrante y que no da tregua alguna. Segundo, porque el colorido y la iluminación se destacan mucho más en esas pantallas de gran envergadura. Tercero, porque los enfoques y las tomas panorámicas adquieren otra perspectiva en la medida que el escenario es mayor, dado que es como realmente ser parte de la escena, es decir, es como si estuviésemos ahí. Y cuarto, porque los efectos visuales se ven grandiosos y, además, las escenas de riesgo se ven increíbles.

¿Demasiada alabanza? No. Vamos por parte.

Tom Cruise es imbatible. A veces faltan adjetivos para describir su trabajo. Al ya conocido “incombustible”, podríamos sumar otros más, ya que es el actor el que le da el carácter y posicionamiento a un personaje que difícilmente podemos imaginar sin su participación. Ethan Hunt es Tom Cruise, y viceversa. La compenetración es total, una amalgama perfecta que, con el paso de los años, solo agiganta la figura y consolida el mito. Las escenas arriesgadas, que el mismo Cruise se encarga de promocionar como hechas por él mismo, se ven de un realismo asombroso. Y no es menor. Dejar de usar un doble de riesgo es peligroso, pero Cruise (o Ethan) parece no temerle a nada, en absoluto. Es más, a sus casi 63 años muestra un estado atlético de varias décadas menos, exhibiendo una juventud que resulta, al menos, envidiable.

Dirigida por Christopher McQuarrie, “Sentencia Final” es vibrante. Repasa historias anteriores muy vertiginosamente, como una especie de homenaje y también con el objetivo de vincular las tramas y dejar al descubierto los hilos que se cruzan entre ellas. Todo calza, el sentido de unidad está muy cuidado y eso se nota en una gran cantidad de detalles que nunca son dejados al azar.

El recorrido de la película transita por muchos escenarios. Ya la introducción, antes de los créditos, permite advertir una parte de lo que viene. Rápidamente nos vamos al escenario acuático y polar, con escenas de antología que tienen mágicas coincidencias. Cuando regresamos al escenario terrestre es solo un breve paso, porque en realidad lo que viene son destrezas aéreas que constituyen un emblema y casi una marca registrada de la saga. Ver a Ethan Hunt volando, literalmente, ya no es novedad. Lo nuevo es cómo vuela, dónde vuela y de qué manera logra zafar de una sucesión de obstáculos que parecen más un manual de desafíos que simples escenas de una película de acción.

“Mission: Impossible - The Final Reckoning” es larga, sí, son casi tres horas, pero no se sienten en absoluto. Aparte de ser una cinta ágil, entretenida y siempre en alta tensión, jamás desperdicia un segundo. Con una producción a gran escala, posee una cinematografía notable, donde la ficción se mezcla con la realidad y nos envuelve en un tejido que no nos deja escapar.

Además de lo anterior, el sonido de esta película es de lo más logrado. La música incidental de Max Aruj y Alfie Godfrey parece un verdadero concierto, una partitura perfectamente ajustada a la acción. Esta característica la podemos observar con pausas y movimientos, con secciones en las que las líneas melódicas y rítmicas crean atmósferas suaves o inquietantes, dependiendo de cada necesidad, llevando el juego tensión-reposo a un muy alto nivel.

En síntesis, esta última parte de ‘Misión Imposible: Sentencia Final’ es un espectáculo audiovisual único, una experiencia que vale la pena vivir.

¡Electrizante! Cine de acción en estado puro.

Ficha técnica

Título original: Mission: Impossible - The Final Reckoning
Año: 2025
Duración: 169 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Bad Robot, Paramount Pictures, Skydance Productions, TC Productions. Distribuidora: Paramount Pictures
Género: Acción. Thriller. Drama | Espionaje. Secuela. Inteligencia artificial
Guion: Christopher McQuarrie, Bruce Geller, Erik Jendresen
Música: Lorne Balfe, Max Aruj, Alfie Godfrey
Fotografía: Fraser Taggart
Reparto: Tom Cruise, Hayley Atwell, Ving Rhames, Simón Pegg, Henry Czerny, Ángela Bassett
Dirección: Christopher McQuarrie

La Carga más Preciada - Por Carlos Correa Acuña

Preciosa animación que encarna desde otra perspectiva el horror del exterminio judío perpetrado por la Alemania nazi durante la Segunda Guerra Mundial.

Un tren de carga pasa todos los días atravesando un hermoso paraje nevado. Una pareja vive cerca de las vías. Él es leñador; ella, una abnegada esposa. No han podido tener hijos. El frío es intenso y el invierno implacable.

La mujer no pierde la esperanza; reza para que el tren le entregue alguna mercancía. Se encomienda a su Dios. Mientras los ruegos se repiten, el carguero pasa una y otra vez dejando vacío y silencio. Un día, en un instante, emerge un sonido especial y delicado. Parece un quejido, un llanto. ¿De dónde proviene? Silencio. Se escucha otra vez, un poco más fuerte. Nuevamente, silencio. La mujer se acerca, lentamente. Se trata de un bebé abandonado a su suerte en medio de una fría alfombra blanca. Es una carga, no es la esperada, pero tampoco cualquiera; es, tal vez, la más importante de todas.

Basada en la novela de Jean-Claude Grumberg, el director Michel Hazanavicius compone una fábula visual que, con maestría, se interna en los peores días del Holocausto. Las metáforas no son necesarias porque las imágenes son explícitas. Por un lado, la convicción de una guerra justa; por otro, maternidad frustrada y soledad. Irrumpe una bebé; todo cambia. Hay que cuidarla, a como dé lugar. La esposa no cede. El leñador no quiere saber nada del tema. Dos caras de una misma moneda.

Con sencillez y sin perder profundidad, el metraje nos conduce a la reflexión. No necesitamos detalles. Sabemos de qué se trata y empatizamos de inmediato con una situación cruda e inhumana. Vemos el traslado de cientos de miles a los campos de concentración mientras vislumbramos la génesis del relato. La pareja de leñadores no está sola, pertenecen a una comunidad y por eso las cosas se complican. El camino es azaroso, cuesta arriba, pero la mujer lucha con fe para proteger un encargo que ya ha hecho suyo y por el que está dispuesta a darlo todo.

La animación es fluida y la música hermosa. Alexandre Desplat regala una partitura que cobra vida propia con cada giro de la historia. Los cuadros plásticos se desarrollan homogéneamente. No hay prisa. Cada pausa está bien puesta, cada coma está en su lugar; nos guía un narrador en off, llevándonos por el sendero más importante: el del amor.
En solo 81 minutos, “La plus précieuse des marchandises” nos roba el corazón. Aunque predecible, eso no impide que nos emocionemos con un final que irradia esperanza gracias a un mensaje dibujado con delicada poesía e inundado de valores esenciales.

Ficha técnica

Título original: La plus précieuse des marchandises
Año: 2024
Duración: 81 minutos
País: Francia
Compañías: Coproducción Francia-Bélgica; Les Compagnons du Cinéma, Ex Nihilo, Les Films du Fleuve, Studiocanal, France 3 Cinéma, BE TV, Canal+, Ciné+, Orange Cinéma Séries, France TV
Género: Animación. Drama | Nazismo. Vida rural. Maternidad. II Guerra Mundial
Guion: Michel Hazanavicius. Novela: Jean-Claude Grumberg
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Animación
Dirección: Michel Hazanavicius

Thunderbolts - Por Jackie O.

"Un rayo de luz en la oscuridad"

Estamos ante la 36ª película del Universo cinematográfico de Marvel (MCU).
Ahora nos trae a un grupo de antihéroes, ya conocidos en tramas anteriores, que esta vez, y sin conocerse entre ellos, quedan atrapado en una trampa mortal y se ven obligados a trabajar juntos en una peligrosa misión.  

Vemos a Yelena en una intrépida misión, pero quiere más, así que la directora de la CIA, Valentina Allegra de Fontaine, en quien, sabemos, no se puede confiar, le promete una última misión mientras se enfrenta a un juicio político inminente por su trabajo con el Grupo OXE; así envía a Yelena a esa última misión pero se encontrará con una gran sorpresa.

 
No está sola en una instalación bien equipada. Se encuentra y la ataca John Walker. A su vez aparece Ava Starr (Ghost) y también Taskmaster, todos se atacan entre sí y nadie sabe qué pasa. Se trata de aclarar la situación, pero uno de ellos no entiende razones y debe morir, quedando solo tres de los nombrados. Y además, Bob. ¿Quién es Bob? Es un sujeto que estaba escondido en esa instalación y no recuerda nada, pero seguimos preguntándonos ¿quién es Bob?
Se dan cuenta que han sido engañados por Valentina, pero es algo que nosotros sabíamos; Valentina no es de fiar.

Por otro lado está Bucky Barnes, en una nueva labor, y sabe que Valentina anda en algo malo y debe desenmascararla, enterándose de este grupo de antihéroes que huyen por sus vidas y viendo que todos tienen un mismo interés: acabar con Valentina.

 
En esta lucha se les une Red Guardian, quien necesita expiar sus culpas. Y Bob sigue con ellos, no sabe dónde ir ni que sucedió con él. Así que estos antihéroes, cada quien con sus problemáticas que los hacen aislarse de todos, se juntan. Todos luchan con sus demonios internos y ven en esta misión que pueden hacer la diferencia.

La cinta me ha sorprendido para bien, no me imaginé, bajo las últimas bajas de Marvel, que este sería un rayo de luz y de esperanza para lo que se viene. Los personajes, todos ya conocidos de otras series y películas, nos muestran otra faceta sin perder su esencia. Son personas rotas y solas, donde nadie les da esperanzas ni depositan su confianza en ellos.
Eso hace que el guion nos hable de la soledad, el dolor, la desconfianza y el abandono. Y de cómo personas dañadas puedan confiar y sanarse entre ellos.
Buenos efectos visuales, buenas coreografías (destaco enormemente a los dobles de acción también), buena banda sonora y buenos planos. Porque sí es de acción, toda la acción que Marvel puede entregar, pero también es muy humana, porque no todos son invencibles, todos debemos tener una mano amiga cerca, ya que pedir ayuda no te hace débil.

Los personajes son muy bien interpretados (salvo Red Guardian, que no hay caso que me guste su interpretación). La grata sorpresa fue Bob (Sentry / Centinela y Vacío, quien apareció por primera vez en Centinela #1 año 2000),  bien personificado, donde todos de alguna forma conectan.

Todos merecemos una segunda oportunidad. El abandono, la depresión, la tristeza, el pasado que no se perdona... ese vacío que se lleva en el interior se hace menos pesado si se comparte. Porque nunca se está solo.

¿Qué no me gustó? Red Guardian con chistes fuera de lugar y forzados, y la nada oportunidad que se le dio a Taskmaster, que es un personaje al que se le pudo sacar partido.

Yelena Belova, Bucky Barnes, Red Guardian, Ghost, John Walker y Bob. Bienvenidos nuevos VengadoreZ.

Ojo, que hay dos escenas post créditos.

Ficha técnica  

Dirigido: Jake Schreier
Guión: Eric Pearson y Joanna Calo
Protagonizada por Florencia Pugh, Sebastián Stan, Wyatt Russell, Olga Kurylenko, Lewis Pullman, Geraldine Viswanathan, Chris Bauer, Wendell Pierce, David Harbour
2025. 125 minutos

Destino Final: Lazos de Sangre - Por Carlos Correa Acuña

Acordes iniciales misteriosos, bien orquestados, atmosféricos. ¿En qué época transcurre? ¿Cuál es el año? Claramente no es el presente. Una pareja concurre a la inauguración de un edificio muy alto. Es enorme, impresionante. Para ella es sorpresa; para él, la oportunidad de pedirle matrimonio. La altura se ve real. ¡Solo mirar la secuencia da vértigo! Pero en medio de la gran fiesta de celebración se desata un caos impresionante. ¡Gran apertura, visualmente muy bien hecha!

Luego de esa vibrante introducción, nos sumergimos en la historia de esta cinta, la sexta entrega de la exitosa saga “Destino Final”. Cincuenta y seis años después de los eventos que se muestran al inicio, la estudiante universitaria Stefani Reyes -Kaitlyn Santa Juana-, tiene una pesadilla recurrente con el colapso de la torre. Motivada por su compañera de habitación, Stefani viaja a su casa en busca de respuestas; en específico busca a Iris -Gabrielle Rose-, su abuela materna, quien vive en una cabaña fortificada en medio del bosque. Ella es la clave, es la protagonista de la pesadilla de Stefani, porque tuvo una premonición de lo que sucedería con el edificio y así logró salvar cientos de vidas. Pero el tema no quedó allí, porque, al evitar lo que estaba destinado a ocurrir, la muerte fue visitando a cada una de las personas protagonistas del suceso y a sus descendientes; además, no se quedará tranquila hasta acabar con todos.

Esta interesante propuesta para revitalizar la franquicia, conducida por Zach Lipovsky y Adam B. Stein, logra tomar el pasado y establecer conexiones presentes, de ahí su subtítulo “lazos de sangre”. Sin duda existen esos vínculos y explotarlos se convierte en el camino para relanzar una saga que, por momentos, pareció perder el rumbo.

Existe un famoso axioma, “la ley de Murphy”, que dice que lo que puede fallar, falla. Pues bien, acá hay un poco de esto, porque las cosas pasan por pequeños detalles. Una gotita de agua puede desencadenar una tormenta, o una diminuta moneda dar paso al infierno. Hay coincidencias y eso es notable. Justo pasa lo que no debería pasar y todo es similar; los patrones se repiten una y otra vez. Por otro lado, están las premoniciones que anticipan los eventos y que ayudan a salvar vidas, pero al mismo tiempo hipotecan el futuro de los “salvados”. Nadie está libre totalmente, porque si bien sortearon un capítulo, no han llegado al final del juego.

La película es explícita en mostrar muertes trágicas. Hay mucha sangre y son fuertes, al estilo “gore”. Pieles sensibles abstenerse, porque los aplastamientos y mutilaciones suceden unas tras otras. No acaban nunca. ¿Termina acá? El ciclo debería romperse… ¿O no?

En “Final Destination: Bloodlines” las historias son sencillas pero están bien entrelazadas. Los personajes son estigmatizados y sabemos lo que les va a pasar; es fácil anticipar lo que sucederá, pero aún así nos pegamos a la pantalla, tal vez pensando en una que otra variación que podría suceder. La cinta es ágil y entretenida, a pesar de bordear las dos horas de duración. Y resulta entretenida aunque repita la fórmula. ¿Habrá una nueva parte, la número siete? Solo dependerá de la taquilla y creo que le irá bien. Si va al cine, véala en IMAX, no se arrepentirá

Ficha técnica

Título original: Final Destination: Bloodlines
Año: 2025
Duración: 110 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: New Line Cinema, Practical Pictures, Inzide Media, The Fusion Media. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Terror | Sobrenatural. Secuela
Guion: Guy Busick, Lori Evans Taylor. Historia: Jon Watts
Música: Tim Wynn
Fotografía: Christian Sebaldt
Reparto: Kaitlyn Santa Juana, Teo Briones, Richard Harmon, Owen Patrick Joyner, Anna Lore, Brec Bassinger, Tony Todd
Dirección: Zach Lipovsky, Adam B. Stein

La Carga más Preciada - Por Juan Pablo Donoso

Un cuento de amor filial, prejuicios y misericordia ambientado durante la Segunda Guerra Mundial en Europa.

Junto a Vals y Bashir (2008) son los únicos largometrajes de animación, a lo largo de la historia, nominados para el máximo premio en el Festival de Cannes.

Su título - la carga más preciosa - son los judíos del holocausto, indefensos, vistos como “despiadados” por la propaganda nazi.

La denominación “despiadados” implica carentes de corazón.

Y éste es el tema central de la película: el CORAZÓN, que con su naturaleza intrínseca de Amor y Compasión late en todos los seres vivos, aunque traten de ignorarlo.

Una bebita judía es arrojada por su padre desde un tren que los lleva a un campo de concentración. Es recogida de la nieve por la esposa infértil de un rudo leñador. A pocos kilómetros del bosque se escucha el estruendo de la guerra.

Para los gañanes de la región ellos están colaborando con los judíos. Solo un solitario mutilado en combate los comprende y ampara. Pero él también será víctima del prejuicio racial.

La última media hora es la más penetrante; cuando los hilos de la historia comienzan a unirse, en paralelo, con el destino del padre de la criatura. Revelarán desolación e inhumanidad por un lado y, sin embargo, lo diametralmente opuesto por el otro.

Contraste que sumerge en el silencio el sufrimiento de tantas almas olvidadas. Tal es la sentencia final, expresada con la hermosa dicción del anciano narrador Jean-Louis Trintigant, poco antes de fallecer.

Los dibujos y colores son gratos de mirar. El realizador Michel Hazanavicius (El Artista -2011) se inspiró en antiguas películas de Disney, como Dumbo (1941) y Pinocho (1940), pero se arrepintió. Luego recurrió a pintores franceses del siglo XIX, como Gustave Courbet, pero eran difíciles de trasladar a la animación. Solo después de observar grabados japoneses y la obra del artista Henri Rivière, encontró finalmente lo que buscaba. Y acertó.

Bellísimas canciones judías. Música incidental de fraseo claro, envolvente y armónico: Alexandre Desplat (El Discurso del Rey/2010, y Argo/2017).

Historia sencilla, pero plena de sugerencias éticas e históricas. Revelará lo peor y lo mejor del corazón humano.

TOCANTE, VALIENTE Y ALENTADORA. POR LAS IMÁGENES DEL HOLOCAUTO ES POCO RECOMENDABLE PARA NIÑOS PEQUEÑOS.

Fica técnica

Título original: La plus précieuse des marchandises

2024: Animación, drama, holocausto Francia, Bélgica - 1,21hrs. 

Edición: Michel Hazanavicius, Laurent Pelé-Piovani 

Música: Alexandre Desplat 

Dirección de Arte: Julien Grande 

Guion: Michel Hazanavicius, Jean-Claude Grumberg (novela). 

Voces: Jean-Louis Trintignant, Grégory Gadebois y Denis Podalydès 

Dirección: Michel Hazanavicius

Destino Final: Lazos de Sangre - Por Jackie O.

"Muerte, seguid vuestro camino"

Sinopsis: Atormentada por una pesadilla violenta y recurrente, una estudiante regresa a casa para buscar a la única persona que podría romper el ciclo de muerte y salvar a su familia.

14 años desde la última cinta, la saga está más vigente que nunca y da para mucho más, ya que tiene una premisa muy interesante que, a sabiendas de lo que pasará o podría pasar, nos mantiene expectantes. De acuerdo a ello, sabemos cómo comienza y termina por la dinámica conocida. Pero esta vez, tenemos un cambio.

La trama gira en torno a Stefani Reyes, una estudiante universitaria que está pasando por meses muy complejos, todo debido a una recurrente pesadilla sobre el derrumbe de un restaurante en los años 60, del que solo sobrevive su abuela Iris, una mujer de la que nadie quiere hablar en la familia, pero que Stefani encuentra de todas formas para pedirle ayuda. Al hablar con ella, se da cuenta que debió haber muerto, por lo que la "Muerte" intentará restablecer el equilibrio y corregir el verdadero orden de las cosas. Entonces, si ya hay un cambio en su premisa, ¿se podrá burlar a la muerte?

Estamos ante una película ingeniosa, sangrienta y más cruel, porque ya no estamos ante desconocidos, sino que es la familia la involucrada. Eso da una pizca de emotividad, porque sus integrantes son carismáticos y nos duele que algo les suceda. Es una cinta que cumple con su cuota de género de terror, lo cual es difícil en estos tiempos. El tema de la familia está bien tocado, lo que le da un valor mayor al suspenso.

Lo negativo en parte para mí, fueron sus bastantes efectos especiales, los que no se ven bien, la mayoría, y pocos efectos prácticos, debiendo haber usado más estos últimos

No puedo dejar de mencionar que contamos con la agradable participación de un actor parte de la saga, como habrán visto en los trailers. Se trata de Tony Todd, para quien fue esta su última película y ya vemos su fragilidad.

"Final Destination Bloodlines", es una película de terror fantásticamente macabra y curiosamente divertida, que no se pueden perder, en especial los amantes del "gore".

Ficha técnica

Dirección: Zach Lipovsky y Adam Stein
Guion: Guy Busick y Lori Evans Taylor
Historia: Jon Watts, Guy Busick y Lori Evans Taylor
110 minutos. 2025.

Encerrado - Por Carlos Correa Acuña

Si tiene claustrofobia tal vez no sea bueno que vea esta película, porque prácticamente toda la acción transcurre al interior de una SUV de lujo, marca “Dolus”, ficticia en realidad, aunque similar al conocido Land Rover Defender.

La trama sigue a Eddie Barrish -Bill Skarsgård-, un tipo que está angustiado por la vida y la pasa mal. Trabaja como repartidor y su medio de sustento -su propio auto-, debe ser reparado, pero no le alcanza para pagar el trabajo. Como no le dan facilidad alguna, se las debe ingeniar para conseguir algo de dinero. Roba una billetera, compra boletos de lotería, trata de abrir autos estacionados; lo intenta todo. Mal que mal, solo cuenta tener dólares y aunque el precio del arreglo sea abusivo, no le queda otra que conseguirlo para seguir adelante. ¿Cómo, dónde…? Ya no sabe qué más hacer.

La desesperación es mala consejera, qué duda cabe, pero Eddie no está dispuesto a dejar pasar ninguna oportunidad. Robar parece ser el camino. Al ver una camioneta lujosa cuya puerta abre sin problemas dice, “esta es la mía” y se introduce en su interior. Desconocemos si Eddie ha vivido robando o bien estas son sus primeras incursiones; para el caso es lo mismo, porque él no duda en buscar al interior del coche cualquier cosa que se pueda llevar para venderla y así conseguir los casi 500 dólares que necesita para rescatar su herramienta de trabajo.

Al interior del “Dolus” todo es de lujo pero no encuentra nada “robable”. Decide bajarse. No puede. Se ha cerrado por completo. Queda hermético. Vidrios polarizados, insonoro; aislamiento total. ¡Qué buenas las primeras tomas al interior del vehículo! Una secuencia en 360 grados, con cámara circular, que va girando, una y otra vez, captando de cerca al protagonista al interior de un habitáculo que será el centro de atención de ahí en más.

La cosa no pinta bien. Los esfuerzos por romper los vidrios, las puertas, o buscar algún punto débil son infructuosos. Incluso, Eddie se pasa a llevar el brazo con un metal filoso y sangra profusamente. Solo una llamada viene a romper los monótonos intentos de escape. Eddie la ignora. Sigue tratando de salir. Suena el teléfono de nuevo. Nada. Hasta que decide contestar. Se trata del dueño, William -Anthony Hopkins-, quien, de entrada, le expone la realidad de lo que sucede. Eddie está a su merced. Es una trampa ideada luego de seis robos sufridos. Pero no más, se acabó. Este es el definitivo, el último; no señor, nunca más.

David Yarovesky dirige este remake de la película argentina del año 2019 llamada “4x4”, y lo hace con solvencia. Es muy difícil manejar un ambiente cerrado y al mismo tiempo darle aire o algún respiro. Todo transcurre al interior de un automóvil. Es un logro técnico y en esta ocasión funciona muy bien, aunque el formato canse un poco. Pasa no solo un día o dos, son varios más. Algo así como atrapado sin salida y por causas desconocidas. Ignoramos el por qué de la situación que maneja William con todo el poder del mundo. ¿Se trata de un juego o es un psicópata que busca algo más? Podemos especular, pero sinceramente no podemos adivinar las intenciones y tampoco creer a pie juntitas que aquello que dice el dueño de la SUV corresponde a la verdad. Lo que sí es cierto es que se trata de una vil tortura.

Durante muchos minutos solo escuchamos la voz de William y Anthony Hopkins lo hace perfectamente. Actúa con su voz, literalmente. Las pausas, los silencios, la fonética, la claridad de la pronunciación son un verdadero lujo. Los diálogos -o monólogos-, no son insustanciales porque se trata del bien y el mal, del arrepentimiento, de la justicia por mano propia, de las lecciones y el castigo como consecuencia de los actos. Nada de esto es poco, es sustantivo, y aunque sea parte de una película de entretención, no deja de llamar la atención.

El relato sigue tenso e “in crescendo”. Se mueve sobre sí mismo pero funciona. No sabemos hacia dónde va, tampoco adivinamos el desenlace ni vemos por dónde han de venir las resoluciones.

Un cambio de escenario se produce poco antes del último tercio. La SUV se pone en movimiento. Se maneja remotamente, es eléctrica, por tanto William controla la ruta, la velocidad, el freno; todo. Y surge la música. El Concierto para Piano de Tchaikovsky y el Vals de la Ópera “Eugen Oneguin” del mismo compositor, entregan un par de pistas sobre aquello que impulsa a William a hacer lo que hace. La tensión sigue aumentando y el clímax está cerca. Nada importa; qué más se puede perder.

Cuando suena de fondo “Sherezade”, de Rimsky-Korsakov, nos aprestamos a cerrar el círculo. ¿Guiño a la historia del cuento de las “Mil y una noches”? Puede ser, tendría sentido.

“Locked” dura solo 95 minutos y eso está perfecto. Ni más ni menos, ni una coma más ni una menos. Apertura, desarrollo, tensión y resolución. Bien. Con un final impredecible que, a pesar de peder un poco de sustancia, logra rematar correctamente. Véala, aunque solo sea por Anthony Hopkins. Vale la pena.

Ficha técnica

Título original: Locked
Año: 2025
Duración: 95 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Canadá; Boxo Productions, Pink Flamingos Films, Raimi Productions, ZQ Entertainment, BondIt, Buffalo 8 Productions, Longevity Pictures. Productor: Sam Raimi
Género: Thriller. Terror | Remake
Guion: Michael Ross. Remake: Mariano Cohn, Gastón Duprat
Música: Tim Williams
Fotografía: Michael Dallatorre
Reparto: Bill Skarsgård, Anthony Hopkins
Dirección: David Yarovesky

Destino Final - Por Jackie O.

"Saga mortal"

Es una franquicia de terror estadounidense compuesta por cinco películas (hasta ahora), un par de cómics y novelas.

Las cinco películas tienen la misma premisa, se centran en un pequeño grupo de personas que escapan de una muerte inminente cuando un individuo (el protagonista de cada película) tiene una repentina e inexplicable premonición y les advierte que todos morirán en un terrible accidente. Después de evitar las muertes anunciadas, los sobrevivientes mueren uno por uno en extraños accidentes causados por una fuerza invisible que crea complicadas reacciones en cadena. Pero, ¿alguien podrá engañar a la muerte?

El comienzo del siglo comenzó con esta película que presentó una nueva forma de ver terror, donde el antagonista no es una persona, es la muerte, o tal vez un ente sobrenatural... incluso puede cuestionar la religión o cualquier creencia, ya que, a veces, las muertes suceden pro hechos que efectivamente pueden ser casuales, como por ejemplo, el viento bota algo y eso genera que "x" cosa caiga, y eso provoca la muerte de alguien. Pero hay otras situaciones que son muy extrañas y ya la naturaleza no los provoca; pareciera que un ente extraño posee el lugar... raro e inexplicable. Genera muy bien el concepto de suspenso, ya que, a pesar de saber lo que sucederá, los nervios se apoderan de nosotros por algo que sabemos que viene o tal vez no (aún), y la parte terror también la tiene ganada, al haber un "ente" extraño que provoca pavor.

En cuanto a la particularidad de cada una de ellas:

Destino Final 1: año 2000. El centro principal es un avión, un grupo de estudiantes de preparatoria se va de viaje a Francia, pero uno de los alumnos extrañamente tiene una visión tan real que se desespera y baja del avión con un grupo que de muy mala gana lo acompaña y se salvan del accidente. Pero después van muriendo de a poco, pero no al azar. Ahí conocemos al forense, que misteriosamente orienta, o trata, al protagonista. Las muertes son ingeniosas, pero muy sangrientas.

Destino Final 2: año 2003. Ambientada un año después de la anterior, sigue a un grupo de conductores y los hechos suceden en una carretera. Nuestra joven protagonista busca ayuda de alguien que sabe lo que sucede con esas promociones, con el fin de salvarse y salvar al resto.
Esta cinta es la más recordada por las personas, ya que al toparse con un camión cargado con madera se pone la piel de gallina.

Destino Final 3: año 2006. Ambientada a cinco años de la primera, el hecho principal ocurre en un parque de diversiones, donde la protagonista, quien está encargada de tomar fotografías a sus compañeros antes de subir a la montaña rusa, y como es la tónica, tiene un sueño premonitorio muy realista que la desespera y la pone tan histérica que deben sacarla del carrito, siendo acompañada por un grupo de otros jóvenes. Y comienza la lucha de supervivencia, porque la muerte los persigue.

Destino Final 4: año 2009. Todo ocurre en una carrera automovilística. Nuestro protagonista sale raudo del lugar luego de su sueño premonitorio, siendo seguido por un grupo de buena y mala gana, comenzando la lucha por la supervivencia. Vienen muertes más crueles y exageradas que llegan a ser algo asquerosillas. En lo personal, es la segunda de la saga que menos me gustó en su desarrollo.

Destino Final 5: año 2011. La cinta que menos me gustó, pues encontré que fueron las muertes muy abruptas, torpes y exageradas.
Todo se centra en un puente que colapsa. Lo que rescato es que, en esta oportunidad, el miedo lleva a cometer brutalidades a las personas, ya no se actúa en grupo, la sobrevivencia es llevada al extremo. Y al final nos muestra un dato cronológico importante.

Las cintas son para mayores de edad. Los efectos visuales son muy realistas, así como los efectos prácticos, siendo visualmente chocante. El guión, aunque es el mismo, es original y da pie para que la franquicia continúe. Las actuaciones son creíbles, en su mayoría, y mantiene buenos planos.

Todas las pueden encontrar en MAX y duran solo una hora y media cada una, tiempo justo para contarnos la trama, ya que avanza rápido.

Solo queda esperar este año "Final Destination 6", y ver qué nos depara el número 180, que sale en todas las cintas.

Ficha técnica

Dirección:
James Wong (1, 3)
David R. Ellis (2, 4)
Steven Quale (5)

Oro Amargo - Por Carlos Correa Acuña

Norte de Chile; el Desierto de Atacama en todo su esplendor. Grandes extensiones de dunas, pocas huellas y un camino principal, configura un escenario que excede con creces a los protagonistas de esta historia. Pequeños y medianos piques mineros abundan en la zona. Varios de ellos, al margen de la regulación, son operados por esforzados trabajadores artesanales que sueñan con encontrar la veta que los hará millonarios. Ese es el sueño, un objetivo que los mantiene vivos confiando en un mañana que, están seguros, no les defraudará.

Padre e hija, Pacífico -Francisco Melo-, y Carola -Katalina Sánchez-, trabajan su territorio. No pueden solos, necesitan manos y las tienen; son cinco pares, cinco obreros, con virtudes y defectos, a los que recogen diariamente en un cruce para enfrentar la faena diaria. Sin embargo, uno de ellos tiene problemas. No es honrado y se rebela; consecuentemente es despedido. Pero eso es solo el comienzo. Lo que viene, roza entre el infortunio y la mala suerte, porque donde hay oro, hay un sabor amargo; y también el diablo se hace presente.

La historia original tiene una parte de realidad. Cuando uno de los guionistas leyó una noticia sobre una mina de cobre trabajada y administrada exclusivamente por mujeres, la idea comenzó a tomar fuerza ya que es bien sabido que la minería es un mundo de hombres, con hombres y para hombres. Por eso, las mujeres no tienen acceso, salvo como acompañantes relegadas al servicio, en el mejor de los casos. Dado lo anterior, esta premisa de un pique gestionado por un padre y su hija permite variaciones impensadas, sobre todo cuando ella es quien debe tomar responsabilidades por la ausencia del verdadero jefe de obra.

Ni siquiera ser la hija del propietario permite a Carola tomar el control. Es cierto, es fortuito, porque un incidente incide en la salud de su padre y la obliga a ella a tomar cartas en el asunto. Pero no es respetada, ni por si acaso. La contienda es desigual y no tiene mucho futuro, pero aun así, Carola tiene las agallas para plantarle cara a sus trabajadores y tratar de avanzar, en la medida que puede, tomando acciones para sobrevivir ante un panorama que no solo resulta hostil, sino que además la expone a un peligro real.

Con una estupenda fotografía de Sergio Armstrong, “Oro Amargo” va tomando vuelo progresivamente. Un comienzo sinuoso, algo intrascendente, da paso al punto de inflexión que cambia totalmente el rumbo del relato. No obstante, el desarrollo cuesta que tome ritmo porque a las creíbles actuaciones protagónicas de Katalina Sánchez y Francisco Melo, se agregan personajes secundarios que resultan desdibujados y que incluso hacen deslucir a un irreconocible Daniel Antivilo.

A pesar de abusar un poco de las caricaturas, sobre todo en un comienzo, la película no sortea algunos baches narrativos como consecuencia del manejo irregular de la tensión. Ni siquiera la certera cámara de Armstrong logra eludir algunos saltos, porque entre medio de esas hermosas imágenes se cuelan secuencias que pierden soporte, lo que, además, se acrecienta con un audio poco preciso y una banda sonora que se desarrolla por su propio carril.

En síntesis, “Oro Amargo” es una historia que progresa a lo largo del metraje. Sin embargo, padece de algo similar al trabajo que representa, es decir, resulta un poco áspera y tosca, sin pulir, tal como sucede con una piedra preciosa recién extraída de la tierra.

Ficha técnica

Título original: Oro amargo
Año: 2024
Duración: 83 minutos
País: Chile
Compañías: Coproducción Chile-México-Alemania-Uruguay; Juntos Films, La Santé Films, Plotlessfilm, Tarkiofilm, Whisky Films. Distribuidora: JIP Film und Verleih
Género: Drama. Thriller
Guion: María Luisa Furche, Francisco Hervé, Moisés Sepúlveda, Agustín Toscano
Música: Sofía Scheps
Fotografía: Sergio Armstrong
Reparto: Katalina Sánchez, Francisco Melo, Michael Silva, Daniel Antivilo, Moisés Angulo, Carlos Donoso, Matías Catalán, Carla Moscatelli, Carlos Rodríguez
Dirección: Juan Francisco Olea

El Arpa de Pasto - Por Juan Pablo Donoso

Bella versión cinematográfica de la novela, y posterior obra teatral, del controvertido escritor Truman Capote.

Semi-biografía lírica de su niñez y adolescencia en la sureña Alabama de los años 30.

Una combinación nostálgica de ternura y doloroso despertar a la madurez.

Es una de las más hermosas, e inspiradas novelas, de este autor que alcanzó notoriedad como literato, además de sus alardes como sarcástico “socialité” en los círculos elitistas de Nueva York. (A Sangre Fría - Desayuno en Tiffany - Otras Voces, Otras Habitaciones).

Obra menor tensa, irónica e inundada de un encanto cálido y transparente.

Al quedar huérfano cuando niño es acogido por Verena y Dolly, dos tías solteronas muy distintas entre sí. Una es rígida y dominante. La otra sensible y encantadora. Un día, Dolly, cansada de la tiranía de su hermana, decide abandonar la casa e irse a vivir a una covacha situada sobre un árbol con el sobrino y una criada negra. Gracias a esta escapada, y a la censura del pueblo, descubrirán la libertad y también el amor.

Con delicados detalles recrea un mundo ya perdido. Adaptación finamente dirigida por Charles Matthau. Homenaje a una forma de vivir llena de magia cotidiana.

Consagradas actrices y actores aportaron con mística la evolución interna de cada uno de sus personajes. Aplaudimos la reaparición gozosa de Mary Steenburgen, quien rompe con desparpajo los viejos cánones morales de la época. Y otro tanto la gentil presencia de Walter Matthau, como el sabio juez local jubilado, puesto ahí con acierto por su hijo el director de la película.

Sabiduría natural, que nace de los corazones puros, y que siempre pueden perdonar.

“Cuando estemos muertos, el arpa de pasto contará nuestras historias” (Juez Charley Cool).

Disponible en YouTube.

HERMOSA REMINISCENCIA JUVENIL CARGADA DE PINTORESCOS PERSONAJES PUEBLERINOS. LOGRADA MEZCLA DE AÑORANZAS Y REFLEXIONES POÉTICAS.

Ficha técnica

Título Original: The Grass Harp

1995 Tragicomedia juvenil, costumbrista EE.UU. - 1,47 hrs 

Fotografía: John A. Alonzo 

Edición: Sidney Levin, Carroll Timothy O'Meara 

Música: Patrick Williams 

Diseño de Prod.: Paul Sylbert 

Guion: Stirling Silliphant, Truman Capote 

Actores: Piper Laurie, Sissy Spacek, Walter Mathau 

Director: Charles Matthau Visible en YouTube

Kayara - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: Una joven del Imperio Inca, apasionada por el trabajo de los mensajeros Chasquis, sueña con unirse a este grupo exclusivo de hombres encargados de llevar mensajes a lo largo del vasto Imperio Inca. Desafiando las estrictas normas de género y las tradiciones de su sociedad, la joven lucha contra las expectativas impuestas y enfrenta numerosos obstáculos en su búsqueda por cumplir su ambición. A pesar de las adversidades, su determinación y coraje la impulsan a romper barreras y a demostrar que su lugar está en el corazón del imperio.

Una colorida propuesta de animación nos llega desde Perú. Desarrollada con el software “Blender”, al igual que “Flow”, esta película, dirigida por César Zelada y Dirk Hampel, se interna en los recovecos de una cultura ancestral, los Incas, para contar una historia que bien podría ser parte de los tiempos actuales. La cinta muestra la imposibilidad de las mujeres para formar parte de los Chasquis, un grupo privilegiado de mensajeros solo compuesto por hombres, y además da cuenta de un intrincado complot que busca hacerse del poder y el dinero del imperio.

La banda sonora interpretada por la Orquesta Sinfónica de Budapest, a cargo del productor español Toni M. Mir, destaca por el uso de temas y colores andinos, además de incluir canciones en quechua compuestas por Renata Flores. A modo de música incidental, la partitura sorprende por su acompañamiento a la escena con tejidos armónicos suaves que evocan que evocan distintos momentos del día junto a características particulares de los personajes.

Formalmente dividida en tres secciones, la cinta avanza rauda hacia un primer punto de resolución cuando se alcanza aproximadamente los dos tercios del metraje, decisión arriesgada, pues aquello requiere nuevamente desarrollar otro nudo para alcanzar el cierre final. En ese sentido, el guion de Cesar Zelada, Brian Cleveland y Jason Cleveland se las arregla para permitir el repunte, ampliando el arco narrativo hacia un conflicto que, aunque resulta predecible desde el comienzo, poco a poco toma cada vez más protagonismo gracias a la presencia de un antagonista que es alguien muy cercano pero, a la vez, malvado y con malas intenciones.

En solo 90 minutos, “Kayara” mueve todas sus piezas para construir algo que se siente diferente, no solo por sus entornos, sino también por la manera que emplea para conducir el relato. La película se siente fresca porque el resultado es una cinta ligera, ideal para los pequeños y los no tan pequeños del hogar. Aparte de las conocidas caricaturas de héroe y villano, permite acercarnos a ciertos usos y costumbres de un pueblo que habitó el occidente de América del Sur desde el siglo XIII hasta el siglo XVI, una de las civilizaciones más extensas, influyentes y avanzadas del mundo precolombino centrada, justamente, en el Cusco, en Perú.

Ficha técnica

Título original: Kayara
Año: 2025
Duración: 90 minutos
País: Perú
Compañías: Coproducción Perú-España; Tunche Films, B-Water Studios
Género: Animación. Aventuras. Infantil | Civilizaciones precolombinas
Guion: Cesar Zelada, Brian Cleveland, Jason Cleveland
Música: Toni M. Mir
Fotografía: Animación
Reparto: Animación
Dirección: Cesar Zelada, Dirk Hampel

Kraven el Cazador - Por Jackie O.

"Las leyendas no deben morir"

Historia: El personaje fue creado por el escritor Stan Lee y el artista Steve Ditko (dupla genial para mi), y el personaje apareció por primera vez en "The Amazing Spider-Man" #15 (agosto de 1964). Kraven es considerado un supervillano que aparece en los cómics publicados por Marvel Cómics.

En esta oportunidad, llevado a la pantalla, Kraven no es un súper villano, sino que se dedica a cazar gente que considera malvada. Pero, ¿eso lo hace un héroe?

Dmitri y su hermano Sergei viven con su estricto y frío padre, un ruso mafioso que le exige a sus hijos dureza, pero Dmitri es un jovencito tímido y vulnerable, su padre lo trata de débil y lo humilla, tiene más cariño a su hijo mayor, un adolescente Sergei, quien es más crítico de su padre. De todas formas ambos le temen.

Pero un viaje a África le cambiará la vida a Sergei. Mientras cazan obligados por su padre, quien está obsesionado por los grandes animales y llevarlos de trofeo, Sergei sufre un grave accidente del que lo salva una chica, que también estaba de vacaciones con sus padres, llamada Calipso. Nadie se percata de esa ayuda que sucede de forma sobrenatural. Sergei se salva y se va de su hogar, pues ya no soporta a su padre. Pero su vida ha cambiado. Algo le sucedió en ese accidente que lo transformó en alguien poderoso, sin temor y con fuerza inigualable.

Pero el Cazador también es cazado y es perseguido por Rhino, un tipo que odia a los Kravinoff, un sujeto que fue débil y se sometió a una intervención que lo hizo invencible, según él. También está el "Extranjero y Omer", quienes fueron contratados por Rhino para matar a Kraver. Así vamos viendo cómo Kraven, ayudado por Calipso, debe luchar por su vida y salvar a su hermano, su punto débil, quien fue secuestrado.

Estética: En cuanto al guion, aunque no tuvo momentos memorables, sí se plasmaron los temas familiares que da la personalidad a estos hermanos. También se ve la lealtad y la lucha por escapar del pasado. Vemos, también, que Kraven está mirando en el lugar equivocado, ya que su mayor amenaza está aún más cerca de lo que cree y deberá algún día enfrentarla, por lo que se vendría un Kraven 2, aunque no hubo escenas post créditos que nos diera algún adelanto; habrá que esperar.

Considero que se hizo una mala campaña de algunos que destrozaron está cinta, pero no es mala (peores fueron Venom y Madame Web). La historia es buena, pero el guión, como señalé, no fue memorable, pero la delgada línea entre héroe y antihéroe está ahí.

Los personajes están bien interpretados, son creíbles.

 
Los CGI fueron más o menos, los animales se notaban falsos. Y hay una linda fotografía, con diversos planos.

Aún con sus fallas, cumple con entretener gracias a sus protagonistas, en especial Aaron Taylor-Johnson, quien se merecía un puesto en el mundo cómic.

Ficha técnica

Disponible en MAX.
Director. J. C. Chandor
Protagonizada por: Aarón Taylor-Johnson, Ariana De Bose, Fred Hechinger, Alessandro Nivola, Cristóbal Abbott, Russell Crowe
125 minutos. 2024

Karate Kid: Leyendas - Por Carlos Correa Acuña

La saga "Karate Kid" nos trae una nueva aventura luego de varias películas y el éxito de “Cobra Kai”, la reciente serie de televisión emitida en Netflix. La fórmula -recurrente pero efectiva- funciona esta vez gracias a un guion que sigue el manual al pie de la letra. A saber, un estudiante de artes marciales se enfrenta a un nuevo ambiente complicado y hostil, debe sobreponerse a traumas pasados y, a la vez, desafiarse para perfeccionar sus movimientos y estrategias. ¿Conocido? Claro que sí, pero no por ello “a priori” descartable.

Li Fong -Ben Wang-, es un joven prodigio del kung fu que se debe mudar de Pekín a Nueva York debido al traslado laboral de su madre. Ambos arrastran una tragedia que condiciona sus vidas y el cambio de continente se presenta como una oportunidad de reinicio. Pero nada es sencillo, porque lo que vive Li Fong va más allá de una simple animadversión de algunos de sus compañeros. Es rechazo, puro y duro, mezclado con violencia y permanente bullying. El conocer a Mia -Sadie Stanley- y a su padre Victor -Joshua Jackson-, le brindan una motivación especial para sobreponerse a eso y luchar, a pesar de haber jurado a su madre no pelear nunca más.

Como es una historia de "Karate Kid”, nos encontramos con sus emblemas. Jackie Chan como el Sr. Han, instructor del joven Li, y Ralph Macchio como Daniel LaRusso, el “Kid” original, son quienes ayudan al protagonista, en una película que conecta la nostalgia con un presente que fusiona estilos de combate y los proyecta hacia un nuevo comienzo.

Jonathan Entwistle dirige este relato con pulso firme y no necesita alargarlo para exponer lo que todos esperamos encontrar en una cinta de esta naturaleza. Sin duda, lo más llamativo son los combates, pero también debe haber un contexto, una figura antagónica y una razón de ser. Todo esto se consigue en adecuados noventa y cuatro minutos, sin innovar pero también sin dejar cabos sueltos.

Las coreografías desplegadas por Ben Wang son creíbles. Sus dudas, temores y progresos parecen reales. El apoyo de Chan y Macchio resulta fundamental, pues son sus guías, aquellos mentores que le llevan hacia el autoconocimiento y el esfuerzo constante tras un objetivo. Es cierto que lo hemos visto muchas veces; sin embargo, igual nos seduce y lo disfrutamos como si fuera la primera o la segunda vez.

Otro punto a destacar de esta nueva entrega es el rol que toma la ciudad de Nueva York, con sus imponentes rascacielos y el tráfago cotidiano que imponen sus habitantes. Podríamos decir que es otro personaje, un escenario amplio y apropiado que entrega un telón de fondo, en modo turístico, a una historia que es mucho más personal de lo que parece a simple vista.

“Karate Kid: Legends” podría transformarse en un nuevo inicio, ya lo veremos. Las historias de superación personal, cuando están bien contadas, logran conmover, y cuando los personajes conectan con la audiencia de manera sensible, retratando tanto frustraciones como nuevas oportunidades, configuran un buen punto de partida. Además, si agregamos a lo anterior un buen número de coreografías de combate bien ejecutadas, el resultado podría ser explosivo para una audiencia que privilegia más la entretención que la novedad o la profundidad de contenidos.

Ficha técnica

Título original: Karate Kid: Legends
Año: 2025
País: Estados Unidos
Género: Acción | Artes marciales. Secuela
Grupos: Karate Kid / Cobra Kai
Guion: Rob Lieber. Personaje: Robert Mark Kamen
Compañías: Columbia Pictures, Jerry Weintraub Productions, Overbrook Entertainment, Sony Pictures. Distribuidora: Sony Pictures
Duración: 94 minutos
Reparto: Jackie Chan, Ralph Macchio, Ben Wang, Joshua Jackson, Sadie Stanley, Ming-Na Wen
Dirección: Jonathan Entwistle

Puente en Llamas - Por Jackie O.

“Acción y consecuencia”

Sinopsis: Un veterano de guerra, afectado por un trastorno de estrés postraumático, se ve atrapado sin querer con su hermana adolescente en el puente Tobin Memorial de Boston, mientras un grupo de ex militares revolucionarios fuertemente armados toman a todos como rehenes.

Erick comparte de forma tranquila con su hermana Melanie la conducción en carretera, hasta que llegan al puente Tobin Memorial donde hay un gran “taco”. Docenas de vehículos están desesperados por salir de ahí, pero se producen dos explosiones, una en cada extremo del puente, impidiendo que se muevan los conductores, quedando atrapados. Por otra parte, y antes que sucediera dicha explosión, de la cárcel sale custodiada la rehén Samanta, alias “DOC”, quien es trasladada a un lugar mas seguro, ya que al día siguiente debe declarar contra unos terroristas; pero quedan atrapados en el puente por la explosión, enterándonos que el objetivo era ella. Pero lo que no sabemos, es si es para rescatarla, o para matarla.

Y tenemos otro escenario, los terroristas liderados por Jimmy, un sujeto que está dispuesto a todo por lograr su objetivo, que es la “Doc”, enterándonos cuáles son sus fines con ella.

Como podemos ver, tenemos tres escenarios donde se unen estas tres historias para darnos el contexto de toda la acción que veremos y que se desarrolla en un puente.

Una propuesta muy interesante, viéndola de ese punto de vista, pero todo va en el desarrollo de esa buena idea. Veamos cómo queda.

Sus protagonistas. Dylan Sprouse, quien tuvo una infancia y adolescencia muy exitosa en TV, lo había perdido de vista desde hace tiempo a pesar de que sí ha estado activo, desarrolla un rol de héroe-ex militar muy bien, es muy creíble su estrés postraumático y las escenas de acción las ejecuta bien, es el tipo de “héroe de acción”; a su antagonista, Mason Gooding, quien tiene unos zapatos muy grandes que cubrir por la sombra de su padre, le faltó mas credibilidad a su rol de villano, pero está bien encaminado.

El resto de los actores y actrices, por ejemplo, Samanta “Doc”, en sus escenas de acción no es convincente y se nota un bajo trabajo coreográfico, a diferencia del resto de varones que se ve que se manejan más en esa disciplina.

El guion es simple y efectivo. Nos muestra a personas desesperadas por diferentes situaciones y quieren de alguna forma salir de donde están.

Pero hay otro escenario que se pudo haber utilizado y fue muy mal aprovechado: el de los policías. Era perfecto para haber recreado otra historia aparte y conectarla a la principal, pero la policía no se movió un centímetro y no aportaron en diálogos interesantes, algo que pudo haberse hecho.

En cuanto a la acción de la película, estuvo buena, hubo momentos de tensión, donde vimos no solo peleas cuerpo a cuerpo o balas, también hubo personas con temor, con valentía, etc. Situaciones que son parte del ser humano, de hechos que suceden en el momento o por las secuelas que traen.

También vemos como Melanie, hermana de nuestro protagonista, quien confía en su hermano y a pesar de tener miedo, su valentía radica exclusivamente en la confianza depositada en él, quien, aunque él mismo no confía en sus actos, ella sí, y lo alienta a eso.

Estamos ante una película de buena acción, con altos y bajos técnicos y sus clichés hollywoodenses, pero que nos entretiene.

Ficha técnica

Título Original: Aftermath 

(Ojo con confundirse con otras cuatro películas, más o menos, que tienen el mismo nombre en inglés)
Dirigida por Patrick Lussier
Guión de Nathan Graham Davis
Protagonistas: Dylan Sprouse, Mason Gooding, Megan Stott, Dichen Lachman
Cinematografía: Shelly Johnson
Música: Michael Wandmacher
2024. 1 hr 30 m.